The Rocky Horror Critic Show

Cronico Ristretto : Afrodisian Orchestra - Satierismos (2011)

2012-01-25T23:07:00.001+01:00

Dans les souvenirs du préposé, la première incursion jazz d'une des compositions du maître Erik Satie datait de 1971, celle où sur son album In The Beginning le flûtiste Hubert Laws reprenait le premier thème des Gymnopédies. Une relecture respectueuse à la croisée du jazz et des arrangements somptueusement soul de la maison CTI. Quatre décennies passées, le haut-normand reste une source d'inspiration pour les jazzmen en herbe, à l'image de cet Afrodisian Orchestra, big band en provenance de la péninsule ibérique et leur Satierismos.

L'Afrodisian Orchestra fondé à Madrid en 2008 sous la tutelle du bassiste Miguel Blanco sort son premier disque Mediterraciones l'année suivante. Le big band espagnol se produit alors régulièrement dans les clubs madrilènes, et à l'occasion dans divers festivals ibériques, tels que le festival de jazz de Madrid ou celui de Zamora. Comme tout grand ensemble de jazz, l'Afrodisian est caractérisé par une section cuivre pléthorique, neuf souffleurs abonnés à la trompette, au trombone et aux saxophones de toute sorte... et deux flûtes traversières pour les boulimiques restants! Ajoutez y une section rythmique comportant un pianiste, un guitariste, un bassiste et deux percussionnistes, l'Orchestra est taillé pour faire rugir une incandescence jazz aux accents latins de Cuba en passant par le Brésil.

Or leur deuxième album sorti l'année dernière propose un hommage à Erik Satie, un choix sinon contraire tout du moins surprenant, risqué et par conséquent attisant la curiosité de l'amateur du natif de Honfleur. Habiller les Gymnopédies et autres Gnossiennes de tels arrangements riches en couleur pouvaient faire craindre le pire tant ce numéro d'équilibriste s'avérait des plus périlleux...

Et l'hommage rendu qui apparaissait comme une gageure s'avère être au final suffisamment convaincant pour éviter la case des anecdotiques. Si pari il y a eu, Miguel Blanco et son orchestre l'a dans son ensemble réussi grâce à une prise de risque salvatrice, tel l'apport du chant flamenco (Gnossienne 3 (Tientos)) ou du phrasé hip-hop (Le fils des étoiles), et bien évidemment ces cuivres rugissants et chaleureux offrant un contre-emploi appréciable sur le brésilien Gnossienne 1 (Baiao) ou le cubain Gymnopédie 2 (Descarga). Mais que les esprits renfrognés soient rassurés, le disque ne fait cependant pas l'impasse sur les mélodies douces et mélancoliques d'Erik Satie à l'image du Nocturne n°3 ou de la 3ème Gymnopédie (Balada).

Un album à découvrir pour ceux qui auront l'ouverture d'esprit, la curiosité (et accessoirement le courage de passer outre l'apport démonstrativement creux du guitariste soliste (*) ouvrant ce sympathique Satierismos (1)).

Le fils des étoiles et Gnossienne 1 (Baio) en écoute sur leur site internet.

Album en écoute sur Deezer.

(*) Ami(s) de l'onanisme guitaristique, vous devrez attendre 2'30" avant d'en "prendre plein les oreilles"

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(1) Fort heureusement, ce dernier ne "pollue" que le titre d'ouverture...

Cronico Ristretto : Kosmograd - Kosmograd (2011)

2012-01-08T13:03:00.000+01:00

A défaut d'avoir conclu 2011 par la chronique d'un album de sludge, entamons la nouvelle année et corrigeons cette bévue par le premier album éponyme de Kosmograd sorti en septembre dernier. Et débutons cette chronique serrée par une question qui ne laissera planer aucun doute sur la santé mentale des protagonistes et le bien fondé de leur dernière livraison : quand vos centres d'intérêt se limitent à la vie, aux dinosaures, à l'espace et en particulier à la vie des dinosaures dans l'espace (1), un groupe peut-il être foncièrement mauvais?

Basés à Toronto et formés depuis 2009, les quatre musiciens après diverses démos égrenées en 2010, enregistre l'année suivante un premier album de 5 titres fleurant bon le sludge et plus si affinités. Variant autant les rythmes et les ambiances que les durées, avec un goût néanmoins prononcé pour les formats longs, les Kosmograd combinent volontiers leur sludge avec un heavy épique, une bonne dose de psychédélisme et bien sûr du grooooove en veux-tu en voilà...

Fait relativement inhabituel, ce premier disque s'ouvre par un instrumental, The Weather Of Hangman, avoisinant tout de même les neuf minutes, une mise en bouche attendue pour l'amateur d'envolées graisseuses, quoiqu'assez déconcertante pour celui qui voulait du rugueux rampant. Les autres attendront le tout aussi long Hard Six, mieux construit et plus représentatif de l'album, soit une alternance de rage hardcore appuyée par deux vocalistes hargneux et complémentaires (à la Kylesa), et de poussées progressistes voire folk (2).

Du space rock mâtiné de sludge et inversement ce Kosmograd? En quelque sorte à l'écoute du final The Owl. A suivre.

<p>&amp;amp;amp;lt;p&amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;a href="http://kosmograd.bandcamp.com/album/self-titled"&amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;self-titled by kosmograd&amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/a&amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;lt;/p&amp;amp;amp;gt;</p>__________________________________________________________________________________________________________________

(1) Dixit leur page Facebook

(2) Le furieux Velossaraykin se concluant par un sample ressemblant à du Vladimir Vyssotski.

Lulu - Lou Reed & Metallica (2011)

2011-12-30T15:22:00.000+01:00

L'annonce ressemblait à un poisson d'avril... excepté que la saison des canulars printaniers n'étaient plus d'actualité. Lou Reed et Metallica collaborant à un album commun, de quoi attiser la curiosité du badaud? Du préposé, pas vraiment, tant le dernier The Raven de papy Reed avait refroidi l'enthousiasme suscité par l'excellent Ecstasy (2000). Intérêt d'autant plus relatif à l'écoute de la dernière livraison des four horsemen (comme on dit dans le milieu), Death Magnetic, qui tentait de revenir (en partie) vainement au thrash de leurs jeunes années. Bref, à part être attiré par une curiosité malsaine et morbide, la sortie de Lulu n'allait aucunement bouleversé le quotidien des amateurs de musique... c'était oublier un peu vite le goût pour la viande faisandée qui anime ce site.

Prétendu comme le chaînon manquant entre le lourdingue Berlin (1973) et le heavy Master of Puppets (1986), Lulu pouvait-il dans ce cas susciter un quelconque regain d'intérêt? Sur le papier, le doute restait de mise, mais en bon charognard, la chronique d'une catastrophe annoncée restant toujours une expérience à vivre pour l'amateur déviant, la date de sortie du délit méritait donc d'être noté quelque part... le 31 Octobre 2011.

Inspiré par deux pièces de théâtre écrites par l'Allemand Frank Wedekind, l'album du quintette (accompagné d'un ensemble à cordes) se décompose (1) en deux disques d'une quarantaine de minutes pour 10 chansons au total : faite le calcul, gare à l'indigestion...

Mais à qui s'adresse dès lors ce Lulu? Pas aux fans de Lou Reed, ce dernier dans un élan de morgue habituelle (et désormais vain) déclarant qu'il n'en avait plus depuis 1975 et la sortie de son entreprise de démolition prénommée Metal Machine Music. Aux fans de Metallica alors? Encore moins, l'album étant hors des zones de prédilection du metalheads de base, soit très éloigné du pré carré métallique moyen. Resterait alors les autres, une poignée de pervers adeptes d'expériences musicales masochistes de toute sorte? Pas sûr finalement.

Si le miracle (s'il on peut le nommer ainsi) avait eu lieu en 1973 avec un concept-album fait de bric et de broc (2), les récentes démos de Reed revues à la sauce métallique offrent une autre destinée, naviguant entre le mauvais, le passable, le pathétique et contre toute attente deux trois exceptions suffisamment pertinentes pour sortir l'auditeur du marasme sonore ambiant. A cela, on retiendra un premier disque digne des pires productions de cette chimère musicale, un vieux au bord de la sénilité à la voix chevrotante récitant son texte imbitable appuyé par 4 lourdauds sourds comme des pots. Le trait parait forcé? Ecoutez donc la triplette Mistress Dread, Iced Honey ou Cheat On Me (3)... Le premier extrait de l'album présenté fin Septembre The View avait reçu une volée de bois vert, ce dernier reste pourtant après coup la chanson la plus présentable de ce premier disque, étonnant, non?

En partant de si bas, pouvait-on, pouvaient-ils faire pire? Heureusement pour eux, heureusement pour nous, non. Et pourtant la moyenne des titres n'a rien d'engageant : Frustration et Little Dog 8 minutes, Dragon 11 minutes et enfin Junior Dad quasi 20 minutes, gloups... Premier point, le fait de ne plus entendre James Hetfield, relégué à sa guitare, ne joue plus en la défaveur du second disque. Or comme sous-entend la durée des chansons relevée précédemment, ces dernières aurait amplement mérité quelques coupes, mais après l'épreuve passée des 6 premières chansons, une certaine indulgence, née d'un syndrome de Stockholm après l'écoute douloureuse sus-mentionnée, rend ces 4 dernières chansons plus... agréables? Apparaît également l'interrogation suivante : Metallica était-il le meilleur Sparring-Partner pour l'atrabilaire Reed? A l'écoute de Dragon et des 3 autres, la réponse est plutôt affirmative, pour le reste d'autres groupes auraient sans doute été plus en mesure de coller avec l'écriture du géniteur du mal-embouché Street Hassle, qu'importe... (4).

En conclusion, Lulu (comme pouvait le laisser supposer les réticences et doutes du préposé en préambule) ne restera pas dans les annales de la musique, mais évite tout de même de justesse le titre de catastrophe... Et puis, faut-il être fan de Metallica et retardé congénital pour avoir cru que les quatre de Los Angeles auraient eu le premier rôle, c'était mal connaitre la "démocratie" reedienne.

Disque 1

Disque 2

En écoute sur Grooveshark

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(1) Les mauvaises langues diront "se décompose" au sens propre comme au sens figuré...

(2) Rappelons nous que nombre de chansons de Berlin existaient déjà au format démo lorsque Reed et le Velvet Underground ne faisait qu'un, pour la continuité et le supposé concept de 73, on repassera...

(3) En vous laissant le libre choix de faire le jeu de mots facile approprié.

(4) Bien que Reed s'en défende, Metallica lui permettait également une plus grande couverture médiatique que s'il s'était attaché les services de Sunn 0))) ou Today Is The Day.

Funky front covers part V

2011-12-25T00:02:00.000+01:00

En partenariat cette année avec les talentueux Mario Labs ®, ouvrons comme le veut la tradition la nouvelle saison des Funky front covers © pour une mise en ligne croisée en mondovision à la gloire des pochettes sexy, déviantes ou par mégarde ridicules que les décennies passées ont pu offrir à la plèbe amatrice de débordement visualo-musical.

Et pour fêter cette cinquième édition, toute l'équipe (bon ok, le préposé et l'agent comptable...) a décidé de s'éloigner momentanément du funk originel (bouuuuuh!!!) pour d'autres horizons plus exotiques (aaaah!!), en gardant à l'esprit bien évidemment l'essence même des funky covers : une ode aux corps moites et à la chair frémissante.

En préambule, afin de solder les comptes pour reprendre les termes poético-financier de notre agent préféré, et avant de s'enfoncer irrémédiablement vers le grotesque (oh, l'autre!), il est bon de se rappeler qu'une femme nue n'est pas forcément un argument facile de vendeurs de soupe (gniiii?)... tout du moins pas forcément comme le prouvent les trois exemples suivants.

Prenons le troisième album du soulman Terry Callier What Color is Love, considéré à juste titre comme l'un de ses meilleurs, une demoiselle dévêtue sur un fauteuil en toile, mais au visage renfrogné cachant qui plus est ses attributs... ajoutez y un titre d'ouverture flirtant bon les 9 minutes, Callier ou le cas typique de l'artiste qui avec de telles méthodes de vente devra finalement attendre l'apogée de l'acid-jazz britannique pour enfin obtenir une tardive reconnaissance. Quant à l'organiste de soul-jazz Jimmy McGriff, il nous avait déjà fait le coup en s'inspirant du Sugar de Stanley Turrentine en 1971 avec Soul Sugar, or la même année le fameux joueur d'orgue Hammond remet le couvert avec Groove Grease dont la pochette aux formes et à la photographie retentissante définit à elle seule ce que doit être une pochette funky! Un maître-étalon visuel (la musique proposée n'étant malheureusement pas du même niveau). Mais le genre popularisé par Sly Stone et James Brown n'a pas l'apanage de la pochette sexy, en 1962 le bluesman Josh White enregistre l'album Empty Bed Blues dont la cover a dû faire étouffer plus d'un conservateur de l'époque...

L'exotisme avait été annoncé, chose promise, chose due : en route pour le Japon! Avant d'ouvrir les portes du ludo-éducatif cher à Mario Cavallero Jr, débutons cette visite culturelle par l'album Bass Bass Bass (1971) qui comme son nom l'indique est l'oeuvre d'un bassiste (ouah!) au nom d'Isao Eto qui fit parti intégrante au début des années 70 du big band de Masabumi Kikuchi. Une année 1971 riche en émotion débordante (chère au préposé), la décennie portant au pinacle le Iroke Kayōkyoku, genre musical typiquement nippon, soit de la pop érotisante chantée par des demoiselles n'ayant froid ni aux yeux, ni aux oreilles, ces dernières poussant au besoin quelques gémissements gravés sur vinyle... Kuwabara yukiko, jeune cover girl de ces années, enregistre en 1971 l'album Kuwabara yukiko to anata, musique passe-partout easy-listening agrémenté du chant parlé de la demoiselle avec longs soupirs quand le coeur lui en dit comme sur Weak Point. Mais le joyau du genre reste sans conteste l'incommensurable Kokotsu No Sekai d'Ike Reiko connue par la suite pour ses nombreux "pink films", mélange d'érotisme et d'action tel Female Yakuza Tale (Yasagure anego den: sôkatsu rinchi) (1). D'érotisme vocal, la jeune Ike n'hésitera pas à en redéfinir les limites tant l'album ressemble à un abécédaire des gémissements. Et la pochette me direz-vous? La back cover sur canapé bleu et petite culotte tout coton ne dépareille pas non plus...

Que les amateurs de funk se rassurent, nous ne les avons point oublié (quand bien même faut-il l'avouer, ils sont moyennement à la noce lors de cette cinquième saison), et comme à l'accoutumé trois pochettes où le postérieur des foxy ladies est à l'honneur en ces années 1976-1977. Un joli haut tricoté pure laine, un short orange échancré, voici donc la Little Funk Machine des Street Corner Symphony, honnête formation de funk dansante à l'écoute de l'extrait proposé (2) Come On Baby (Dance With Me). Un fessier mis en valeur par un short bien taillé, une figure imposée de la pochette funky? Qui plus est lorsque celle-ci cache une cruelle baisse de régime comme le Trick Bag de The Meters et leur lucide mais cruellement fade Disco Is The Thing Today. Pour se consoler, suivons alors cette dame jusqu'à son 13th Floor pour un sympathique Steppin' Out (1977).

Mais les Funky front covers ©, ce sont aussi des pochettes où se croise un improbable goût vestimentaire, où la symbolique reste des plus abscons pour l'imprudent qui chercherait à comprendre une raison à ce déferlement de couleurs et d'audaces visuelles façon la gerbe. Un maillot deux pièces futuriste, le pied droit posé sur une tortue, un godmiché en guise d'arme d'hast, plus un anneau de feu jaillissant au loin de la montagne, vous avez une heure pour commenter ce qui est passé par la tête de Claudja Barry et son Tripping On The Moon (1984), cover catastrophique d'un morceau de Cerrone. Et si vous pensiez que le sens du rythme ne pouvait venir de l'Est, détrompez-vous! La Neoton Familia, groupe populaire en Hongrie et son tournesol Napraforgo (1979) nous propose le meilleur des effets made in Didier Marouani en version disco, avis aux amateurs de robe léopard et de femmes à lunettes... Et nous finissons ce tour d'horizon par le prix du meilleur costume qui est décerné cette année à... ou plutôt au... duo de sorcières prénommé Blanc de Blanc, on les félicite bien fort... par contre reste une question en suspens, Get Ready... prêt à quoi? A vomir à l'écoute d'un machin pareil?

Trop longtemps mis à l'écart en ces pages, la France eut elle aussi son heure de "gloire" picturale, dont son champion disco: Marc Cerrone. Si la pochette de son premier LP, Love In C Minor, annonçait un potentiel certain, il faudra attendre le deuxième, Cerrone's Paradise, pour que les vendeurs en électroménager trouvent enfin leur compte... tout comme ceux de Saint Maclou à propos du 45 tours du méconnu Serge Koolenn et de son Les femmes des autres/J'ai rien vu, variété funky qui a au moins un avantage, en plus de la demoiselle en porte-jarretelles, celui de suffisamment s'éloigner des préoccupations synthétiques de l'année 1982 pour un "groove" sonnant plus 70's. Et puis Sterling Saint-Jacques! Tout de même autre chose que les deux moustachus franchouillards précédemment cités, un éphèbe huilé né à Los Angeles qui la même année sortira un Muscle Man à la pochette tout aussi crypto-gay... mais sans les baskets! RRrrrrhhhHHH

En bonus, comment ne pas conclure ce cru 2011 par un trio de stars... Amanda Lear et son Tam-Tam (1983) prouvant une fois de plus que Cher n'a pas le monopole du ridicule (où on regrettera juste l'absence d'os de poulet dans la cloison nasale...). Ah, j'entends déjà les voix interrogatives, mais qui est donc cette jolie brunette cachant le museau de ce guépard sur ce Woman is free! Les amateurs de Rollinades reconnaîtront sans doute Françoise Pascal, ancienne cover girl (3), qui joua dans La rose et le fer (1974) de sieur Rollin, et les autres se rappelleront peut-être sa brève apparition dans le One+One de Godard sur les Rolling Stone. Ilona Staller... ça ne vous rappelle rien? Si, si, regardez bien ce que tient cette jeune blonde dans ses mains (j'ai dit les mains, merci!). Mais bon sang, mais c'est bien sûr! Une autre compatriote des tournesols magyars plus connu sous son pseudonyme transalpin : La Cicciolina! Ou on apprend que son fétichisme pelucheux date bien avant les bondissants Popples 80's... étonnant, non?

Et à l'année prochaine pour une nouvelle saison!

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(1) Ou on apprend que la mafia locale fait passer de la drogue dans des fioles dissimulées dans le vagin de passeuses...

(2) Pensez également à cliquer sur les images! Parce que vous je ne sais pas pour vous, mais le préposé a tout écouté... et ce ne fut pas une sinécure dans certains cas...

(3) Fou le nombre de cover girls qui sont passées par les Funky front covers ©...

Super - James Gunn (2010)

2011-12-20T20:29:00.000+01:00

A l'heure où le film de super-héros a toujours le vent en poupe de l'autre côté de l'Atlantique, entre un super-soldat yankee chargé en stéroïdes et bouffeur de nazis/canailles communistes (rayez la mention si besoin), et les futures nouvelles et dernières (1) aventures de l'homme chauve-souris, il est amusant de constater que cet engouement touche également le cinéma indépendant US de ces dernières années, à l'image du Defendor de Peter Stebbings ou de Super de James Gunn, mais proposant toutefois des « super »-héros et des histoires tout aussi décalées...

Frank D'Arbo (Rainn Wilson) a deux passions dans sa vie: le dessin aux crayons et sa femme Sarah (Liv Tyler). Mais un jour cette ancienne junkie renoue avec ses anciens démons tentée par le séduisant et charismatique Jacques (Kevin Bacon). Abandonnant le domicile conjugal pour ce dealer (et propriétaire d'un club de strip-tease), Frank perd rapidement le goût de la vie... lorsque celui-ci rencontre dieu (doublé par Rob Zombie)... tout du moins le doigt de ce dernier touchant son cerveau après le visionnage d'un des épisodes à but informativo-prosélyte du Vengeur Sacré (Holy Avenger) (Nathan Fillion). Par cette vision divine, Frank a la révélation, il doit devenir un super-héros. Armé d'une clef à molette et d'un costume rouge fait main, le désormais Éclair Cramoisi (Crimson Bolt) fait régner la terreur parmi les dealers de marijuana... et les resquilleurs de files d'attente, les coups de clefs à molette étant globalement assez persuasifs et offrant des souvenirs plutôt mitigés aux cloisons nasales des dits vilains. Mais Frank n'a qu'un but: sauver Sarah des griffes de Jacques, Frank trouvant comme tout bon super-héros qui se respecte son acolyte et sidekick, Libby (Ellen Page), la jeune employée de la boutique de comics où celui-ci était venu chercher l'inspiration...

Comme annoncé en introduction et à la lecture du synopsis, Super n'a rien du blockbuster hyper-protéiné qui apparaît lorsque l'été et les vacances scolaires surviennent (2). Ce film à budget modeste tourné en 47 jours se veut déstructuré, alternatif d'après les mots de son réalisateur auteur. En gestation depuis 2002, le film retrace l'histoire d'un homme banal, quoique benêt, amoureux, quoiqu'un peu sociopathe, croyant, quoique surtout illuminé, sans pouvoir extraordinaire, quoique maniant la clef à molette comme arme par destination avec détermination.

En grand amateur de comics, James Gunn a ainsi écrit une histoire reprenant divers "lieux communs" attachés aux super-héros pour mieux proposer une autre version : les motivations de Frank D'Arbo sont avant tout personnelles, d'une intelligence très moyenne, le personnage apparaît comme un justicier à la petite semaine, à côté de ses pompes et plongé dans un monde réel très éloigné des préoccupations socialo-vengeresses d'un Batman par exemple. Ajoutez une jeune partenaire encore plus déphasée et violente, qui ira jusqu'à "violer" son compagnon d'armes dans un bel accès de fétichisme, et un bad guy hypercool, on n'en attendait pas moins de la part d'un ancien de Troma (Lloyd Kaufman faisant au passage une courte apparition).

Super rate néanmoins en partie sa cible ou aurait mérité à être plus efficace. Ce mélange des genres entre la comédie noire, la romance et le film de super-héros manque de souffle et de rythme, avec plus de folie le résultat n'en aurait été que meilleur. Reste un casting hallucinant d'acteurs pour un petit film indie : Rainn Wilson (le fameux Arthur de Six Feet Under, The Office), Liv Tyler, Ellen Page (Juno), Kevin Bacon, Greg Henry (Body Double), Michael Rooker (Henry, portrait d'un serial killer) ou Andre Royo (The Wire).

Mot du partenaire :
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SUPER :
Date de sortie : 1er décembre
Prix de vente : 14.99 € TTC le DVD
Existe également en Blu-Ray et en Combo (DVD + Blu-Ray)
Disponible sur www.bacboutique.com
Editeur Initiative Cinéma One
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(1) Toutes les bonnes choses ont une fin, The Dark Knight Rises sera le dernier du fade Bale.

(2) Et vous n'avez pas encore vu le générique de début...

Cronico Ristretto: Médéric Collignon "Hommage à King Crimson" New Morning 07/12/2011

2011-12-14T22:54:00.000+01:00

Quatre décennies après les premiers soubresauts, si les divers croisements entre le jazz et le rock ne font plus débat et encore moins polémique, la production discographique jazz-rock-fusion des années 70 ayant à elle seule démontré et réglé les tentations de cette chimère musicale, la curiosité restait de mise en apprenant la nouvelle: un hommage jazz au groupe de rock mythique King Crimson. Fallait-il néanmoins s'étonner d'une telle initiative, le Robert Fripp band étant l'une des rares formations de rock progressiste à avoir su éviter les nombreux pièges et travers de la scène dite art-rock. Robert Fripp guitariste aux multiples facettes, Médéric Collignon électron libre du jazz français, la rencontre ne manquait pas de piquant.

Accompagné d'un double quatuor à cordes et de son habituel quartette Jus de Bocse (Philippe Gleizes à la batterie, Frank Woeste au Fender Rhodes et Frédéric Chiffoleau à la contrebasse) avec qui Médéric Collignon rendit un précédent hommage à Miles Davis (les albums Porgy and Bess et Shangri-Tunkashi-La sortis en 2006 et 2010), Collignon revisite à sa façon l'univers du Roi pourpre, avec une préférence prononcée pour son répertoire "récent" lors de ce troisième concert au New Morning cette fois-ci (1). S'ouvrant par le classique éponyme morceau de 1974, Red, le cornettiste dès cette introduction rassure l'habitué des sonorités "frippiennes", l'esprit est bien là, à charge pour le souffleur d'imposer son style par la suite. S'enchaîne Vrooom et Vrooom Vrooom issus de Thrak (1995) où le groove du quartet assoit durablement l'empreinte que laissera le souvenir de ce concert : une musique maîtrisée de bout en bout, à la fois fidèle et libre dans son interprétation, Crimson revisité par une formation apparentée jazz-funk, qui l'eut cru?

Le français jongle ainsi avec bonheur entre les diverses époques de la renaissance "new wave" portée par Frame by Frame et Discipline aux ténébreux Larks' Tongues in Aspic Part 1 & 2 et méconnu Dangerous Curves des années 70. Un voyage musical revisité par ce véritable chef d'orchestre à l'humour communicatif où sa vision dénote une volonté certaine d'aller au-delà du simple tribute ; Collignon expérimente, ajoute ses touches personnelles, improvise avec son téléphone portable, lorgne vers le scat et l'instant d'après déforme sa voix en lieu et place d'une guitare électrique. Entouré par des musiciens faisant corps avec sa vision, le concert ne connait aucun temps mort, deux heures de musique intense et personnelle.

A suivre.

Extrait du concert donné au Triton en juin 2011

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(1) Les 17 et 18 juin de cette année, la même formation avait joué King Crimson au Triton.

Cronico ristretto: L'arbre et la forêt - Jacques Martineau, Olivier Ducastel (2010)

2011-12-05T22:57:00.000+01:00

Le préposé n'a jamais caché son admiration pour Guy Marchand, comment pourrait-il en être autrement? Allant même jusqu'à chroniquer son dernier album lors de sa sortie en mai 2008 (A Guy in Blue) ou à porter parfois quelques couvre-chefs pour se rapprocher un tant soit peu du maître. Et s'il aura fallu plus d'un an pour voir le dernier long-métrage de notre hidalgo septuagénaire, L'arbre et la forêt, le souvenir d'avoir vu l'un des plus beaux rôles de Guy Marchand marquera plus les esprits que ce délai d'attente malheureux.

1999, un homme âgé marche dans une forêt sans but apparent, contemple les arbres, la forêt, sa forêt. Soudain un molosse à l'allure impressionnante mais nullement menaçante s'approche, le vieil homme qui était l'instant d'avant calme, serein devient tétanisé, la seule vue de ce rottweiler éveillant en lui un passé enterré, synonyme de honte et de terreur. Cet homme, Frédérick Muller (Guy Marchand) n'a pas été convié à l'enterrement de son fils aîné, ce dernier interdisant sa présence. Or nul de la famille n'est au courant de ce bannissement post-mortem, une absence sous couvert d’excentricité, le patriarche forestier étant connu des siens comme un original. Mais ce manquement aux règles n'est pas sans créer des remouds dans la famille, le fils cadet et la petite-fille de Frédérick ne comprenant pas cette attitude apparemment désinvolte... car Frédérick cache un lourd secret, sa stature de prisonnier politique durant l'occupation n'est qu'un leurre, celui-ci fut déporté pour d'autres raisons, ce que son fils aîné découvrit et ne lui pardonna pas.

Un secret, un passé refoulé et douloureux (1), une famille ébranlée par une révélation, la paire Ducastel et Martineau (Coquillages et crustacés) avait habitué le spectateur à des schémas plus légers. Sixième film du duo, L'arbre et la forêt est d'une gravité solennelle, à l'image de l'arbre du titre, et porté par l'interprétation sans faille du duo complice Guy Marchand / Françoise Fabian et de la délicieusement ironique Catherine Mouchet.

Sous un schéma relativement balisé, celui du film de famille au bord de la crise (2), l'histoire de Frédérick Muller se résume à un silence, un mutisme dont les conséquences aura des répercussions sur les trois générations qui composent sa famille, sa femme, ses fils et sa petite-fille. Un film tendu où l'image de l'arbre planté prend toute sa force, un passé enfoui enraciné, protégeant à sa façon la famille avant la tempête menaçante.

... et un Guy Marchand magistral.

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(1) Contrairement à d'autres critiques que le préposé a pu lire, on évitera de citer ce que cache le personnage principal. L'histoire inspirée par la vie de Pierre Seel perd de sa force si dès le synopsis est dévoilé cet élément central du récit.

(2) Rassurons les moins endurants, on est loin du Bergman de Sonate d'automne ou de Sarabande.

Cronico ristretto : Sleeping Beauty - Julia Leigh (2011)

2011-11-26T17:45:00.000+01:00

"Peinture de personnages à la dérive dans des situations difficilement compréhensibles par un public jeune" (1), voici donc les raisons qui ont poussé la commission de classification des films à censurer, tout du moins demander à ce que soit interdit au moins de 16 ans, le premier film de la romancière australienne Julia Leigh. Beaucoup de bruit pour pas grand chose? En quelque sorte, tant l'opacité du propos ne risquait pas d'inciter les adolescents français à se précipiter dans les salles obscures pour voir les péripéties cliniques d'une poupée dormant avec de vieux messieurs impuissants.

Lucy (Emily Browning), jeune étudiante australienne, multiplie les petits boulots pour arrondir ses fins de mois difficiles: cobaye pour un laboratoire, serveuse, préposée à la photocopieuse, le tout dans une indifférence non feinte. Un jour, celle-ci répond à une annonce publiée dans le journal des étudiants de sa fac. Serveuse pour soirées très privées dans un premier temps, cette beauté unique, selon les propres mots de Clara sa mère-maquerelle post-moderne (Rachael Blake), va très rapidement se voir proposer le rôle de "belle endormie". Selon un rituel bien définie, après ingestion d'une tisane au vertu assommante, Lucy passera la nuit avec un client, avec nul souvenir au réveil, juste la promesse que son vagin restera "un temple inviolé"...

Premier long métrage de la romancière australienne Julia Leigh, Sleeping Beauty atteint partiellement ce que pouvait laisser entrevoir le potentiel de sa bande-annonce. Si le caractère glacial est esthétiquement un point fort du film, amplifié par le caractère déshumanisée des personnages, et en premier lieu la détachée Emily Browning, la réalisatrice écrivaine se perd étonnement dans une narration brouillonne, maladroitement verbeuse, à l'opposé de sa mise en scène minimaliste. Certains points restent en effet en suspend, à l'image de la relation qu'entretient son héroïne avec le dénommé Birdmann, nos deux asociaux jouent au faux couple dans le studio de ce dernier, mais leur désinvolture manque de subtilité, les tenants et aboutissants de cette relation asexuée étant qui plus est des plus flous.

Au contraire, le manque d'empathie que provoque l'insensibilité de Lucy apparaît comme une continuité, suite logique à sa mue en poupée de luxe. Or entre un panel de trois vieux impuissants: un verbeux platonique, un pervers et un gras, la déshumanisation du personnage principal aurait sans doute gagné en profondeur si Julia Leigh avait offert une plus grande place à la suggestion, voire même à l'abstraction, une troisième voie entre l'art clinique d'un David Cronenberg et le Stanley Kubrick de Eyes Wide Shut.

Sleeping Beauty, film intéressant aux thèmes mal exploités avec néanmoins une mention spéciale pour son actrice poupée.

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(1) Non, on ne parle pas de Twilight 4 où cette bougresse de Bella après de âpres préliminaires mormons va enfin connaitre la luxure après le mariage... et à l'occasion les joies de l'enfantement, Edward dit le franc tireur mettant en cloque au premier coup de rein sa moitié vampirophile.

L'abîme des morts-vivants - A.M. Frank (aka Jesus Franco) (1981)

2011-11-10T19:03:00.005+01:00

L'histoire nous avait appris que pour une querelle (d'argent?) avec Eurociné, le réalisateur espagnol Jesús Franco n'avait pas mis en scène le désormais culte et fameux Lac des morts-vivants. Cédant le temps d’un film sa place à un dénommé et mystérieux J.A Lazer (aka notre Jean Rollin national), l’amateur de friandises miteuses sur pelloches fut néanmoins à l’époque (et encore aujourd’hui) rassuré d’apprendre les réconciliations entre le cinéaste ibérique et ses mécènes français, la famille Lesoeur. Leur nouvelle production au titre flirtant bon l’effroi dans sa version francophone : L’abîme des morts-vivants, aura néanmoins marqué davantage l’inconscient collectif international avec un titre anglophone avant-gardiste osant mêler génialement l’horreur et l’exotisme le plus échevelé : Oasis of the zombies (ou Living-Dead au choix... (1)).

1943, en pleine seconde Guerre Mondiale, un commando allemand transportant un chargement de 6 milliards or en plein désert saharien est intercepté par les alliés dans une oasis. De cette bataille d'une rare violence, un seul homme survit, le capitaine Blabert (Javier Maiza). Cet officier de la couronne britannique est très rapidement recueilli par l'une de ses anciennes connaissances, le cheikh local (Antonio Mayans) régnant sur cette contrée aussi belle qu'hostile. Soigné, Blabert profite comme il se doit de l'hospitalité des hommes du désert en tombant amoureux (et plus si affinités) d'Aisha, la fille du cheikh. Puis la guerre enfin terminée, Blalbert rejoint finalement celle qui lui a donné son coeur et par extension sa vie... car Aisha est morte en couche, laissant seul et désemparé son père, le cheikh et désormais captain Blabert..

Jesús Franco & Eurociné ou l'art délicat de distiller la terreur à moindre frais

Les années passent, et le capitaine rencontre Kurt (Henri Lambert), ancien chef du commando nazi: "c'était les meilleurs de mes hommes, des tueurs parfaits". Il lui propose de retrouver ce trésor de guerre à jamais perdu, Blabert étant le seul à connaitre l'emplacement de cette oasis. Mais une fois révélé le lieu, prêtant peu d'attention à la légende "qui veut que les morts défendent sauvagement le trésor que vous leur avez confié", Kurt tue Blabert, bien décidé à ne pas partager les 6 milliards qui se cachent en plein désert.

Le meilleur du cours Florent par monsieur Henri Lambert : aujourd'hui la terreur

A Londres, Robert Blabert (Manuel Gélin), le fils du capitaine, apprend par lettre : la mort de son père, le secret entourant ses origines et l'existence du dit trésor. Plus intéressé par l'or qu'à faire la rencontre de son aïeul, celui-ci décide avec ses amis de rejoindre le Sahara et cette oasis synonyme de richesse... ignorant les dangers et l'horreur qui règnent en ce lieu maudiiiiit car comme l'évoquera plus tard papy cheikh : "il se peut que cette oasis soit ton destin, Robert!" (2).

Réalisé une année après le maudit Lac (3), Eurociné continue donc de surfer sur la très ciblée mode de la "zombie nazixpoitation" (4) avec cette fois-ci une pointe d'exotisme en quittant premièrement notre franchouillarde campagne ("Promizoulin!!!!") pour l'Afrique du Nord, puis en remettant donc le couvert de la malédiction (cette fois-ci) en milieu aride. L'amateur aura ainsi le plaisir de constater que le cahier des charges, s'il diffère quelque peu du fait des impératifs géographiques, reprend globalement le même prétexte, des soldats vert de gris massacrés revenus d'entre les morts semant la terreur et la mort... avec un détail néanmoins, le même prétexte mais également les mêmes moyens financiers que le précédent long-métrage!

Cet instant de pur romantisme vous était proposé par A.M. Frank/Jesús Franco

Passé une introduction où la science de l'effroi du cinéaste espagnol glacera le sang de l'imprudent espérant débusquer naïvement en préambule une scène lesbienne, une analyse pointue de la situation indiquera malheureusement que ce simili spin-off offre peu d'érotisme, et un quota de poitrine dénudée bien inférieur à la moyenne contrairement à son cousin promizoulinien. Choix qui surprend d'autant plus tant le réalisateur et ses producteurs étaient loin d'être réputés pour être des prudes. Doit-on dès lors nourrir une certaine frustration si vous ajoutez à cet abîme la présence et le talent sous-exploité de l'actrice France Lomay, connue pour ses rôles mémorables (?) dans Body-body à Bangkok (5), Pénétrez-moi par le petit trou et autre Grande mouille (pouf pouf...). En d'autres mots, ne pas s'attendre à une pelletée de donzelles venues se faire boulotter par une poignée de zombies desséchés... cela dit le contraire aurait été finalement étonnant l'action se situant en plein désert.

Le scénario débridé (?) signé Franco, pardon A.L. Mariaux, est scindé en deux parties de 40 minutes chacune, la première autour des exploits sentimentalo-guerrier et de la chute de Blabert senior, puis la suivante autour du rejeton, interprété faut-il le rappeler par le charismatico-anémié Manuel Gélin, et de ses vacances au Maghreb. Autre détail amusant à propos des points communs entre les lac et oasis maudits, la propension qu'à Eurociné à se déjouer des éléments temporels, la seconde partie devrait en effet se dérouler durant les 60's, or rien n'est fait pour dissuader le spectateur que l'action se passe bien dans les 80's! Plus ce talent pour dégoter des bruitages incongrus... tout droit sortis du Lac des morts-vivants (on n'en sort pas décidément...).

Des effets-spéciaux à la pointe chez Eurociné!

A l'heure du bilan, cet Abîme des morts-vivants est loin d'atteindre les objectifs que le spectateur déviant s'était plus ou moins fixé avant de s'engager dans cette aventure sableuse, alléché il est vrai par la présence du duo prometteur Franco/Eurociné. Certes, les éléments nanarophiles tels que les maquillages cheapo-roots, l'interprétation et le casting, les faux raccords (6) et la lenteur cache misère pourront combler les admirateurs du genre, mais la frustration est de mise tant le potentiel zombie est faiblement exploité, les morts-vivants se comportant plus comme des cannibales que des zombies au passage (7)... en attendant à l'occasion pour le préposé docteur de tomber sur la version espagnole La tumba de los muertos vivientes avec Lina Romay et Jesus Franco dans le rôle d'un mort-vivant!

Et pour clore cette chronique, laissons le sage cheikh et son petit-fils Robert conclure cette quête initiatique:
- As-tu trouvé ce que tu cherchais?
- J'me suis retrouvé moi-même...

RIDEAU!

Verdict du Nanarotron:

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(1) Film connu également sous d'autres patronymes tous plus évocateurs les uns que les autres: The Treasure of the Living Dead, Le trésor des morts-vivants et the last but not the least : Bloodsucking Nazi Zombies !!!

(2) Car l'autochtone aime user de phrases énigmatiques tel que: "Il a rencontré la mort qui marche, [...], il faut brûler les corps des hommes maudits, ils avaient rencontré les sentinelles du grand secret, il le garde après la mort".

(3) Deux versions du film existent, celle-ci de 1981 puis une version longue espagnole de 1983 avec Lina Romay!!! (si on en croit IMDb)

(4) Sous-sous genre qui a l'avantage d'être tout de même plus ringard et bon enfant que la dite nazixploitation...

(5) Les deux films se partageant au passage le même directeur de la photographie... Max Monteillet qu'on retrouve également dans le Lac des morts-vivants, la boucle est bouclée!

(6) Dans le Lac, il s'agissait en particulier des saisons hiver/été qui cohabitaient le temps deux plans successifs; cette fois-ci la frontière entre le jour et la nuit laisse de nouveau perplexe... un hommage au génie d'Ed Wood et à ses montages à l'arrache?

(7) Une des raisons étant que Franco était ouvertement peu réceptif à ce genre... une fois qu'on a goûté à la thématique vampiro-lesbienne, difficile de se passionner pour autre chose, foi de docteur!

Ils étaient les brigades rouges 1969-1978 - Mosco Levi Boucault (2011)

2011-11-06T19:51:00.002+01:00

Disponible en DVD depuis le 21 septembre, le documentaire Ils étaient les brigades rouges 1969-1978 (1) comme son nom l'indique s'attache à retracer la première décennie de l'organisation révolutionnaire italienne, de ces débuts dans les grandes villes industrielles du Nord de la péninsule à l'enlèvement puis l'assassinat du président de la Démocratie Chrétienne, Aldo Moro. Avec l'appui des documents d'époque, Mosco Levi Boucault revient sur ces "années de plomb" avec le témoignage de quatre membres du commando qui a enlevé Aldo Moro.

Scindé en deux parties de 60 minutes chacune, dans la première intitulée Le vote ne paie pas, prenons le fusil, le documentaire revient pas à pas sur les raisons qui ont poussées une certaine jeunesse italienne à quitter le giron du parti communiste dans lequel ils ne se reconnaissaient plus pour une lutte politique basée sur l'affrontement avant de glisser dans la seconde partie, La révolution n'est pas un dîner mondain (2), vers la lutte armée et le meurtre. Le film décrit de part les témoignages de Raffaele Fiore, Prospero Gallinari, Valerio Morucci et Mario Moretti, chef du commando Moro, comment à l'automne 69 les tensions sociales, l'incompréhension des syndicats et du PCI envers cette jeunesse ouvrière puis l'attentat de la Piazza Fontana à Milan (16 morts, 88 blessés) (3) perpétré par des néo-fascistes en décembre de la même année donneront naissance à divers groupuscules d'extrême-gauche et en particulier les Brigades Rouges (Brigate Rosse). Avec suffisamment de recul, les quatre hommes relatent clairement de manière quasi didactique l'origine du mouvement et sans remords le point de départ de leur dérive criminelle.

Narrée par Chiara De Luca, le réalisateur rappelle également la vision de la gauche transalpine traditionnelle de cette époque, celle du futur "compromis historique" qui vit le premier secrétaire du PC Enrico Berlinguer penser que seul un compromis avec l'autre grand parti d'Italie, la Démocratie Chrétienne, pouvait permettre à la gauche d'accéder et de garder le pouvoir (4), une vision politique qui allait définitivement à l'encontre des élans révolutionnaires des Brigades Rouges, creusant encore un plus un fossé qui s'agrandira au fur et à mesure du temps avec en point d'orgue l'enlèvement de l'autre "père" de ce compromis, Aldo Moro.

Avec en toile de fond les 55 jours de captivité du leader de la Démocratie Chrétienne, le documentaire décrit les différents échelons et graduations de la première période des Brigades Rouges pour une justice dite prolétarienne: divers incendies, et le début des enlèvements de cadres symbole de cette nouvelle lutte des classes, avant la seconde période où celles-ci ne visent plus l'appareil industriel mais l'Etat italien. Cette attaque au coeur de l'état démarre par l'enlèvement du juge Sossi (libéré sous conditions non respectées par le procureur de Gènes Coco), puis avec l'arrestation des deux des fondateurs des BR, Renato Curcio et Alberto Franceschini, une radicalisation s'opère au sein des "nouvelles" brigades, survient l'assassinat du procureur Coco, celui-même qui n'avait pas donné suite à l'accord passé avec les BR, puis celui du bâtonnier de Turin en charge de nommer les avocats commis d'office aux procès des chefs historiques des BR. Faits décrits et argumentés sans faux semblants par les quatre membres du commando "Moro" tout comme leur campagne de "jambisations" visant les fonctionnaires de l’administration pénitentiaire et certains journalistes "suppôts de la contre-révolution".

De l'enlèvement d'Aldo Moro, Mosco Levi Boucault décrypte de l'intérieur les préparatifs, la mise en oeuvre, son "procès" mais également l'impasse des tractations et finalement l'assassinat inéluctable du leader de la Démocratie Chrétienne "sacrifié" en quelque sorte au nom de la raison d'état, assassinat annonçant de même la fin prochaine et l'échec des Brigades Rouges (5).

Parmi les bonus, le réalisateur à travers divers entretiens revient sur les raisons qui ont empêchées l'extrême-gauche française de basculer dans la lutte armée dans les années 70: Serge July et Alain Geismar, anciens de la Gauche Prolétarienne, développent et expliquent ainsi ces raisons (6), tandis que le DVD se clôt par l'interview tout aussi convaincante de l'écrivain et ancien membre de la Lotta Continua Erri De Luca sur ses années révolutionnaires.

En attendant un documentaire de cette qualité sur la sinistre Loge P2, un indispensable pour celui ou celle qui voudrait en savoir plus sur l'histoire de l'Italie de ces années.

Note du partenaire Cinetrafic:

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(1) Celui-ci fut également diffusé sur Arte le 28 septembre dernier.

(2) Titre évoquant la célèbre phrase de Mao: "La révolution n'est pas un dîner de gala ; elle ne se fait pas comme une œuvre littéraire, un dessin ou une broderie ; elle ne peut s'accomplir avec autant d'élégance, de tranquillité et de délicatesse, ou avec autant de douceur, d'amabilité, de courtoisie, de retenue et de générosité d'âme. La révolution, c'est un soulèvement, un acte de violence par lequel une classe en renverse une autre".

(3) S'y ajouteront trois autres attentats à Rome la même année.

(4) La chute du président socialiste chilien Salvador Allende, le 11 septembre 1973, indiquant que face à un contexte hostile, le résultat des urnes avait sinon peu de poids, tout du moins pas suffisamment pour installer durablement un gouvernement de gauche.

(5) Il faudra néanmoins attendre avril 1987 pour que les militants historiques déclarent close "l'expérience de lutte armée", signant ainsi le début de la dissolution politique des BR historiques.

(6) Et on oubliera les deux prestations de Daniel Cohn-Bendit et d'Alain Krivine aussi vides qu'inutiles (vous avez dit pathétiques?).

Drive - Nicolas Winding Refn (2011)

2011-11-01T00:25:00.000+01:00

En préambule et au risque de se répéter, le docteur préposé aurait très bien pu sous-titrer cette chronique par un "pour en finir définitivement avec les eighties?"... ou pointer du doigt l'humour méconnu de Robert De Niro dont le jury cannois décerna au film qui nous intéresse le prix de la mise en scène... Éblouissant ce film si on en croit certaines critiques? Fascinant un cascadeur préférant jouer les chauffeurs pour la mafia au lieu de jouer les chasseurs de prime? Mais n'allons pas trop vite...

Si le film noir n'est pas le genre le plus iconoclaste qui soit, celui-ci suivant au contraire des codes pré-établis, Drive par certains partis pris (douteux?) se situerait dans une catégorie bâtarde voire hybride pour les plus indulgents: celle du ravalement de façade factice et faussement originale ou broder autour du thème classique du film de criminel quelques aspects hétéroclites bancals.

À Los Angeles, un jeune homme taiseux (Ryan Gosling) dont on ne connaîtra jamais le nom (1) travaille comme mécanicien dans un modeste garage. Et le reste de son temps? Celui-ci sait faire profiter à la communauté ses dons de pilote automobile, comme cascadeur occasionnel pour l'industrie cinématographique et comme chauffeur dans divers casses pour la pègre locale. Or notre héros peu loquace en emménageant fait la connaissance de sa voisine dénommée Irene (Carey Mulligan), aussi blonde qu'effacée... Mais son mari Standard (2) sort de précipitamment de prison, et l'idylle naissante entre le silencieux, la fadasse (et le petit Benicio) doit prendre fin. Tabassé par ceux qui assuraient sa protection en prison, Standard doit braquer un prêteur sur gage pour rembourser sa dette, et éviter que l'on s'en prenne à sa famille. Découvrant la situation, le chauffeur se propose de l'aider... mais le hold-up ne se passe pas comme prévu...

De deux choses d'une, le danois Nicolas Winding Refn, réalisateur de la trilogie Pusher, est soit un cinéaste talentueux appréciant les niveaux de lecture les plus tordus, soit son dernier film est une fumisterie bouffant à tous les râteliers misant en premier lieu sur l'inculture ou au mieux l'indulgence de ses spectateurs. L'histoire quitterait les voies connues du film noir pour un volet plus social avec en supplément l'absence de femme fatale, la rousse incendiaire cédant sa place à une MILF au pouvoir de séduction proche du zéro (3), un patron au pathétisme certifié AOC et deux parrains de seconde zone (Albert Brooks et Ron Perlman à côté de ses pompes). Les cartes du drame criminel étaient en place, encore fallait il savoir les placer. L'histoire souhaitait prendre un contre pied salvateur, on y croit pas une seule minute.

Le scénario se prend les pieds dans le tapis... gageons dès lors que la réalisation relève le niveau. Que nenni. Celle-ci au contraire suit un chemin quasi identique en voulant cette fois-ci faire du neuf avec du vieux. Refn a voulu rendre de multiples hommages au cinéma US dans son premier film américain, or ceux-ci n'apportent rien, au contraire, ils n'évoquent qu'un manque cruel d'inspiration, une flagrante vacuité... une coquille-vide, rien de moins. Au préposé de commencer un inventaire à la Prévert: des plans aériens, une photo et une esthétique 80's à la Michael Mann, un personnage quasi muet (à la Leone pouvons nous lire...) dont le caractère violent et imprévisible rappelle surtout ceux de Kitano (4), une scène de salle de bain qui ne devrait pas laisser indifférente Tony Montana et ses amis colombiens, etc. Et la poursuite à la Bullitt? La belle affaire... A la différence d'un De Palma qui se réapproprie les références utilisées, Refn rend un simili copier-coller creux, sinon ridicule quand le pire des clips 80's est utilisé comme mise en abyme.

Reste que la nouvelle coqueluche d'Hollywood, Ryan Gosling joue à merveille les autistes au bord de la crise de nerf... tant est si bien qu'on attend avec une certaine impatience le moment où quelqu'un réussira par tous les moyens, même les plus inavouables et saignants, à lui arracher un sujet, un verbe et un complément en provenance de sa bouche.

Vouloir se recentrer sur ses personnages au risque de décevoir quelques crétins congénitaux espérant voir un nouveau Fast and Furious aurait pu, aurait dû annoncer le meilleur...

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(1) On vous avait prévenu, c'est un taiseux.

(2) Qui n'est pas une brute épaisse... c'était la grosse originalité.

(3) Sauf pour notre chauffeur silencieux, ça va sans dire.

(4) Sonatine en tête et la fameuse scène de l'ascenseur plus un "clin d'oeil" à l'extincteur d'Irréversible...

Cronico Ristretto: Wo!Man - Archie Shepp & Joachim Kühn (2011)

2011-10-27T22:53:00.001+02:00

Jeune loup de la New Thing dans les années 60, le désormais patriarche Archie Shepp n'en demeure pas moins en 2011 un artiste dans l'air du temps: un éternel jeune homme au service de la great black music, à l'image de sa dernière oeuvre Wo! Man en duo avec le pianiste Joachim Kühn.

Après un précédent album remarqué, Phat Jam in Milano (2009), où le géniteur de Blasé reprenait d'une manière méconnaissable le classique de Led Zeppelin Kashmir en s'adjoignant les services du rappeur Napoleon Maddox, Shepp quitte deux ans plus tard le spoken word et l'univers urbain du rap pour d'autres horizons: celui du jazz minimaliste.

Quant à Joachim Kühn, ce dernier est connu pour être un grand pianiste de jazz outre-Rhin, mais à la lecture de son parcours, également un artiste aventureux, multipliant au cours de sa vie musicale les rencontres diverses, du free jazz de Don Cherry au jazz fusion d'un Jean-Luc Ponty, Billy Cobham en passant par des jouxtes au piano avec le radical Martial Solal ou le batteur Daniel Humair.

Si de prime abord, leurs deux sensibilités apparaissent sur le papier sinon antagonistes, tout du moins différentes à l'écoute de l'ouverture Transmitting, composition de Kühn, et des deux suivantes (Nina, Drivin' Miss Daisy) de Shepp, on constate néanmoins très rapidement que les cartes se brouillent facilement, la complémentarité des deux musiciens devient évidente lorsque ceux-ci composent à quatre mains (Segue, Sketch/Monette), puis transfigure la paire en un duo bicéphale à la relecture des trois standards que contient Wo! Man : en guise d'amuse-bouche le Harlem Nocturne d'Earle Hagen et Dick Rogers (1), le désincarné et dramatique Lonely Woman d'Ornette Coleman et pour clore le disque le Sophisticated Lady d'Ellington (2).

Une musique introspective, un jazz aventureux, un disque symbiose, limpide, en un mot: évident.

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(1) Repris dans les années 80 entre autre comme thème principal pour la série Mike Hammer avec Stacy Keach.

(2) Qu'Archie Shepp avait déjà repris en 1969 sur son album Blasé.

Cronico Ristretto: 777 Sect(s) - Blut Aus Nord (2011)

2011-10-08T18:09:00.001+02:00

Dans la mémoire du préposé, la musique de Blut Aus Nord pouvait se résumer à une introduction froide et lugubre, et à un riff, LE riff: répétitif, imposant, majestueux (Slaughterday (the heathen blood of ours)) ou la quintessence du black metal viking des 90's, celui des formations biberonnées aux élans épiques de Bathory... au détail près que Blut ne provenait pas de Scandinavie mais de l'hexagone, c'était en 1996, et la fin de leur première période.

Dix ans passent, Blut Aus Nord enregistre son œuvre: MoRT (Metamorphosis of Realistic Theories), fruit d'une mutation amorcée cinq années auparavant, un condensé de malaise noir en huit chapitres désincarnés, déchiquetés, véritable maelström black metal déstructuré aux confins de l'industriel et du dark ambient.

2011, Blut Aus Nord sort en avril le premier volet Sect(s) d'une trilogie intitulée 777. Nouvel album et grand retour de la formation normande mené par son leader Vindsval? Si l'affirmation s'avère en partie fausse tout du moins exagérée, Blut n'ayant jamais disparu, tout juste enregistré des albums anecdotiques après 2006 (1), ce premier chapitre de 777 s'apparente néanmoins comme une nouvelle pierre à l'édifice. Une synthèse tant Blut offre la quintessence de son art morbide et unique.

En attendant la sortie du deuxième volet The Desanctification en novembre prochain, et ainsi appréhender un peu mieux dans son ensemble ce Sect(s), il apparait cependant un fait évident, jamais Blut Aus Nord n'a été aussi concis et efficace en dépit de ces six morceaux dont le compteur oscille paradoxalement entre 5 et 12 minutes. Suite logique des trois premiers albums de la décennie passée (2) qui donnèrent naissance à l'une des mues les plus étonnantes et réussies du métal noir, l'album composé en 6 Epitomes garde une assise martiale chère à la musique industrielle, entre atmosphères (rarement) lumineuses et noirceur tortueuse, avec ce reste de noblesse épique héritée de leur passé scandinave.

Un des albums metal de l'année.

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(1) Un Odinist: The Destruction of Reason by Illumination (2007) mal ficelé et un Memoria Vetusta II - Dialogue with the Stars (2009) resucée des années viking...

(2) The Mystical Beast Of Rebellion (2001),The Work Which Transforms God (2003)et MoRT (2006).

Cronico Ristretto: Marco Perrin - Jérémy Kaplan (2011)

2011-10-01T21:45:00.000+02:00

Rares sont les occasions de pouvoir chroniquer l'oeuvre d'un de ses plus vieux lecteurs : un documentaire mais aussi et surtout le fruit d'une aventure humaine et d'une obstination, celle d'un jeune passionné de cinéma décidé à rendre hommage à l'un des seconds rôles oubliés du cinéma français, Marco Perrin.

Figure récurrente du cinéma populaire hexagonale des années 60 jusqu'au début des années 80, Jean Marco Markovitch dit Marco Perrin comme bon nombre de ses pairs habitués aux rôles mineurs (1), aura marqué l'inconscient collectif par sa bonhomie et son accent méditerranéen. Cet homme de théâtre compte ainsi une filmographie gargantuesque, de la figuration la plus improbable (Les Vikings de Richard Fleischer), à des seconds rôles plus consistants (Les Valseuses, Comme la lune de Joel Séria) et une ribambelle de navets croisés nanar qui ferait déborder d'émotions le premier préposé déviant à la chronique venu, c'est à dire moi (Prends ta rolls et va pointer, Belles, blondes et bronzées, Le gendarme et les extra-terrestres). Mais en 1983, frappé d'hémiplégie, Marco fut contraint et forcé de mettre un terme à sa carrière...

Un 17 octobre 2009, un dénommé Jérémy Kaplan désire rentrer en contact avec Marco et explique sa démarche sur son blog: en partant de nulle part, il veut trouver les coordonnées du comédien et lui proposer de tourner un documentaire où celui-ci pourrait retracer ses souvenirs de tournage. Témoin privilégié, j'ai pu suivre pas à pas les différentes étapes de cette aventure (envoi de la lettre, réponse de Marco, mise en place de l'équipe technique, recherche de témoignages, etc.) qui se sont conclues par un tournage débuté le 14 décembre 2010 et terminé le 17 janvier 2011.

Avec peu de moyens, une équipe technique réduite à sa plus simple expression, et quatre caméras, Jérémy se voit confier les mémoires d'un Marco Perrin à la fois amusé et sérieux dans son rôle de conteur: ses débuts au théâtre, ses rencontres, ses coups de griffe, ses coups de coeur, en n'oubliant pas d'évoquer le drame personnel qui bouleversa sa vie d'homme et de comédien. L'autre tour de force de Jérémy aura été d'avoir pu approcher des professionnels du cinéma, des gens du métier ayant côtoyé Marco et disposé à livrer des témoignages tendres ou lucides sur celui qui aurait pu suivre les traces d'un Jean Carmet : les réalisateurs Joel Séria (Les galettes de Pont-Aven) et Bertrand Blier, ou les comédiens Brigitte Chamarande et Henri Tisot (2). Seul (petit) bémol du préposé, quelques mots sur sa carrière la plus alimentaire sous les ordres d'un Max Pécas par exemple aurait été des plus truculentes (3).

58 minutes (4) d'un documentaire en guise d'hommage à un cinéma français de gueule désormais révolu.

La page Facebook dédiée à Marco Perrin où l'on peut commander le DVD (sortie en mai dernier).

Marco Perrin et Gérard Depardieu dans Les valseuses de Bertrand Blier

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(1) On en profitera pour glisser également un hommage à Michel Fortin, autre figure plus récente de la persistance rétinienne cinématographique tricolore, qui est décédé en mars de cette année.

(2) Ou sa dernière interview avant son décès en août dernier (décidément...)

(3) Sur la prochaine édition en DVD dans la partie bonus?

(4) Un format moyen, car l'un des buts avoués du jeune réalisateur est en effet de diffuser son documentaire sur une chaîne de télévision.

Cronico Ristretto: Cane di Schiena - Calomito (2011)

2011-09-25T13:12:00.000+02:00

Oui mais quoi de plus obscure et opaque que le RIO? En voici une interrogation que le rock addict pourra aisément poser à ses pairs en guise d'amuse-bouche futile. Une question aware loin d'être innocente pour celui qui voudrait contre-alimenter une séance d'art-rock bashing (1). De toute façon, le Rock In Opposition n'intéresse plus aujourd'hui que les fétichiste de la chaussette 100% pure laine pourra nous rétorquer d'une boutade un troll de passage. Si le groupe Henry Cow grand initiateur du RIO, s'est en effet "remarquer" visuellement à ses débuts par ses pochettes particulières, leur musique comme pouvait le laissait suggérer leur étiquette avait tout pour plaire à un public restreint, impénétrable et imperméable au soubresaut de la musique pop-rock des années 70, soit la plaie des maisons de disques d'hier et d'aujourd'hui. Or Calomito, à l'instar de leurs aînés Stormy Six qui partagèrent la fameuse affiche du festival de 1978 (2) provient d'Italie.

Premier indice: le quintette se distingue par une ossature instrumentale inhabituelle, au-delà du trio classique basse, guitare, batterie s'y greffent un violoniste et un joueur de trombone. Second indice: hormis quelques vocalises secondaires, leur musique est instrumentale. Troisième indice: la qualité des compositions et les multiples références aux quelles ces dernières se rattachent. Conclusion: encore un grand album en provenance d'Italie... mais n'allons pas trop vite.

Second album des transalpins, Cane di Schiena, aura apparemment accumulé les difficultés: enregistré entre l'été et l'automne 2009, mixé au printemps 2010... pour une sortie en février 2011. Un délai nullement préjudiciable tant la formation est maître de son art et leur musique indifférente aux modes. Après un premier album Inaudito (2005), le quintette revient avec un goût certain pour les aventures musicales extra-sensorielles: faire communier la fée électricité avec l'acoustique d'une formation folk et jazz, ou reprendre les bases de la scène de Canterbury avec une touche personnelle (Parliamon).

De cet album, on retiendra la palette des ambiances, le talent des musiciens et la qualité des mélodies rendant Cane di Schiena très "accessible" au regard des autres formations RIO. Passé l'ouverture King Crimsonienne de circonstance (Bella Lee), la chaleur et l'humour de Calomito apporte un contre point évident à une musique sérieusement maîtrisée (le très beau morceau éponyme). Ajoutons un violon Stéphano-Grappelien selon l'humeur, des fantaisies propres à Zappa et Patton (Fungo et ses incursions cartoonesques à la Suspended Animation), un lyrisme salvateur et un groove typiquement jazz, Calomito vient de signer un des albums instrumentaux de l'année.

Album en écoute sur Progstreaming.

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(1) L'un des plus chronophages loisirs de tout amateur de rock qui se respecte... ou pas.

(2) Si le genre existait déjà, il lui manquait un nom, le concert regroupant Henry Cow, Univers Zéro et consorts le 12 mars 1978 est considéré comme l'acte de naissance du RIO.

Piège en eaux profondes - Anthony Hickox (2005)

2011-09-21T21:57:00.002+02:00

En préambule, le préposé à la chronique saluera dans un premier temps l'imagination et l'art délicat de la traduction des vendeurs de pelloches de toutes sortes à la lecture du titre français du film seagalien qui nous intéresse. Dans un second temps, le sourire moqueur s'éclipsera pour laisser place à une émotion non feinte, écrasant même une larme en souvenir d'un temps que les moins de vingt ans ne peuvent pas connaitre, un temps révolu qui porte un nom : Casey Riback. Faut-il être sentimentalement handicapé pour ne pas vibrer au son d'un bras virilement cassé par notre aïkido panda préféré? Qui n'a jamais rêvé d'assister à une séance de désossage à mains nus par notre redresseur de bad guys préféré? Pouf Pouf. Passé ce léger emportement (1), admettons un instant que le gentil distributeur de Submerged n'est en aucun cas un margoulin de première, ou simplement un vendeur fatigué dont les méthodes de vente faciles n'amusent plus grand monde, mais avant tout un sentimental, un homme dont l'altruisme n'a d'égal que sa capacité à éveiller la nostalgie qui sommeille en chacun de nous. Bref, Piège en eaux profondes...

Si l'émotion de cette introduction reste palpable pour le préposé, l'insolent de passage aura néanmoins toutes les raisons de s'interroger quant au bien fondé de cette seagaleries des 00's. Accumulant les productions bas de gamme durant la précédente décennie, notre démembreur bouffi aura ainsi multiplié au gré de la nationalité de ses financeurs les coproductions internationales. Tournant à la chaîne des direct-to-video (jusqu'à quatre films par an), Seagal aura su profiter d'une certaine mondialisation pour continuer à faire le bonheur de ses fans en dépit de sa disparition dans les salles obscures (2). En 2005, en attendant une coproduction sud-africaine (Mercenary for Justice) et après un passage vers la Pologne (Out of Reach) et le Japon (Into The Sun), Seagal nous propose avec cette nouvelle coproduction anglo-bulgare une histoire où la menace proviendrait des profondeurs de l'océan...

Le sentimentalisme ayant peu sa place dans l'univers de notre héros, misons un instant sur l'Alzheimer précoce du lecteur pour remettre en cause le distributeur de Submerged (contrairement à ce qui a pu être écrit). A moins de n'avoir pas visionné le bon film, le résumé et diverses accroches livré avec le DVD laissent en effet perplexe. Seule explication: Seven 7 n'a vu que la première partie de cette plante potagère. Si survendre un tel objet faisait partie des choses attendues, se planter sur le synopsis l'était (naïvement) un peu moins...

Chris Cody (Steven Seagal), l'élite des commandos US, fut emprisonné lâchement il y a quelques années pour couvrir les Etats-Unis face à l'hypocrisie des Nations Unis. Or Oncle Sam lui propose la liberté, lui et ses hommes, à la seule condition qu'ils repartent en mission pour éliminer Adrian Lehder, scientifique ayant trouvé un moyen de contrôler l'esprit de quiconque (3). Cody et ses boys se retrouvent dès lors sur les traces de ce Mengele du pauvre en Uruguay où certains militaires ne restent pas insensibles devant le potentiel des recherches de cet autre bon docteur...

Il existe diverses façons d'apprécier un navet seagalien, en laissant de côté le charisme hypercalorique de qui vous savez: le scénario, fait de bric et de broc, d'inepties et autres clichés, rentre inévitablement dans la catégorie des mets délicieux, au même titre que l'interprétation des autres prétendants... et ce Piège en eaux profondes ne manque pas de saveurs. Du suspense à revendre, de l'action non stop, un thriller musclé nous aguiche la jaquette... et bien plus encore pour celui qui souhaite être submergé par tant de c*******. Le danger tant (sur)vendu à plus de 3000 mètres de profondeur n'aura duré certes qu'une dizaine minutes (rarement vu un sous-marin aussi spacieux au passage...), mais la découverte du continent sud-américain par l'équipe bulgare vaut quant à elle tous les meilleurs guides touristiques du moment (3): venez découvrir les célèbres ruines maya, les montagnes et le fameux climat tropical de l'Uruguay...

Submerged ou Steven Seagal et ses "douze salopards" accompagnés par deux bonnasses de services au prise avec un traître, un savant fou et pleins de méchants dans un pays exotique: et un navet de plus dans l'escarcelle!

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(1) Que le premier fan de Chuck Norris me jette la première pierre.

(2) A noter que le Japon est un des rares pays où certains de ses direct-to-video ont le droit à un passage sur grand écran. Étonnant, non?

(3) Ce qui nous vaut un laboratoire portnawak et des effets numériques made in photoshop...

(4) Rendant dès lors obsolète celui fournit par Chuck Norris en 1986 et gentiment édité par la Cannon

Cronico Ristretto: Orcs! - James MacPherson (2011)

2011-09-13T23:42:00.001+02:00

Dans la série "le préposé avait signé pour un nanar et il s'est fait eu", je voudrais Orcs! Le film de James MacPherson partait pourtant sous les meilleurs hospices: un budget famélique, des professionnels inconnus et un synopsis nous rappelant aux bons souvenirs d'un autre mauvais film sympathique qui flirtait également avec la fantasy horrifique claudiquante: Ogre (2008)... Alors, qu'est-ce qui a cloché?!

L'histoire était pourtant alléchante pour l'amateur de déviance cinématographique: des guerriers orcs affamés s'échappent des tréfonds d'une montagne pour conquérir le monde avec pour seul rempart contre cette barbarie world of warcraftienne, le fier ranger Cal Robertson (Adam Johnson), son preux et naïf adjoint-stagière Hobart Moss (Maclain Nelson) et enfin son ex-petite amie Katie (Renny Richmond). L'affiche aurait dû alerter le préposé docteur, au même titre que la bande-annonce, mais une fois encore ce dernier fut le jouet d'une précipitation finalement bien venue tant l'objet s'apparenta à une agréable surprise, et ceci, dès les premières minutes.

Ou comment une moustache dissipe les menaces d'un film trop sérieux

Une idée de départ qu'on pourrait croire sortie de l'imaginaire d'adolescents mal dégrossis sevrés à Tolkien et consorts, torchant sur le coin d'une table, entre deux gorgés de sodas hyper-caloriques et une bouchée d'hamburger dégoulinant, l'histoire improbable d'une invasion orc (dans un parc national paumé en plein Wyoming?!!)... et des adolescents devenus adultes qui auront finalement découvert les joies du second degré.

Orcs! de par sa nature potache et son univers parodique se détache en effet quasi automatiquement des craintes suscitées en préambule. Le personnage principal reprend les bases désormais connu de l'anti-héros fumiste, glandeur, profitant par exemple de son statut enviable (?) de ranger pour confisquer l'herbe de jeunes campeurs venus passer leurs vacances dans SON parc national. Se dégage ainsi tout au long du métrage un humour et un prétexte fantastique évoquant par moment celui du trio britannique Edgar Wright, Simon Pegg et Nick Frost de Shaun of the Dead.

Cal et Hobie... et ce qui reste d'un golfeur

Le faible budget (estimé à 3 millions de dollars), s'il limite pour des raisons évidentes les prétentions scénaristiques et visuelles du film, n'entame en rien l'ambiance "débridée" d'Orcs! Au contraire, on soulignera sinon l'inventivité, tout du moins le pragmatisme de la réalisation: les guerriers orcs sont la plupart du temps engoncés dans leurs armures, enlevant à de très rares occasions leur heaume, pour dévoiler ainsi en de rares occasions des maquillages efficaces; une suggestion par défaut valant mieux que le ridicule d'un étalage bon marché. Seules réserves, la dernière partie du film ou le siège du poste des rangers par "l'armée" orc (une dizaine de figurants au grand maximum): l'humour se dilue, disparaissant au profit d'une action mettant en lumière le manque de moyens de l'équipe.

Venez donc suivre les aventures d'un ranger épris de liberté, de son adjoint croisement réussi (?) entre un boy-scout et un nerd et enfin de l'ex petite-amie de notre héros passée maître dans l'art de faire bander son arc contre la menace orc.

Un bon petit film sans prétention, une alternative sérieuse aux productions misérables de SyFy (Ogre) ou d'Asylum (Supercroc), en espérant que la fine équipe puisse prochainement continuer sur la même voie avec plus de moyens.

Le chef orc himself

Cronico Ristretto: I Love You - Marco Ferreri (1986)

2011-08-12T13:34:00.001+02:00

Film quasiment inconnu, I Love You de l'irrévérencieux Marco Ferreri fait immédiatement office d'ovni dans la filmographie de notre Totophe national. Mais pouvait-il en être autrement de la part du cinéaste (fatigué) de La grande bouffe?

Sorti en 1986 entre Highlander et Le Sicilien de Cimino, soit au plus fort de sa popularité, le long-métrage tendrait à prouver, si l'on se réfère aux témoignages de l'époque, le souhait précoce de l'acteur de casser son image, une envie comme tant d'autres d'alterner films grand public et projets plus personnels... perspective mis à mal par la suite tant la carrière de Lambert aura prouvé son incapacité à faire rarement les bons choix, entre insouciance et don manifeste (quoique inconscient) pour l'auto destruction artistique.

Michel (Christophe Lambert) vient de rompre avec sa moitié, partie pour d'autres latitudes. Mais une découverte va très vite lui faire oublier son triste sort. Un soir, il trouve un porte-clef à visage de femme: celui-ci ou plutôt celle-ci répond "I love you" en remerciement de quelques sifflements. Immédiatement sous le charme de cette étrange trouvaille, ce qui s'apparentait à un jeu au départ, vire à l'obsession...

C'est beau un Totophe amoureux...

Le début des années 80 n'avait en rien entaché la verve du cinéaste italien, l'année 86 aura finalement eu raison de Ferreri. I Love You ou l'histoire d'un type obsédé par un porte-clef. Si l'idée de départ avait de quoi laisser circonspect, le doute restait envisageable eu égard à son passé iconoclaste, las. La folie contée une décennie plus tôt n'est plus. La présence de Christophe Lambert aura sans conteste aidé au financement d'un tel film... et ce dernier aura aussi contribué en grande partie à l'oubli d'I Love You. Mais que les amateurs déviants de Totophe soient rassurés, leur poulain crève l'écran, au même titre que son fameux rire (1) : la majeur partie du long-métrage pouvant se résumer à un festival de sifflements, de phrasés érotico-synthétiques et de rires Lambertiens.

La décence empêche le préposé d'expliciter ce que cache ce rire Lambertien

Mais n'en déplaisent aux anti-Lambertiens primaires (2), si la prestation de l'immortel interprète de ~~Beowulf~~, ~~Raiden~~, Connor MacLoad handicape le film, celle-ci apparaît malheureusement comme la partie immergée d'un naufrage annoncé. L'esthétisme 80's banlieusard révèle davantage une triste réalité: la distance et le génial mauvais goût de Ferreri ne sont plus qu'une illusion. La provocation est aseptisée. L'outrance poétique, fille d'un Pasolini, disparue.

I Love You aurait mérité d'être un court-métrage satirique, dérangeant...

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(1) Il n'aura fallu attendre que 3 minutes de métrage avant d'entendre LE rire.

(2) Qu'ils se dénoncent les cuistres!

La lettre du Kremlin - John Huston (1970)

2011-08-09T14:45:00.001+02:00

A de très rares occasions le cinéma aura montré le visage véritable des services de renseignement tel que peut le présenter un monsieur X chaque semaine: froid, calculateur, une partie d'échec où l'humain n'a pas sa place, chaque camp plaçant ses pions au gré ou en fonction de ses propres intérêts. Sans surprise, le 7ème art avec comme figure populaire le matricule 007 du MI6 britannique aura préféré misé sur l'aventure, le glamour et l'exotisme, images d’Épinal collant aux basques du parfait agent secret sur pellicule. En 1969, le grand John Huston adapte The Kremlin Letter, roman de Noel Behn (1), pour un résultat forcément plus proche d'une certaine réalité.

1969, deux hommes, un américain et un russe discutent dans un musée parisien. L'occidental veut récupérer quel qu’en soit le prix une lettre compromettante détenue par les soviétiques, lettre qui fut un temps dans les mains de cet intermédiaire nommé Polyakov. Mais celui-ci se suicide en prison après avoir été arrêté et emprisonné par les services secrets russes, condamnant implicitement à mort la soeur et la mère de ce traitre, à l'exception de son épouse, le colonel Kosnov (Max Von Sydow) ayant d'autres desseins... Quelque temps plus tard, l'officier Charles Rone (Patrick O'Neal) est révoqué de la Navy non sans amertume de la part de son supérieur (joué par Huston lui-même), ce dernier soupçonnant une manœuvre déguisée de la part de Washington. On propose effectivement à Rone d'intégrer un groupe d'espions indépendants, libre de toute administration ou agence gouvernementale.

Ce petit groupe d'espions d'un autre temps (pré-Seconde Guerre Mondiale) créé par un dénommé Stuydevant, mort mystérieusement depuis une dizaine d'année, a pour mission de récupérer la dite lettre, celle indiquant de manière non officielle l'aide que pourrait apporter les Etats-Unis à l'URSS visant détruire les installations nucléaires chinoises. Épaulé et chaperonné par Ward (Richard Boone), Rone dont la particularité est de parler huit langues sans accent et de posséder une mémoire absolue, a pour première mission, en vue de reformer le groupe, d'approcher ces antiques espions, chacun étant identifié par un surnom : la Sorcière, le Débaucheur, le Bricoleur... et la Vierge désormais pour Rone.

Arrivés sur place, les rôles de chaque agent sont repartis, chacun devant infiltrer à des degrés divers les différentes couches de la société moscovite: Rone sous le nom de Yorgi devient l'amant tarifé de la toute nouvelle madame Kosnov (ex-Polyakov), la Sorcière intègre un cercle fermé d'intellectuels homosexuels où il découvre que Polyakov fut un temps l'amant d'un certain Bresnavitch (Orson Welles), membre du comité central du parti...

La lettre du Kremlin n'est pas un film accessible, et il n'avait sans doute pas vocation à l'être tant la volonté de s'éloigner d'une partie des fantasmes véhiculés par le cinéma de la décennie passée est indéniable. L'histoire est complexe, dense, très, trop, pourrait-on ajouter tant cette adaptation du roman de Behn demande des efforts pour ne pas perdre le fil. Si les motivations des uns et des autres sont clairs, leurs explications le sont moins. John Huston met en oeuvre une toile où les faux-semblants et la manipulation sont les règles d'un jeu auquel le spectateur devra s'attendre à devenir lui aussi un jouet.

Les seules concessions narratives et premiers véritables défauts qui se dessinent pourraient venir de ce groupe hétérogène, assemblée réduite de super-espions, affrontant sur ses terres les services secrets soviétiques. Mais leur traitement balaie d'un revers de main cette mise en place simpliste. Un groupe constitué principalement de porteurs de cartes vermeille, symbole d'une autre époque dont les spécialités ou rôles respectifs sont loin d'être glamours (2): prostitué, voleur de troisième zone, dealer et proxénète... une anti-thèse radicale, à contre-courant, qui ne cache pas une certaine réalité: le monde du renseignement ne s’embarrasse pas de détails tel un monstre froid sans scrupule. Et l'histoire d'amour contrarié entre Rone et la jeune voleuse acrobate B.A. suit dès lors la même voie, la même spirale chère à Trent Reznor, l'espoir n'a pas sa place, quand bien cette relation n'avait aucun avenir.

Le sujet du film réalisé en 1969 (mais sorti en début de l'année suivante) est au passage loin d'être totalement fictif: Polyakov fut le véritable nom d'un espion russe, haut responsable des services secrets de l’Armée rouge, qui fut d'après certaines sources agent double et fusillé mystérieusement au milieu des années 80. Quant à la duplicité entre les USA et les URSS envers la Chine communiste (second meilleur ennemi de l'empire soviétique à partir des années 60), le dessein de cette lettre imaginaire n'est pas sans rappeler l'histoire du sous-marin russe K129 en mars 1968, ou sa disparition mystérieuse au large de Pearl Harbor (3).

Accueilli très fraîchement lors de sa sortie, le film est devenu au cours du temps un classique du film d'espionnage. Glacial.

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(1) Behn fut un ex-employé du CIC, une des nombreuses ramifications du service de renseignements de l'Armée de terre des États-Unis.

(2) De même, les acteurs principaux sont loin d'être des têtes d'affiches du box-office.

(3) Un submersible soviétique qui aurait tenté de se faire passer pour un sous-marin chinois en vue d'attaquer la base de Pearl Harbor... contre l'assentiment du Kremlin: où la réalité rejoint la fiction. Troublant.

The Last Horror Film - David Winters (1982)

2011-08-01T13:50:00.000+02:00

Parmi les bonnes recettes que tout bon producteur ou réalisateur se doit d’utiliser pour fructifier à moindre frais un succès, la suite ou assimilé (1) a toujours eu pour des raisons évidentes de facilité/rentabilité la primeur des comptables du 7ème art. Mais lorsque vous n’êtes pas le géniteur du long métrage, et déveine supplémentaire, la providence ou votre porte-monnaie n’a pu vous faire obtenir les droits du dit succès, les possibilités restantes sont désormais assez minces si l'envie vous poussent encore à reprendre à votre compte (et à moindre frais) cette réussite passée… à moins de s’allouer les services de l'ancien casting et de leur proposer ni plus ni moins une version alternative du précédent film... (2)

Maniac de William Lustig avait marqué les esprits lors de sa sortie, au même titre que la prestation pathético-habitée de Joe Spinell. Or s'il faudra patienter John McNaughton et son terrible Henry pour enfin percevoir une véritable filiation inspirée, il aura fallu attendre bien moins longtemps pour que l’œuvre de Lustig rejoigne dans l'inconscient collectif le bal des effroyables slashers.

Vinny Durand (Joe Spinell) n'a d'yeux que pour l'actrice Jana Bates (Caroline Munro). Une passion qui vire rapidement à l'obsession pour cet apprenti cinéaste. Ce chauffeur de taxi new-yorkais espère convaincre sa muse de jouer dans son prochain film et ceci malgré les réprobations maternelles. Vinny abandonne dès lors momentanément l'appartement familial pour rejoindre la "reine des films d'horreur" lors du festival de Cannes (de 1981), prêt à tout pour rencontrer celle qui occupe toutes ses pensées créatrices. Jana Bates est en effet venue à Cannes pour promouvoir son dernier film d'horreur Scream (3), celle-ci étant aussi grand favorite pour obtenir le prix d'interprétation (4). Or ce qui devait s'apparenter à une fête, vire très vite au cauchemar: Jana reçoit des menaces de mort et son ex-mari désormais manager Bret Bates (Glenn Jacobson) est retrouvé mort dans sa salle de bain... décapité. Seule à avoir vu le cadavre, ce dernier disparaissant mystérieusement une fois la police sur les lieux, Jana est en proie à diverses manifestations sanglantes et aux intimidations de Vinny Durand, car les multiples occasions de croiser sa reine se solde irrémédiablement par des échecs cuisants, ce qui n'entame nullement ses envies, au contraire...

Co-produit par Judd Hamilton (producteur exécutif de Maniac et accessoirement (?) mari de Caroline Munro...) et réalisé par David Winters (qui joue le rôle du réalisateur dans The Last Horror Film), ce film partait sur de bonnes bases scénaristiques, avant d’apparaître très rapidement comme une déception. La faute à une mise en scène brouillonne handicapant très sérieusement la compréhension d'un film où les faux semblants, les mises en abyme et le suspense frisent plus d'une fois le ridicule, tant la frontière entre le premier et second degré est embrouillée. Un constat d'autant plus cruel pour miss Munro qui contrairement à ses précédents longs métrages (Starcrash par hasard) a tendance à ne pas en faire des tonnes, alors que Spinell s'en donne à cœur joie...

Les nombreuses références, clins d'œil et autres coups de canif (envers Sean Cunningham et son Vendredi 13) se voient vite dilués par une production bas de gamme: de nombreux passages bouche-trou filmés durant le festival de 1981 qui plairont néanmoins à l'amateur de documentaire bis (avec en prime le quota de demoiselles topless sur les plages cannoises). Un étrange film de famille: la propre mère de Spinell joue celle de Vinny, tandis que Judd Hamilton co-produit et co-scénarise les vacances de sa belle à Cannes.

... un film qui se passe à Cannes, durant son festival, où un serial-killer rôde... ça ne vous dit rien, ça ne rappelle rien? (5)

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(1) Depuis quelques temps la préquelle (en lieu et place de l’habituelle séquelle) peut très bien faire office de « numéro 2 ».

(2) En se gardant bien de jouer les amateurs et de brouiller suffisamment les pistes scénaristiques, il serait en effet dommage après toutes ces ~~difficultés~~ efforts de se faire prendre comme un bleu par les lois du copyright.

(3) Bravo sieur Craven!

(4) Ah ah, une actrice de film d'horreur favorite pour obtenir ce prix, ça vous la coupe! Hum...

(5) On sait au moins où Alain Chabat, grand amateur de cinéma gore, a trouvé l'idée de départ de La cité de la peur.

Mrs Winehouse et le cercle des 27

2011-07-29T13:59:00.001+02:00

Ainsi donc celle dont on avait oublié quasiment l'existence vient de rendre l'âme dans un dernier sursaut médiatique. Du fait de la règle voire la jurisprudence (?!!!) incitant à ne pas dire du mal, tout du moins être un minimum critique envers les défunts (1), le préposé se gardera bien (enfin de manière suffisamment succincte) d'émettre un jugement de valeur sur la musique de la dénommée Amy Winehouse. On notera simplement que l'interprète tatouée (2) comme quelques pairs du passé aura difficilement supporté les conséquences de sa célébrité... ou plutôt ses démons se sont nourris de celle-ci pour mieux la détruire. L'image d'une célébrité autodestructrice. Voilà pour la psychologie de bazar.

Si la mort d'une junkie qui fut longtemps vache à lait des tabloïds peut émouvoir encore une partie du public, la façon dont les médias auront tiré partie de ce décès misérable est quant à elle assez savoureuse pour l'amateur de remontée gastrique, en particulier la référence au club des 27 (3). En voilà une nouvelle réjouissante. Encore un(e) artiste sacrifié(e) en pleine jeunesse, broyé par le système. Et surtout un raccourci à la mords-moi le nœud sorti de je ne sais quel pseudo érudit rock (4) repris immédiatement par les médias en quête d'accroche et autre expression choc. Si la dénomination de ce club privé est en soit macabrement ridicule, comparer Winehouse à Janis Joplin dépasse le stade de la mauvaise blague pour atteindre celui de la bouffonnerie culturellement crasse.

Vouer un culte à ce club très privé est déjà en soit pervers, vouloir y inclure des nouveaux membres dès que l'occasion rare s'y présente, l'est encore plus (5). Au delà de vouloir trouver une quelconque justification à l'existence de ce cercle VIP, le décès de Jim Morrison avait au moins un point commun avec celui des trois précédents morts, une symbolique certes macabre, mais qui synthétisait sinon la mort définitive de héros de la contre-culture 60's, la fin définitive d'une époque (6).

Winehouse était déjà morte artistiquement, il ne lui restait plus que sa mort à 27 ans pour briller un tant soit peu... pourra ajouter le cynique de passage.

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(1) Heureusement ils nous restent les criminels de guerre...

(2) Ne me demandez pas ce qu'elle chantait... juste le nom de ces deux malheureux LP, et c'est déjà pas mal...

(3) Brian Jones, Janis Joplin, Jimi Hendrix, Jim Morrison (et Kurt Cobain?!!!): tous décédés à 27 ans en pleine gloire.

(4) Ou de la bouche gouailleuse d'une figure médiatico-tutélaire lunettes noires et blouson en cuir en guise de caution...

(5) La présence de Cobain étant elle-aussi tout autant ridicule...

(6) Sans compter les événements suivants: Altamont, Charles Manson ou la fusillade à l'université d'état de Kent en 1970.

Cronico Ristretto: Brotherhood Of Sleep - Dark As Light (2011)

2011-07-27T22:07:00.003+02:00

Il aura fallu attendre assez peu de temps (1) pour qu'apparaisse ce qui s'apparente déjà comme l'album stoner de l'année: le deuxième album des grecs de Brotherhood of Sleep intitulé Dark As Light. Une conclusion en guise d'introduction? Par moment le préposé déborde d'émotion, et a par conséquent du mal à contenir ses effusions passionnées (2).

Là où le pays nous avait surtout habitué dans les 90's a nous proposer des groupes de death metal atypique (Septic Flesh et Nightfall), débarque en provenance de la capitale hellénique au milieu des 00's un trio chantre du stoner instrumental. Après un premier album éponyme sorti en 2009 où les trois musiciens (le guitariste Georges G., le batteur Serafim G. et le bassiste Danny A) faisaient déjà preuve d'une maîtrise indéniable, Dark As Light leur album datant du début d'année apparaît déjà comme l'album marquant de cette année. Après les danois de Causa Sui en 2009, les portugais de Black Bombaim l'année suivante, l'international stoner en 2011 s'offre de nouveau des ambassadeurs européens.

Si les différences entre le premier opus éponyme et Dark As Light ne sont pas flagrantes formellement: album de 4 plages d'une durée moyenne d'un peu plus de dix minutes, l'efficacité qui faisait quelque fois défaut en 2009 et sa linéarité sous-jacente ne sont plus qu'un lointain souvenir. Le trio athénien propose désormais une musique aux multiples ambiances, évitant soigneusement les redondances inopportunes et autres lourdeurs pléonastiques... à cent milles lieux de leur ironique patronyme. Un psychédélisme massif de par la pesanteur des guitares mais sachant cultiver un rare mystère, bousculé et soutenu selon les humeurs, par un batteur adepte de polyrythmie en digne élève d'un Danny Carey (Tool), voilà en résumé la musique des Brotherhood Of Sleep.

Quatre titres, quatre bonnes raisons pour se laisser tenter par cette jeune formation inspirée: hypnotique, lourd et néanmoins lumineux.

La perle stoner de 2011.

Leur page Myspace.

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(1) L'album qui nous intéresse datant de février dernier

(2) En particulier à la cinquième minute du deuxième titre du LP...

Atomik Circus - Didier et Thierry Poiraud (2004)

2011-07-20T21:59:00.000+02:00

Un cas d'école de ratage et de déception comme le cinéma français a pu trop souvent nous le proposer dès qu'il s'agit d'un film sortant des sentiers battus... qui plus est pour un film de genre? Voici les conclusions que cet Atomik Circus aurait pu récolter...

... Car dans la série mal produit et mal distribué, ce premier film des frères Poiraud est sinon l'archétype, tout du moins un bel exemple des dommages que peuvent occasionner la rencontre entre le cinéma de genre et des investisseurs issus de la télévision française. On a encore du mal à comprendre comment TF1 a pu mettre des billes dans un tel film... par contre on arrive très bien à comprendre comment la chaîne a essayé de jouer les margoulins en vendant Atomik Circus pour ce qu'il n'est pas, une bonne grosse comédie française, quitte à saborder totalement un long-métrage qui ne demandait pas un tel acharnement (1).

Dans un bled paumé du sud des Etats-Unis, la bourgade dénommée Skotlett City est encore en émoi après la catastrophe survenue lors de la dernière fête de la tarte à la vache. Un terrible accident provoqué par le cascadeur James Bataille (Jason Flemyng) pulvérisa le bar de Bosco (Jean-Pierre Marielle (2)), un attentat qualifié qui permit néanmoins d'éloigner pour de bon, croyait le propriétaire du Sam Paradiso Bar, le prétendant de sa petite fille chérie Concia (Vanessa Paradis). Une année passée, l'amoureux transi trouve un moyen détourné pour réduire sa peine de 133 ans de bagne en se faisant la belle, bien décidé à retrouver l'amour de sa vie. Des retrouvailles bien compliquées car sans compter la menace personnifiée par cette caricature d'imprésario cynico-libidineux prénommé Allan Chiasse (Benoît Poelvoorde), le retour de James coïncide avec l'apparition de méduses volantes extra-terrestres, amatrices de chair humaine, venues jouer les troubles fêtes lors de la nouvelle édition de la fête de la tarte à la va(che)...

Projet de longue date sorti des têtes déviantes des frangins Poiraud, où James Bataille incarnait déjà un serial-loser en lutte contre des extra-terrestres, Atomik Circus comme souvent pour un premier film est l'aboutissement d'un précédent court-métrage au titre fleurant bon la série Z: Aliens with 2000 Assholes... au détail prêt que le budget d'Atomik avoisine les 14 millions d'euros.

Ofni foutraque. Voici en deux mots à quoi correspond ce premier film. Atomik ne ressemble à rien de connu dans le paysage cinématographique français. Un mélange des genres passant de la comédie (musicale, noire, grand-guignol, etc.) à la science-fiction avec une bonne rasade de gore en guise bouquet final. A cela, des têtes d'affiche, sinon à contre emploi, tout du moins dans un univers à mille lieux des attentes que pouvaient avoir le spectateur lambda (3). De quoi (r)éveiller les plus curieux? Oui mais le film des Poiraud est aussi foutrement foutraque, un fourre-tout assumé et schizophrène où les scènes s'accumulent tel un hamburger bien trop gras à la chantilly et au gorgonzola. Si l'abus de références n'est pas en soit totalement dommageable, celles-ci peuvent rendre un long-métrage boiteux quand cet amoncellement de scènes référencés devient disparates, quitte à ressembler à une addition de sketches inégaux. Or Atomik Circus est de ceux là. Toutes les bonnes intentions du duo, ce gore bon enfant à la Peter Jackson (Braindead) mâtiné d'humour noir à la Sam Raimi (Evil Dead 2) font difficilement oublier ce manque de cohérence... (d'autant plus qu'il faudra pour les plus endurants supporter le chant de Vanessa Paradis (4)).

Techniquement, le passé artistique des Poiraud transparaît rapidement, hormis quelques effets spéciaux discutables (dommages collatéraux dû aux problèmes de production?), l'image va à l'encontre du fatras évoqué précédemment... pas étonnant que les frangins aient été récupérés par la pub. Filmé en grande partie au Portugal, Skotlett City, paradis perdu imaginaire pour rednecks démontre également le savoir-faire du duo nantais. Ajoutez à cela quelques numéros d'acteur certes prévisibles (Poelvoorde et Marielle) mais toujours aussi efficaces et d'autres seconds rôles bien décalés (Bouli Lanners par exemple), Atomik Circus a tout du joyeux bordel branque.

Un ofni dans la production française des années 2000, et c'est déjà pas mal finalement.

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(1) Vendu comme une comédie poids-lourds déjantée avec ses têtes d'affiche (cf. l'affiche originel), toute la promotion (bande-annonce et autres trailers) a occulté volontairement l'aspect fantastico-gore... choquant une partie du public venu voir une comédie à la française... bref un bouillon en perspective, le film ne pouvant définitivement pas trouvé son public potentiel à sa sortie...

(2) Rôle dévolu originellement à Jean Yanne, ce dernier ne tournant qu'une scène avant de mourir.

(3) Encore que pour le grand Jean-Pierre Marielle, après Calmos de Bertrand Blier par exemple, on peut s'attendre à tout.

(4) Cette dernière étant accompagnée par le groupe nantais The Little Rabbits, vieille connaissance des frangins.

The Last Starfighter - Nick Castle (1984)

2011-07-14T14:50:00.004+02:00

Le laisser, là où il devrait rester, dans nos mémoires. En voilà une sage recommandation. Mais le préposé est un esprit libre, il ne se laisse dicter ses choix par personne, quand bien même ces derniers provoquent l'ouverture d'un coffret à souvenirs aux conséquences malheureuses voire tragiques...

Loin dans ses souvenirs de jeune amateur de films de genre, le long métrage de Nick Castle avait une place à part, du fait des bribes d'images qui lui restaient en mémoire et par ce fameux titre évoquant de près (surtout) ou de loin le film de George Lucas. The Last Starfighter, film oublié des années 80, seul rescapé d'une poignée de geeks issus d'un autre temps? Pas loin... mais n'allons pas trop vite.

Alex Rogan (Lance Guest) avait tout du héros en devenir, homme à tout faire dans un no-man's land où ne poussent que des mobile-homes, le jeune homme multiplie les talents puisqu'il est aussi champion de Starfighter, nom de la borne d'arcade auquel il passe le plus clair de son temps... sa petite-amie passant quant à elle au troisième rang des priorités. Un soir après avoir pulvérisé le meilleur score du jeu devant son public de petits vieux en transe, Alex reçoit la visite plus surprenante de Centauri (Robert Preston), le créateur du shoot'em up. L'étranger l'invite en voiture aller faire un tour des environs, qui va très vite ressembler à un tour dans l'espace, l'automobile étant en vérité une navette spatiale. Centauri explique à l'incrédule yankee que le prétexte du jeu n'a rien d'imaginaire, le dénommé Xur et l'armada de Ko-Dan sont une réelle menace pour l'équilibre de la paix interstellaire, la "frontière" que doit défendre le Starfighter est bien réelle. Ce jeu vidéo n'était autre qu'un stratagème judicieux pour recruter un nouveau combattant...

Une histoire à faire rêver tous les nerds et leurs petits cousins geeks: être enrôlé comme pilote d'un vaisseau spatial, avoir pour co-pilote un extra-terrestre et comme destinée, celle de devenir rien de moins que le sauveur de l'univers... alors que vous tripotiez la veille innocemment dans votre coin votre joypad préféré (1).

Or le visionnage du film de Nick Castle n'en demeure pas moins délicat presque trois décennies passées. Le pouvoir d'attractivité du film ne s'est certes pas émoussé, une suite était à ce propos prévu en 2008 (2), mais The Last Starfighter pèche par de nombreux points. Son statut de film destiné à un public d’adolescents mâles n'est en rien rédhibitoire, ce qui l'est au contraire ce sont les petites histoires et les personnages secondaires qui viennent s'y greffer: la petite amie (Catherine Mary Stewart), l'androïde Beta Alex (clone robotique du héros venu prendre sa place pendant que le vrai Alex casse de l'alien belliqueux) ou bien le petit frère tête à claques. Tout cela ralentit cruellement le film, lui apporte peu (ou mal), et ressemble en définitive à du remplissage de pellicule. Le coeur de cible du public était connu, le nom du film explicite, la comédie n'avait nul besoin de réfréner les ardeurs SF, au mieux alléger le propos. Ajoutez à cela un long préambule et une mise en place envahissante, du fait des défauts cités précédemment, les trop rares scènes d'action se devaient d'être mémorables...

Las. Cette fois-ci encore, l'amateur est en droit de rester sur sa faim, l'orgie SF annoncée n'aura pas lieu. La bataille galactique se résume en partie à un tour de chauffe existentiel où les hésitations et les doutes du héros adulescent (3) commencent sérieusement à mettre à rude épreuve la patience du préposé... des préliminaires frustrants (?!!) ou transition idéale (?!!!) pour une précocité guerrière des plus juvéniles (4): le sort de la fameuse et terrible armada de Ko-Dan est réglé de manière bien trop sommaire, l'attaque de la "fleur de la mort" a bon dos... Et si les scènes purement SF de The Last Starfighter n'atteignent donc pas toutes leurs promesses, celles-ci auront néanmoins marqué leur époque puisque toutes les scènes spatiales ont été tournées en images de synthèse (le coût de ces dernières expliquant sans conteste le manque d'action SF). Quant aux "références" à l'univers de Lucas, ces dernières nous rappellent effectivement l'influence de Star Wars et la désormais difficulté des nouveaux auteurs de s'en démarquer durant cette décennie.

The Last Starfighter ou le film SF made in 80's qui aurait dû rester dans nos souvenirs.

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(1) En aparté, si l'univers du jeu vidéo est très présent dans le film, celui-ci le fut également en dehors puisque le film connut deux adaptations sur Atari. Puis en 2007, un fan créa une version fidèle du jeu pour PC (avec sons et musique originels) qu'on peut toujours télécharger à cette adresse... les plus NERDs trouveront même les plans pour fabriquer leur borne d'arcade.

(2) Pour un budget de 14 millions de billets verts, le film en rapporta le double aux Etats-Unis... de quoi en faire une suite?

(3) Pas un poil trop vieux le Lance Guest monsieur Castle?

(4) On peut admettre que cette précocité n'est en rien préjudiciable pour le jeune... par contre pour les plus aguerris...

Cronico Ristretto: Icon - Lento (2011)

2011-06-18T13:05:00.002+02:00

Attendu depuis l'année dernière, le nouvel album de Lento est sorti en début d'année dans l'indifférence quasi totale. A charge pour le préposé d'activer de nouveau ses réseaux et son lobbying intensif...

Neurosis instrumental atmosphérique: l'expression avait été proposée en guise de raccourci pour définir cette musique paradoxale à la croisée d'un sludge massif, d'un ambient psychédélique et d'un hardcore des plus saturés.

Mars 2011, Icon le nouvel album des transalpins annonce une nouvelle mue, les influences du passé disparaissent pour laisser s'échapper une musique plus mature et réfléchie. Au delà de la formule bateau précédente, les romains auront passé une année dans leur studio pour y créer ce nouvel opus. Fort des expériences acquises lors de leur tournée passée (étalée sur deux ans), les cinq musiciens auront profité de ces trois années pour écrire et penser un Icon qui s'il ne redéfinit pas le genre fourre-tout post-metal, apparaît dors et déjà comme incontournable pour les amateurs éclairés de riffs plombés et d'atmosphères sombres.

Le nouvel album contrairement au précédent se veut à la fois plus condensé et plus dynamique. Les 10 titres d'Icon oscillent entre les deux minutes et six minutes. Un choix qui ne cache non pas un manque d'ambition ou d’inspiration, mais au contraire le souhait d'offrir des instrumentaux compacts sans verser dans la redondance et la stérilité.

Un son et une approche plus cérébrale, une science du riff proche d'un Justin Broadrick (Godflesh/Jesu). Icon offre un panel d'ambiances rares et dépasse allègrement les attentes résultantes de la sortie d'Earthen.

L' album (post-)metal de 2011?

Album en écoute et en téléchargement gratuit via leur label Denovali Records.

Cronico Ristretto: L'Épouvantail (Scarecrow) - Jerry Schatzberg (1973)

2011-06-12T11:21:00.002+02:00

Dans la série duo marquant connu (hélas) des seuls cinéphiles, la paire Gene Hackman/Al Pacino fait aisément office d'exemple, figure inoubliable du cinéma étatsunien des seventies en échos avec celui des vagabonds mythifié par le cinéma muet d'un Chaplin... et "accessoirement" film qui fut récompensé en 1973 par le Grand Prix au Festival de Cannes: L'épouvantail de Jerry Schatzberg.

Max Milian (Gene Hackman) sort tout juste du pénitencier de San Quentin, et n'a désormais qu'un seul souhait, quitter la Californie et joindre Pittsburgh pour y récupérer son argent et y créer une entreprise de lavages de voitures. Un personnage au caractère bien trempé (obtus?), bagarreur et (sans transition aucune) aussi frileux qu'une jouvencelle (Max a en effet la particularité de porter plusieurs couches de vêtements/haillons sur lui). En faisant la rencontre de Francis Lionel Delbuchi (Al Pacino), jeune homme immature, ancien marin, et père d'un enfant qu'il ne connait pas, Max va très rapidement se lier d'amitié avec cet inconnu qu'il baptisera désormais Lion. Une paire improbable au physique dissemblable mais où la philosophie de la vie de Lion va peu à peu transformer et humaniser l'ours mal léché qu'est Max: la fonction de l'épouvantail n'est pas de faire peur aux oiseaux mais de les amuser. De ce constat, Lion use du rire pour se sortir des situations délicates contrairement à Max qui use de ses poings... Mais avant de rejoindre l'ancienne capitale de la sidérurgie, les comparses devenus entre temps partenaires font deux crochets, l'un à Denver pour y voir la sœur de Max et l'autre à Detroit, Lion souhaite revoir son ancienne amie et rencontrer enfin son enfant dont il ignore même le sexe (1). Deux détours aux fortunes diverses, une ruée vers l'Est, vers une hypothétique vie meilleure.

Sur un scénario original de Gerry Michael White, Schatzberg propose une variation alternative du rêve américain. Un road movie vers l'Est dont les deux héros en marge de la société rappellent ceux de John Schlesinger, Macadam Cowboy (1969). Et si la photographie de Vilmos Zsigmond (2) attire immédiatement la rétine, la performance des deux acteurs principaux, aux styles diamétralement opposés à l'instar de leur personnage, captive encore quarante ans après (3). On notera également la présence de l'inquiétant Richard Lynch dans l'un de ses premiers rôles, vingt minutes où son physique de rapace charognard crève l'écran.

Un film humaniste aux multiples nuances. Un classique oublié.

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(1) En guise de cadeau unisexe, Lion se balade toujours avec une lampe de chevet dans un paquet cadeau.

(2) Chef opérateur pour des inconnus nommés Brian De Palma (Obsession, Blow Out), Michael Cimino (Voyage au bout de l'enfer, La porte du paradis), Steven Spielberg (Sugarland Express, Rencontre du troisième type) ou John Boorman (Délivrance).

(3) Si le long métrage mérite amplement sa Palme d'or, on peut légitiment s'étonner que le duo n'ait pas reçu ex-æquo le prix d'interprétation... d'où le terme "accessoirement" en préambule.

Meurtre d'un bookmaker chinois - John Cassavetes (1976)

2011-05-20T17:32:00.001+02:00

Figure incontournable du cinéma indépendant étatsunien du siècle dernier, John Cassavates s'attelle avec Killing of a Chinese Bookie (1976) à un sujet qui ne pouvait laisser indifférent l'amateur de film de genre qu'est le préposé à la critique. Un film de genre, tout du moins son prétexte, qui permettra au réalisateur de Faces d'écrire et de mettre en scène un de ses films les plus personnels.

Cosmo Vittelli (Ben Gazzara) est le propriétaire à Los Angeles d'une boite de strip-tease prénommée non sans malice le Crazy Horse West. Ce passionné de music-hall, d’effeuillage et de jolies filles profite du paiement de sa dernière traite pour faire la tournée des grands ducs avec ses préférées dont sa petite-amie Rachel. Et une passion pour le jeu dévorante qui pourrait bien le mener à sa perte... Invité par l'un de ses clients occasionnels (Seymour Cassel) à venir jouer dans son casino avec un supposé crédit illimité, le piège tendu par le milieu est prêt à s'abattre sur Vittelli. Désormais redevable d'une dette de 23 000 dollars, Cosmo n'imagine pas encore l'étendue de la manipulation dont il est le jouet. Car si la pègre peut réclamer la propriété du club, celle-ci a d'autres intentions... La Mafia fait en effet une proposition qui ne se refuse pas, l'effacement de la dette de jeu contre le meurtre d'un mystérieux bookmaker chinois...

Le prétexte du film est connu dans les grandes lignes, et entre parfaitement dans le cadre des attentes d'un film de gangster: un joueur contracte une dette de jeu envers la Mafia et doit, pour l'effacer, s'acquitter du meurtre d'une tierce personne. Ce qui l'est moins, c'est de tirer de ce canevas classiquement noir un univers à part, en marge des attentes, quitte à prendre à rebrousse poil le public (1).

Meurtre d'un bookmaker chinois apparaît très rapidement comme une oeuvre pessimiste où la quête d'indépendance d'un homme se confronte à l'avidité du monde qui l'entoure: Cosmo Vittelli/John Cassavates, seul(s) contre tous. Car au-delà du parallèle flagrant entre son personnage principal et la condition de cinéaste libre de Cassavates, la solitude de Vittelli est sans conteste l'un des moteurs dramaturgiques de ce meurtre. Ce patron de club minable tient à bout de bras cet établissement, s'occupe de tous les rouages techniques et artistiques. Or une fois dans les tentacules de la pègre, Vittelli devra se battre pour sauver sa peau mais aussi et surtout assurer la pérennité de son cher club.

Techniquement Cassavetes est au sommet de son art que ce soit dans sa direction d'acteurs, son travail d'écriture ou sa mise en scène. Entouré de sa troupe habituelle (2): Seymour Cassel, Tim Carey et l'immense Ben Gazzara plus "cassavetessien" que jamais (3), et d'acteurs non professionnels (comme souvent chez le réalisateur de Shadows), le long métrage distille une atmosphère où le naturel et l'intime prennent une place primordiale. Cassavetes avait en effet pris l'habitude de faire répéter ses acteurs 2 à 3 semaines avant le tournage, un luxe dont le but évident permettait une réelle cohésion entre les acteurs, et par conséquent une fluidité qui transparaît à l'écran sous la forme d'une fausse improvisation bluffante. Intimité entre les personnages mais aussi intimité des images. Cassavetes, caméra à l'épaule, suit les protagonistes au plus prêt. Le cinéaste ne joue pas physiquement dans le film mais sa présence y est pourtant manifeste.

Un film de genre en marge où la violence a paradoxalement peu sa place (4), où le glamour et l'érotisme cèdent leur place au grotesque et à l'amateurisme (les numéros présentés par Mr Sophistication (Meade Roberts) étant tous plus minables les uns que les autres) et où la pègre ressemble davantage à un prédateur à sang froid calculateur.

Le film édité en DVD par Ocean Films propose nombre de suppléments appréciables dont en particulier une interview audio du maître et un entretien du duo Al Ruban/Ben Gazzara, les points de vue du critique Patrick Cinéma de minuit Brion et du cinéaste Claude Miller, et enfin l'analyse commentée de certaines scènes par Peter Bogdanovich et Al Ruban.

Lien du partenaire: Cinetrafic.

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(1) Le film fut retiré des écrans en un peu moins d'une semaine subissant au passage des attaques violentes de la part du public.

(2) Ce meurtre étant un film "d'hommes", Gena Rowlands est la grande absente du casting, en attendant Opening Night en 1978.

(3) L'acteur s'inspirant du cinéaste pour incarner ce personnage épris de liberté.

(4) Al Ruban (chef opérateur, producteur et acteur) avoua que John Cassavates, du fait en partie de sa réticence à filmer des scènes violentes, hésita au dernier moment à faire assassiner le bookmaker lors du tournage.

Fallen - Burzum (2011)

2011-05-19T13:05:00.002+02:00

2010 avait sinon suscité l'émoi chez certains nostalgiques de la première moitié des 90's, tout du moins réveillé les amateurs d'un metal cru et noir... ainsi qu'une poignée de curieux restants, plus intéressés par la case fait divers: Varg Vikernes sortait de prison et remettait en selle Burzum. Soit le retour d'une des formations de black metal les plus intéressantes, et aussi malheureusement (et à juste titre) l'une des plus controversées du fait de la personnalité de son leader... xénophobe.

Après un premier album post-carcéral mitigé laissant néanmoins quelques raisons "d'espérer" en un sombre avenir musical, Vikernes remet donc le couvert et montre contre toute attente (?) que le monsieur n'est pas encore mort musicalement ; fait rare et à souligner eu égard aux états de service et à l'âge avancé de Burzum (1).

Le premier reproche qu'on pouvait faire à Belus était son manque de cohésion, la moitié de l'album n'était qu'une resucée du passé, rarement efficace, tournant parfois à vide... quand Varg ne se perdait pas dans quelques travers hypnotico-lourdingues stériles (Glemselens elv). A charge pour son auteur de redresser la barre et apporter un peu de sang neuf à un précédent album qui ne manquait pourtant pas de bonnes idées (Morgenrød/Belus' tilbakekomst (Konklusjon)). Or le nouvel opus Fallen dont la pochette est empruntée au tableau du français William Bouguereau, Douleur d'amour (ou Élégie et manque d'amour), gomme idéalement les précédents défauts pour proposer une nouvelle facette de Burzum qui pourra en surprendre plus d'un...

Enregistré et mixé en 15 jours, le nouvel album est décrit par son auteur "comme un croisement entre Belus et quelque chose de nouveau"... oui et à plus d'un titre. Premier constat passé le titre introductif Fra verdenstreet, si le son ne renoue pas avec l'abrasion et la crudité d'un Filosofem, Burzum retrouve une intensité, une prise directe qui faisait cruellement défaut à Belus et sa triste et morne production. Deuxième constat à l'écoute de Jeg faller, Vikernes nous avait habitué à poser quelques lignes de chant clair pour appuyer la mélancolie sous-jacente de sa musique (Det Som Engang Var), or autre nouveauté le chant clair apparaît sur la dite chanson et sur les suivants comme l'instrument déstabilisant d'une certaine sérénité (aspect à corréler sans doute (?) avec des textes plus personnels...).

Mais si apaisement relatif il y a au détour d'un refrain, Burzum reste Burzum et le bien nommé "folie" Vanvidd permet au multi-instrumentiste et homme-orchestre norvégien de remettre les pendules à l'heure, au même titre que le nihiliste Enhver til sitt ou Budstikken musicalement empreint de mythologie nordique. Après un Belus faisant désormais office de mise au point, et le temps de clore ce nouveau chapitre par une outro chaotiquement paisible, Fallen confirme le retour en forme de Vikernes, offrant à Burzum l'un de ses meilleurs albums.

Un des albums metal de 2011.

Album en écoute sur Deezer.

Chronique sur Playlist Society.

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(1) Burzum fêtant cette année ses vingt ans d'existence.

L'enfer des zombies (Zombi 2) - Lucio Fulci (1979)

2011-05-17T14:49:00.005+02:00

Lucio Fulci, un nom connu des seuls initiés amateurs de chair sanguinolente à la recherche d’une AOC gore de qualité ? Plus encore, tout du moins pas aussi simple. Fulci en maître et digne représentant du cinéma d’exploitation a touché à de nombreux genres (telle l’adaptation de Croc-blanc en 1973 avec Franco Nero). Or l’horreur restant son domaine de prédilection, son style particulier ne lui ouvra que très rarement les portes du grand public. Mais la boite de Pandore fuclienne garde encore de nos jours un pouvoir de nuisance et de séduction intacte pour celui qui l’ouvrirait par mégarde (ça vous dis rien, ça ne vous rappelle rien? Allez donc demander à l’imprudent qui a découvert bien malgré lui le film d’aujourd’hui, un néophyte désormais en proie à de multiples persistances rétiniennes et errements post-traumatiques (1)).

Le réalisateur romain (que nous rencontrâmes en ces lieux l’année dernière) a prouvé que son art ne résumait pas seulement à un concours de bidoche fraîche ou purulente… avec néanmoins des résultats divers et variés, voire des ratés plus ou moins mémorables (2072, les mercenaires du futur par exemple) lorsqu'ils s'éloignaient des thèmes de prédilection de son auteur. Un cinéaste transalpin, qui comme ses pairs et compatriotes de l'époque, s’est pris moult fois les pieds dans la tripaille de production ultra fauchée durant les années 80, et où sa vision personnelle du cinéma de genre n’apparaissait plus vraiment, à l'image de l'essoufflement général qu'a subit le cinéma bis italien à partir de cette période. Les producteurs louaient plus le nom de cet artisan reconnu des spécialistes que les services d’un cinéaste désormais fatigué et malade (2). Mais en 1979, soit une année après le Zombie de Romero (3), L’enfer des zombies permit à Fulci de profiter du succès de la dernière réalisation du créateur de La nuit des morts-vivants, les producteurs ou distributeurs ayant la judicieuse idée de faire passer le film comme une séquelle du précédent film en le nommant Zombi 2 (4).

« Maintenant le bateau peut partir, dite le aux autres ». Première phrase qui aura de lourdes répercussions par la suite… car si la sentence paraît anodine, celle-ci accompagne un geste qui l'est moins, préambule à une tragédie annoncée? Abattre de sang-froid un corps emballé et ficelé dans un drap qui se redresse contre toute attente, voici le genre de signal qui vous indique que quelque chose ne tourne pas rond. Un émoustillant bout de cervelle plus tard, la momie emmaillotée n’est plus, abandonnant à son (triste?) sort le navire précité. Le Morning Lady II, en digne héritier de son glorieux aîné le Demeter (5), débarque à son port d’attache, New-York, après une errance maritime indéterminée. Un « voilier désemparé » pour reprendre les termes d’un premier garde-côte poète à ses heures, tandis qu’un second plus prosaïque retient en premier lieu les avantages substantiels que peuvent proposer une telle découverte : "Et mais s'il est abandonné, c'est qu'il y a peut-être beaucoup d'argent à bord". La fatalité goûtant peu aux joies du pragmatisme, celle-ci étant toujours du côté des êtres sensibles (avec une préférence pour les innocents, les vierges et les poètes amateurs), l’homme de loi matérialiste connaîtra donc un funeste sort lors de la fouille du Morning Lady II... ou l'apparition d'un mort-vivant appréciant modérément qu'on puisse toucher à ses restes sans y avoir été invité. Une jugulaire policière croquée plus tard par un gras double en décomposition, le sémillant journaliste Peter West (Ian McCulloch) apprend de son supérieur la fameuse recette du bon article de presse : vous prenez un policier abandonné, un bateau sans pilote et vous brodez autour (6).

Notre héros désormais présenté, voici qu'apparaît dans la foulée Anne Bowles (Tisa Farrow), fille du propriétaire du navire fantôme. Celle-ci désireuse de connaître la vérité sur la disparition de son cher paternel, découvre par l'intermédiaire de West une lettre lui étant adressée et signée de son père. Bowles senior lui indique que, tombé gravement malade, il doit rester sur une île des Antilles nommée Matul. Une île mystérieuse et redoutée des autochtones qu'un autre couple d'occidentaux, Brian et Suzan (Al Cliver & Auretta Gay), vont aider à rejoindre en bateau. Un voyage vers l'insoutenable vérité où nous croiserons le combat improbable entre un zombie amphibie et un requin (7), une playmate en bonnet de bain et les intestins boulottés d'une bougresse maniaco-dépressive.

Quand Susan montre son matériel de plongée, Peter reste très attentif aux règles de sécurité

L’enfer des zombies n'est pas exempt de défauts, mais dépasse, à la plus grande surprise du préposé, les craintes que pouvaient susciter la méthode de margoulins citée précédemment. La photographie de Fulci reste reconnaissable au même titre que les effets sonores, outil de la terreur fulcienne. Le cinéaste tisse ainsi (très) lentement une toile où les détails notables et scènes marquantes se croisent pour le bonheur du néophyte et de l'initié: un fœtus dans un bocal dans un centre médico-légal (?!!), un plan nichon amenant nombres d'interrogations philosophiques, comportementales et sociétales (quid de la pulsion sexuelle du zombie amphibie en eaux salées (8) ou le corail peut-il être considéré comme une arme par destination valable?), etc. Et si le gore reste l’un des premiers qualificatifs du cinéma de Lucio Fulci, les scènes apparentées à ce genre sanguinolent se font étonnamment rares dans Zombi 2. Une parcimonie cachant une volonté de proposer quelques scènes choc, diablement réussies et efficaces (effets spéciaux de Giannetto De Rossi), telle l’incontournable sortie de terre des zombies ou l'énucléation de madame Ménard. Une femme au savoir-vivre certain et aussi une maîtresse de maison qui saura mettre un point d’orgue à bien recevoir ses invités, quelque soit leur condition vitale, n’hésitant pas à proposer ses intestins à ses convives morts-vivants venus frapper à sa porte. Et bien que le film connaisse plusieurs ralentissements notables, le long-métrage attendu commençant véritablement qu’à partir du dernier tiers, Fulci réalise un des meilleurs films de zombies de cette période, évitant avec soin les pièges grand-guignolesques et bon marché que d’autres compatriotes n’hésiteront pas à user jusqu'à la corde.

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(1) L’italien pouvant éveiller des pulsions inavouables et inavouées jusque-là en sommeil… on y reviendra !

(2) Bruno Virus Cannibale Mattei remplaçant Fulci pour un résultat digne des meilleurs « 2 en 1 » hong-kongais, Bruno toujours prêt à rendre service dès qu’il s’agit de réaliser un mètre-étalon nanar (cf « la suite » du film qui nous intéresse).

(3) Film existant en deux versions, l'originelle signée Romero et une autre à l'époque de son exploitation sur le sol européen remontée par Dario « Giallo » Argento.

(4) L'absence du « e » de zombie étant bien sûr un pied de nez aux lois de copyright…

(5) Le cinéaste s'inspirant également de la première adaptation cinématographique du roman de Bram Stocker: le Nosferatu de Murnau.

(6) On a bien écrit des critiques de film avec ce genre de pitch (voire avec moins...). Alors pourquoi pas un article ?

(7) D’où la question qui taraudera tout bisseux qui se respecte après avoir vu la dite scène : qui du zombie ou du requin-tigre est le plus fort ? Fulci ayant la malice de ne proposer aucune réponse à cette interrogation primordiale.

(8) L’année suivante, le regretté Jean Rollin proposera dans le poignant Lac des morts-vivants une étude remarquée dont le sujet portera sur la méconnue pulsion sexuelle du zombie en eaux stagnantes.

Drive Angry (Hell Driver) - Patrick Lussier (2011)

2011-04-22T09:15:00.001+02:00

A quoi reconnait-on un grand acteur? A sa capacité à surprendre? Dans ce cas, Nicolas Cage en est un, tout du moins capillairement parlant. L'homme par qui le scandale capillaire arrive, celui qui ose maltraiter ses maigres cheveux pour mieux habiter ses rôles nous livre de nouveau une performance poignante dans son nouveau film que les distributeurs franchouillards ont eu le bon goût de renommer Hell Driver. De quoi nous faire patienter avant la suite des aventures du flamboyant Johnny Blaze? On peut l'espérer...

John Milton est souffrance, John est douleur, mais Milton est surtout vengeance. Sa fille bien-aimée vient d'être assassinée par une secte satanico-pouet-pouet. Pire, sa petite-fille nouvellement née va devoir payer les errements de sa génitrice, ex-adepte et adoratrice du grand bouc. Etre sacrifiée à la gloire d'une nouvelle ère, en voici un beau destin, qui ne sera donc pas au goût de grand-papa... au détail prêt que Milton, futur bouffeur de satanistes en toc, devra s'évader de sa prison actuelle pour sauver la petite. Un pénitencier chaleureux, et quelque peu particulier car en proie aux flammes, en un mot: l'Enfer... Milton revient des morts et il n'est pas content.

La chasse aux méchants satanistes rednecks est désormais ouverte avec un Milton à l’affût, prêt à bondir (et à tuer en sus) qui pourra lui donner des renseignements sur la cachette du gourou hypo-charismatique Jonah King (Billy Burke). Un seul but: la recherche frénétique du lieu où se tiendra l'infâme sacrifice. Au cours d'une halte méritée dans un relais routier (?!), notre (grand-)père fouettard décoloré fait la connaissance d'une serveuse dénommée Piper (Amber Heard (1)). Une rencontre où le pragmatisme de l'amateur de grosses cylindrées fera des merveilles, celui-ci semble en effet plus intéressé par le bolide que par le short ultra court de sa propriétaire. Une équipe de choc, un ex-taulard revenu des morts et une roulure cocue par son ex-petit ami bedonnant, voilà un duo redresseur de torts à même de faire ravaler la morgue au premier sataniste d'opérette venu. Mais c'était sans compter l'apparition d'un nouvel invité, le comptable du pénitencier nommé Enfeeeeeeeeer. Un agent (William Fichtner) comptable digne de sa belle profession, propre sur lui et appréciant modérément qu'un prisonnier se fasse la belle sans la permission du taulier. S'en suit alors une course poursuite à plusieurs niveaux, trois hommes, une femme, plusieurs possibilités...

Un film réalisé par le canadien (et anonyme?) Patrick Lussier, à qui l'on doit déjà des chefs d'oeuvre tels que Dracula 2001 ou Meurtres à la St-Valentin, pouvait difficilement décevoir. Un talent rare qui avait poussé moult critiques à s'enthousiasmer devant tant de virtuosité virevoltante. Pouf pouf. Drive Angry enquille les scènes violentes à l'équilibre scabreux, hésitant entre le ringard et l'inutile. Seule scène "à sauver" de cette bouillie sur pellicule, celle où notre héros multitâche, lunette de soleil sur le nez, honore une serveuse à la fesse molle ramassée à la volet, buvant d'une main sa bouteille de Jack Da et de l'autre liquidant les vilains faisant irruption dans sa chambrée. Lorsque le shoot em up crapoteux croise l'érotisme le plus grotesque (et inversement), l'expression "tirer son (ses) coup(s)" prend soudain une nouvelle dimension.

Il n'empêche, cette dernière livraison potagère de Nicolas Cage arrive à semer la confusion tant son propos annihile toute logique (cf la scène précédente). Dès lors, les plus déviants tenteront de se convaincre de la malice des protagonistes, le premier degré du long-métrage apparaissant intenable par moment. Hell Driver ou le nanar décomplexé? Le bénéfice du doute est de mise tant son outrance et sa forme lourdingue le conduisent souvent aux confins du mauvais film sympathique... vers la meilleure des pochades pour amateurs de second degré (2).

Verdict du Nanarotron:

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(1) Amber Heard qu'on retrouvera bientôt dans une nouvelle adaptation cinématographique de Red Sonya... Pour rappel et les plus jeunes, la première version du film en France se prénomme Kalidor (avec Brigitte Nielsen), ou le nom du personnage secondaire joué par un acteur plus bankable que l'ex-madame Stallone: Arnold Schwarzenegger.

(2) Sinon pourquoi autant maltraiter ce poète anglais créateur du Paradis perdu qui porte le même nom que notre héros à la mèche au vent.

Cronico Ristretto: Inserts - John Byrum (1975)

2011-04-07T23:56:00.001+02:00

Parmi les diverses recherches qui régissent la vie palpitante d'un préposé en cinéphilie, celle de trouver des films rares, de qualité acceptable et plus si affinités, reste l'une des plus accaparantes et néanmoins gratifiantes... tout du moins lorsque le dit long métrage appartient à cette catégorie. Or méfions nous des faux amis; l'aura culte d'un film est loin d'être en soi une raison suffisante. Le long-métrage britannique Inserts (Gros plan) avait pourtant de nombreux arguments pour constituer une proie honorable au tableau de chasse, en premier lieu son casting: un jeune Richard Dreyfuss post-American Graffiti et pré-Jaws, la belle Jessica « Phœnix » Harper post Phantom of the Paradise et dans une moindre mesure la paire Bob Hoskins/Veronica Cartwright (1). Las...

Hollywood des années 30. Le réalisateur surnommé Boy Wonder (Richard Dreyfuss) vit reclus dans sa villa. Mis au ban par la Mecque du cinéma, peu enclin à supporter les divers excès, artistiques et éthyliques, de l'ex-enfant prodige, notre agoraphobe pestiféré des plateaux continue néanmoins de tourner... pour un public d'initiés, celui des "pervers syphilitiques" selon ses propres mots. S'enfonçant encore un peu plus dans un état d'ébriété avancé après les performances calamiteuses et l'intelligence limitée de son premier rôle masculin, la journée du cinéaste éthylo-porno vire encore un peu plus au fiasco après l'apparition du producteur en chef, Big Mac (Bob Hoskins).

Son actrice principale (Veronica Cartwright), ex-star du cinéma muet reconvertie dans la scénette porno meurt en effet négligemment, entre deux prises, d'overdose avant la fin du tournage. Un shoot mortel, fruit d'une pathétique pitance, offert à cette pauvre créature filmique par son bon producteur, ce dernier passant ainsi du statut de pimp crapoteux pourvoyeur de pelloches X à celui moins enviable de mauvais dealer de came pour actrice en perdition. Une actrice morte, des gros plans à encore tourner, l'entreprise est bien mal engagée... à ceci prêt que le Wonder Boy fait la connaissance de la petite protégée de cette caricature de producteur véreux avec cigare au bec en option. Cathy Cake (Jessica Harper), désormais seule avec l'ex-enfant prodige rêvant de célébrité et de cinéma pourrait bien tâter de l'objectif...

Inserts de Byrum est un cas d'école. Très bonnes interprétations avec un duo d'acteurs inspiré, une histoire décalée à l'ironie mordante mais entachée de deux points noirs rédhibitoires: une première partie qui aurait gagnée à être plus concise soit réduite de moitié (c'est à dire une demie-heure), et la (fameuse?) limite du théâtre filmé lorsqu'il rime avec huis-clos et réalisation terne. Si le film à raison garde une aura culte du fait du thème abordé et de son ironie, on admettra aussi (et surtout) que ce film méconnu de Richard Dreyfuss reste globalement une déception.

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(1) Le film se résume à la participation de cinq acteurs, on ajoutera tout de même Stephen Davies dans le rôle de l'acteur blond écervelé, Rex.

Cronico Ristretto: Berlin 1885, la ruée sur l'Afrique - Joël Calmettes (2011)

2011-04-03T17:21:00.006+02:00

Si l'existence de la conférence de Berlin (qui débuta le 15 novembre 1884 pour se conclure le 26 février de l'année suivante) est connue des spécialistes, son histoire et son déroulement le sont beaucoup moins. Quatre mois au cours duquel les grandes puissances européennes ainsi que l'Empire Ottoman et les Etats-Unis, conviées par le chancelier allemand Bismarck, vont décider du sort d'un continent: l'Afrique. Si des comptoirs et territoires côtiers africains furent déjà annexés avant cette date par la France, le Portugal ou le Royaume-Uni, la conférence aura le privilège néfaste de codifier la future main mise: l'exploitation de cette terra incognita et bien sûr (les bienfaits de) sa mission civilisatrice (sic). Détail de l'histoire, aucun autochtone et principal intéressé n'aura été invité à cette conférence...

Voilà environ un quart de siècle que l'idée trottait dans la tête du réalisateur Joël Calmettes, s'intéresser à cette page méconnue dont l'influence et les conséquences tragiques sont encore palpables aujourd'hui (1). Or si l'on connait bien la résultante de cette conférence, les débats et autres négociations restaient quant à eux introuvables. Calmettes se mis dès lors à la recherche des archives diplomatiques, une fois trouvées à Coblence par des documentalistes, le voile de l'histoire pouvait enfin tomber.

L'absence de photographies et encore moins de traces cinématographiques (2) aura poussé le cinéaste à réaliser un documentaire où la fiction a une place importante. Néanmoins, contrairement à nombres de docu-fictions, Berlin 1885, du fait de sa volonté de se rapprocher au plus prêt des archives écrites du XIXème, évite le piège du divertissement à tout prix (on en attendait pas moins compte tenu du sujet évoqué). La reconstitution des débats se veut sobre, le décor limité à la salle de conférence. Et si le film tel une pièce de théâtre est divisé en plusieurs actes, ce chapitrage a le mérite de rendre plus didactique le récit au même titre que les interventions de la voix off et les explications des universitaires en aparté (3).

Berlin 1885, la ruée vers l'Afrique où l'on apprend que le tracé des frontières du Congo fut perpétré par des diplomates ayant une très faible connaissance du continent convoité. Restera l'inculture de ces hommes n'ayant jamais foulé un pied en Afrique et le grand vainqueur de cette conférence: Léopold II qui a force de lobbying fit reconnaître l'existence de l'Association internationale du Congo, point de départ d'un découpage en règle du continent noir (4).

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(1) A titre d'exemple, les frontières de la République démocratique du Congo tracées par les puissances européennes en 1885 sont restées les mêmes et n'ont jamais été remises en cause, en connaissant la stabilité politique de cet état ingérable...

(2) Car Bismarck n'aura pas attendu la naissance du cinématographe, le rustre...

(3) En complément au DVD, le distributeur Arte a ajouté 45 minutes d'entretiens supplémentaires en guise d'éclaircissement sur quelques points précis tel l'accord secret entre Léopold II et Bismarck ou les oppositions locales au projet du roi des Belges.

(4) Car contrairement à Yalta par exemple, Berlin ne "réglemente" que le futur partage, la partition de l'Afrique sera postérieure à cette conférence.

Lone Wolf McQuade (Œil pour œil) - Steve Carver (1983)

2011-03-17T23:59:00.000+01:00

N'en déplaise aux (jeunes) mécréants ne retenant de lui que ses aventures digestivo-dominicales, ses jeans moulants et son omnipotence (pourtant maintes fois démontrée), il fut un temps où les mots Chuck et Norris faisaient frémir d'effroi les cuistres, la racaille communiste et les terroristes barbus en tout genre. Rappelons nous, Chuck Norris était le dernier rempart du monde libre combattant la haine... par passion de la vie (1). Un temps béni évoquant, aux trop rares aficionados de l'époque, la supériorité manifeste du rouquin en matière de films d'action? Si la formule parait aisément exagérée, le cinéphile déviant, fan des productions eighties de la sacro-sainte Cannon, pourra néanmoins revoir sa copie et ses quelques rires sardoniques après ce Lone Wolf McQuade (Oeil pour oeil)... étonnant, non?

Ce film signé Steve Carrer, à qui l'on devait déjà deux années plus tôt An Eye for an Eye (Dent pour dent) toujours avec Chuck Norris (2), est en effet loin d'être la plante potagère que laissait trivialement supposer l'affiche de cette, finalement, divertissante série B. Sorti une année avant l'exploitation golano-globussienne (3), le film apparaît comme un véritable mélange des genres où se croiseront des influences hétéroclites provenant aussi bien du western spaghetti, du policier et bien évidemment du film d'arts martiaux... ajoutez à cela une femme fatale et une romance en option, Oeil pour oeil s'affirme comme un véritable fourre-tout, patchwork de diverses séries B où la présence de Chuck Norris devient finalement assez surprenante.

Et après on ose douter de l'omnipotence de Chuck Norris...

McQuade est Texas ranger (4). Un homme de loi solitaire, efficacement rugueux mais rugueusement efficace. Un mâle, un vrai, un barbu aux méthodes parfois radicales mais qui ont su porter leur fruit quand il s'agit par exemple de sauver des chevaux sauvages aux prises avec des gredins mexicains. Et si ce loup solitaire aux allures faussement rustre n'a cure des réprimandes de son supérieur, notre héros devra tout de même entendre le sermon de ce dernier: "un ranger, ça se limite pas à battre des records d'arrestation, faut y mettre les formes... et de la classe! On arrive à rien sans la classe!" lui rappelle ainsi en guise de conclusion son capitaine... qui sort des toilettes, remontant d'un geste noble sa braguette sous les yeux d'un McQuade quelque peu dubitatif. A charge pour notre Texas ranger de jouer les chaperons et de collaborer dès lors avec les autorités locales en la personne du dénommé Kayo Ramos. Un collègue de fortune qui aura toutes les peines du monde à suivre les traces, au sens propre comme au sens figuré, du légendaire McQuade, mais qui apportera une aide judicieuse et appréciable pour retrouver ceux qui ont osé toucher à la fille de notre héros... celle-ci étant le témoin gênant d'un trafic d'armes et de matériels militaires.

C'est troublant un Chuck Norris amoureux...

Si Lone Wolf McQuade surprend de prime abord, ce n'est pas par sa subtilité, le film de Steve Carver ne s’embarrasse pas de ce genre d'artifices. Carver tel son premier rôle Chuck Norris, chantre du sidekick dans la gueule, va droit au but. Oeil pour oeil suit donc un cahier des charges bien précis, celui de la série B efficace, une psychologie réduite à sa plus simple expression et des personnages à la limite de la caricature. Pourtant, force est d'admettre que ces limites n'enrayent nullement la mécanique du film, ce dernier offrant peu de temps mort. Certes, le réalisateur joue les piques-assiettes, et à défaut d'une once de personnalité, Carver emprunte ici ou là des p(l)ans entiers appartenant à ses pairs, on pense en premier lieu au western de Sergio Leone (5), au Dirty Harry de Don Siegel mais aussi quelques références-hommages plutôt sympathiques comme Falcon version moderne et capitaliste d'un dr Loveless (Les mystères de l'ouest) et d'autres plus étonnantes comme Mad Max.

Quant à Chuck Norris me direz-vous, il trouve un rôle à sa mesure, le film et son traitement binaire s'accordant parfaitement avec le jeu limité de notre baroudeur au pied vengeur. Il faut ajouter que contrairement au reste de sa filmographie, l'ex-champion de karaté est plutôt bien entouré, comprendre que l'édifice ne repose pas entièrement sur son personnage et ses talents primaires. De par la présence du bad guy de service, joué par un perfide David Carradine (semble t-il fâché avec la préposée aux costumes), et celle de la petite amie amourachée 5 minutes montre en main (la belle Barbara Carrera), Œil pour œil réussit haut la main à être un des films les plus recommandables de Chuck Norris. Ainsi en acceptant le postulat de départ de regarder une série B des plus basiques, on s'étonnera d'avoir passé globalement un bon moment, se souvenant même de quelques scènes désormais gravées dans la mémoire du préposé à la chronique: Chuck et Barbara s'amusant avec le jet d'eau du tuyau d'arrosage, le trio amoureux Chuck, la bière et Barbara, et enfin le combat final entre Norris et Carradine où ce dernier s'amuse à reprendre quelques gimmicks de Bruce Lee (6).

Deux visions d'horreur: Chuck à terre... et le pull de David

Au final, cette série B aurait gagné à incorporer plus d'humour et surtout plusieurs niveaux de lecture ou de second degré, mais eu égard à la filmographie de Chuck Norris, Lone Wolf McQuade reste une agréable surprise, bien loin de la bêtise crasse d'un Delta Force par exemple (d'où cette note légèrement surévaluée).

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(1) Enfin si on en croit l'affiche française d'Invasion USA (1986).

(2) Le préposé indique qu'il n'a à ce jour toujours pas visionné ce long métrage mais en apprenant que Chuck Norris partage l'affiche avec Christopher "Hurlements 2" Lee, tous les délires fantasmagoriques sont possibles... et puis notez subtilité des distributeurs français quant aux titres choisis pour les deux films précités: Dent pour dent, Oeil pour oeil...

(3) Missing in Action (Portés disparus), la première production Cannon avec Norris est sortie en 1984.

(4) Et oui, nous tenons fébrilement dans nos mains le premier rôle de texas ranger de Chuck Norris. Si des problèmes de droit n'avaient pas contrarié son entreprise, la série aurait probablement eut le patronyme de McQuade au passage.

(5) Encore que la référence ou le plagiat le plus manifeste concerne la bande-originale écrite par l'italien Francesco De Masi, Ennio Morricone aurait très bien pu lui demander des comptes...

(6) Savoureux quand on se rappelle que les producteurs de l'époque auront préféré Carradine à Lee pour jouer dans la série Kung-Fu.

Cronico Ristretto: 127 Hours - Danny Boyle (2010)

2011-03-09T20:10:00.002+01:00

Avec un peu de retard, le préposé va de ses impressions à propos d'un récent films étatsunien qui fut, comme le palmipède hypercalorique d’Aronofsky, en lice pour les Oscars de cette année (1).

Si on ne s’appuiera pas sur un avis critique qui englobe la filmographie de Danny Boyle, son évolution voire son intérêt, il n’en reste pas moins que sa dernière livraison 127 Hours donne matière à quelques divagations…

127 heures ou la durée du calvaire du dénommé Aron Ralston, ingénieur et alpiniste amateur, l’avant-bras droit coincé sous un rocher après une chute dans le Blue John Canyon dans le Parc national de Canyonlands en Utah. En résumé, six jours et cinq nuits avant de s’amputer avec un canif made in China le bras récalcitrant.

Au crédit du cinéaste anglais, soulignons et signalons la création d’un nouveau sous-genre (à ma connaissance), celui du survival statique… dont la nature même aura tendance cependant à être minimisé, la cause à de nombreux soubresauts épileptiques et autres effets visuels vains (à vous faire passer Tony Scott pour Luchino Visconti…). Si l’utilisation de caméras numériques en vue de plonger le spectateur au plus près de l’action et du drame semble à propos par soucis de réalité, la copie technique est loin d'être aussi idéale. La technique dite du split-screen, quant à elle, ne dépasse en effet jamais sa fonction de gadget, d’autant plus vrai que Boyle ne l’utilise pas à bon escient (2).

Concernant l’aparté survival, les hallucinations ne sont pas non plus l’aspect le plus réussi du long-métrage. Boyle propose un genre finalement boiteux, la partie documentaire se voit systématiquement mis à mal par les effets de caméra clipés du réal (3), et les souvenirs tripants ne sont ni émouvants, ni réellement judicieux, ces derniers n’apportant pas grand-chose. Un homme seul face à une telle adversité, en voilà un sujet propice à la contemplation, tel le Gerry de Gus Van Sant… mais ici très peu exploité, dans de trop rares occasions, un rayon de soleil dans le canyon, un corbeau qui passe, circulez y’a plus rien à voir.

Parmi les points positifs de cette adaptation du livre de Ralston, on notera la présence brève de Bill Withers pour la bande son, et celle de l’acteur ringard Trent Williams dans le rôle du père de notre amputé casse-cou. C’est peu mais il faut par moment se satisfaire de bribes face à ce genre d’objet biographique chantre de l'hémiplégie hallucinatoire… Quant à la performance de James Franco, si son interprétation ne souffre d’aucun défaut notable, la notion de louer le talent d'un imitateur laisse dubitatif le préposé, quand bien même dans le cas présent le vrai Aron Ralston n'est pas un personnage célèbre (4).

La critique de Playlist Society.

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(1) Quant au triomphe du roi bègue, j’ajouterai simplement (quitte à me répéter) : « Colin Firth qui gagne un oscar... Si Darry Cowl avait été anglais et ce film tourné il y a 30 ans, il aurait pu aussi l'avoir, cette statuette! »

(2) Autant Aronofsky a trop regardé les films de De Palma, et paradoxalement, on saurait gré à Boyle de le faire…

(3) Sans conteste, le plus gros défaut de 127 Hours, ou du grain à moudre pour relativiser les qualités du cinéaste ?

(4) On peut d’ailleurs s’interroger pourquoi tant d’acteurs reçoivent un prix d'interprétation lorsqu’ils jouent un personnage réel, doit-on forcément se ravir de ses qualités de perroquet ou de mimes ? Bof…

Feral Songs For The Epic Decline - Bruce Lamont (2011)

2011-02-28T22:00:00.003+01:00

Doit-on avouer non sans une certaine gêne que le dernier album des chicagoiens Yakuza, nommé Of Seismic Consequence et sorti en 2010, n'aura laissé que peu de souvenirs au préposé, à tel point qu'il ne sait plus si ce nouvel opus eut droit au moins à une écoute ou non (1). Une indifférence de prime abord quasi injuste tant le souvenir de l’album Samsara (2006) avait mis en lumière le potentiel de cette “ jeune” formation, mais aussi par la suite, un anonymat fruit d’un tassement avéré de la part du groupe étatsunien, les espoirs passés n’ayant jamais été confirmés, bien au contraire... Un dernier disque inconnu du grand public et ignoré des initiés, soit le moment propice pour le frontman de Yakuza de publier son premier album solo, au risque de creuser encore un peu plus la tombe d'une formation inconnue?

Le réflexe premier de jouer la carte de la suspicion, dès que le chanteur d'un groupe de rock lambda enregistre un album solo, pourrait surprendre les plus aimables (2). Or on oublie bien vite que cette attitude qualifiée trop rapidement de mauvais esprit est avant tout synonyme d'une désillusion. La jurisprudence (et les nombreux exemples qui en découlent) s'accorde en effet à minimiser l'intérêt qualitatif de ces disques, et par conséquent à les ignorer (voire à les railler quand l'anecdotique se mue par exemple en création prétentieuse). Alors s'agissant d'un groupe à consonance métallique et sa cohorte de clichetons lui collant aux basques tel le premier Phtirius inguinalis, peut-on blâmer le préposé ou l'auditeur innocent à remettre en cause son droit à l'information, et à vouloir ignorer tout disque solo provenant de n'importe quel brailleur (3) ?

Si le nom de Bruce Lamont ne dit pas grand chose à la majorité, et son passé récent de metalfreak encore moins, ce Feral Songs For The Epic Decline pourrait bien surprendre les plus curieux... pour le pire ou le meilleur selon les affinités, et/ou selon les attentes (mineures) que pourraient générer le premier disque solo signé par le chanteur de Yakuza. Avec Samsara, le groupe avait déjà prouvé sa versatilité, passant efficacement à des moments de fureur typée hardcore à des plages planantes où le saxophone de Lamont avait une place primordiale. La facilité aurait été de croire à une version alternative de cette description, le saxophone prenant cette fois-ci une importance bien plus envahissante. C'est loin d'être le cas.

Feral Songs apparaît comme une surprise tant Lamont évite les pièges grossiers du metalleux aventurier (4). Le disque s'ouvre par un One Who Stands on The Earth habité, 12 minutes d'une musique à la croisée d'un Brendan Perry grave qui aurait côtoyé de prêt le leader des Swans, Michael Gira. Chanson incarnée où la guitare folk et le discret saxophone du musicien flirte avec le chamanisme amérindien et quelques parasites bruitistes. A l'image de la première chanson, Lamont tisse une toile aux atmosphères riches et néanmoins subtiles, proche des musiques du monde et de l'ambient sans céder aux pièges des sons synthétiques et trop artificiels (tel The Epic Decline teinté de mélodies orientales).

Lamont offre ainsi une variation intéressante autour des ambiances et de leur différente modulation, à l’image de sa voix, tour à tour mélodique, puis menaçante, dans le sillage d'une colère intérieure, avant son explosion finale et industrielle (sur Deconstructing Self Destruct). Si l'album surprend, quand bien même Lamont avait montré auparavant l'aperçu de son éventail et sa capacité d'ouverture via son groupe et ses diverses collaborations, Feral Songs confirme un talent de songwriter dont on ignorait la réelle portée, les chansons s'articulant autour de la guitare acoustique étant probablement les plus belles réussites de l'album. Les amateurs de saxophone estampillé yakuza trip se contenteront alors de l'hypnotique Disgruntled Employer et de l'onirique 2 then the 3. De quoi se plaindre ? Pas vraiment, Lamont aura composé un premier album déstabilisant, car loin des réflexes et attitudes premières que lui conférait son rang de metalfreak, un album solo à faire ravaler les propos du préposé.

Premier coup de cœur musical de l'année 2011.

Son Myspace avec deux extraits de l'album.

Album en écoute sur Stereogum.

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(1) A priori, écoute il y eut, mais on en recherche encore une quelconque trace, mémorable ou non, c’est dire l’embarras.

(2) A ces mots, l'agent comptable qu'on croyait disparu se lève, brandit un poing vengeur et crie "Phil Colliiiiiiiiiiiins" en entonnant le début de In the Air Tonight.

(3) Par exemple, est-il raisonnable de chroniquer le dernier album de la diva LaBrie, James de son prénom?

(4) Les disques solo de la tête pensante de Nile, Karl Sanders, par exemple...

Cronico Ristretto: Inside Deep Throat - Fenton Bailey & Randy Barbato (2005)

2011-02-23T22:44:00.002+01:00

1972, un cataclysme secoue l'Amérique hypocrito-bien pensante de Richard Nixon, Deep Throat de Gerard Damiano débarque dans les salles obscures. Un petit film indépendant d'un budget misérable de 20 000 dollars tourné en moins d'une semaine dans un hôtel miteux de Floride qui deviendra l'un des plus gros succès du cinéma étatsunien... alors que deux années plus tard, la France connaitra d'autres émois plus exotiques, moins fantaisistes, en suivant les aventures giscardo-émoustillantes d'une blonde suédoise, future experte dans l'import-export de fauteuil en rotin.

Un peu plus de trois décennies après sa sortie en salle, la chaine HBO eut l'idée judicieuse de produire un documentaire intitulé Inside Deep Throat, évoquant la création et le tournage de ce succès surprise, véritable pilier de l'âge d'or de la pornographie 70's. Une genèse à l'intérêt étonnamment mineur, disons moindre, comparée aux volets suivants se focalisant sur l'hystérie et la véhémence disproportionnée des opposants, puritains en particulier, auxquelles le long métrage a dû faire face. Un documentaire divertissant (dans la grande tradition américaine des vingt dernière années?) qui néanmoins n'hésite pas à souligner les zones d'ombre que cachait ce film, sa connexion et son financement mafieux, mais aussi et surtout le destin des protagonistes loin d’être préparés à tant de remous médiatiques... et judiciaires.

Premier film de la "sainte" trilogie porno (Deep Throat, Devil in Miss Jones et Behind the Green Door) ou la naissance du Porno Chic, Gorge Profonde dépassa très rapidement les attentes de son cinéaste libidineux (et de la profession) propulsant par la même occasion au rang de star et d'icône populaire son actrice principale: Linda Lovelace. Une jeune femme sous influence apprendra t-on, aux prises avec un mari manipulateur n'hésitant pas à vendre les charmes de sa moitié sur pellicule (pour toutes sortes de performance (1)), et dont la renommée soudaine aura des conséquences sinon désastreuses pour sa vie personnelle (2) en tout cas indélébiles, et qui lui vaudront tour à tour de devenir la porte parole d'une sexualité désinhibée, puis par la suite dans un rôle diamétralement opposé, caution pour féministes énervées lorsque celle-ci se retourna contre l'industrie phallocrate du porno.

Les deux réalisateurs Bailey et Barbato vont ainsi chronologiquement se concentrer sur trois acteurs principaux de ce qui va devenir une tragicomédie cynique: Damiano, Lovelace et l'acteur Harry Reems (alias le bon docteur Young). Le médecin libérateur d'orgasme oral paiera en effet paradoxalement le plus lourd tribu, érigé à l'époque comme le parfait bouc-émissaire et coupable idéal aux yeux d'une justice étasunienne, porte étendard des valeurs les plus conservatrices et puritaines (3). Conté par le regretté et récemment disparu Dennis Hopper, Inside Deep Throat narre une mécanique implacable, celle d'une révolution sexuelle avortée, car vite récupérée par un capitalisme et une industrie aux dents longues.

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(1) Linda Lovelace ayant semble t-il eu le "privilège" d'être l'une des premières actrices à tourner une scène sexuelle à caractère canin...

(2) La vie de Linda "Lovelace" Boreman n'ayant pas attendu l'exploitation du film pour virer au quasi-pathos…

(3) Et on appréciera au passage la prestation du procureur, à l'époque du procès... et plus encore lors de son interview en 2005, plus intéressé par la loi sur l'obscénité que par les terroristes.

Black Swan - Darren Aronofsky (2010)

2011-02-17T22:19:00.005+01:00

Le préposé était resté avec un sentiment très mitigé lors de sa dernière rencontre avec le cinéaste Darren Aronofsky, devait-il de nouveau se draper dans une méfiance légitime au regard de l'emballement médiatique et hors de propos (1) qui suivi la sortie du précédent The Wrestler?

Convenu, le cinéma du réalisateur de Requiem for a Dream l'est-il devenu? Si le terme parait volontairement fort, à dessein (2), ce cinéaste doué, à défaut d'être génial (on y reviendra), aura un temps fait naître nombres d'espoirs, raisonnés ou non après ses deux premiers longs métrages. Or, après s'être pris les pieds et les neurones dans un tapis mystico-miteux cul-cul la praline (stop n'en rajoutez plus), Aronofsky avait vu sa cote remontée en flèche après sa prévisible histoire de pugiliste à tête dur, apportant la preuve qu'il s'avère toujours payant de ressortir les vieilles recettes hollywoodiennes telles l'éternel conte du loser magnifique. Nouvelle étape, Black Swan saute le pas, et emmène son auteur et le spectateur vers un chemin plus scabreux, moins subtil. L'originalité devient ainsi une denrée rare, surtout lorsque le long métrage lorgne du côté du cinéma (ultra) référencé.

Nina (Nathalie Portman) à la différence du lointain passée de sa colocatrice de mère (Barbara Hershey), ex-ballerine de seconde zone, danse au sein du prestigieux New York City Ballet. Une passion exigeante, dévorante, où la recherche de la perfection est une quête de chaque instant. A l'image de ses consoeurs, Nina n'a qu'une ambition, tenir le premier rôle, qui plus est lorsqu'elle apprend que le chorégraphe et maître d'oeuvre du ballet, Thomas Leroy (Vincent Cassel), décide de mettre en scène une nouvelle version du Lac des cygnes. Obsédée depuis le plus jeune âge par le ballet de Tchaïkovski, Nina voit d'un mauvais oeil l'arrivée d'une nouvelle recrue, Lily (Mila Kunis), et désormais principale adversaire depuis la mise à l'écart de la danseuse étoile vieillissante (Winona Ryder). Or Nina, l'innocente cygne blanc, va au contact de l'émancipée Lily s'ouvrir de plus en plus à la sensualité et au charme vénéneux qui lui manque tant pour incarner le cygne noir du ballet. Une émulation doublée d'une émancipation qui ne sera pas sans danger pour la santé mentale (et physique?) de Nina...

En posant autrement la question en début de chronique, on pourrait s'interroger sur la manière dont Black Swan est-il symptomatique d'un certain cinéma actuel. Lequel? Celui qui cache sa stérilité scénaristique (et/ou formelle) en abusant de références à la pelle. En d'autres termes, à charge pour le réalisateur d'optimiser au mieux son temps et son savoir-faire supposé en servant à la plèbe des influences marquées et très appuyées, en évitant soigneusement, option 1: une assimilation de ces mêmes influences en vue de créer quelque chose de nouveau, option 2: un recul salvateur, des références pouvant être ainsi considérées avant tout comme des clins d'oeil ou hommages plus ou moins déguisés... or chez Black Swan, il n'en est rien, delà à dire qu'Aronofsky mise sur l'inculture (cinématographique) du public, il n'y a qu'un pas.

Le cinéma référencé, appelons le ainsi, servi par Aronofsky offre peu paradoxalement, si ce n'est qu'un patchwork mal digéré, pique-assiette du 7ème Art anxiogène n'hésitant pas à prendre le meilleur d'un Roman Polanski (Répulsion, Rosemary's Baby), d'un David Cronenberg ou d'un Brian De Palma (Sisters, Carrie). Reste une mise en scène au plus près des protagonistes féminins, en particulier son héroïne, une intimité qui n'est pas sans rappeler (par moment) le minimalisme de The Wrestler... mais gâché par des moments trop faciles, ceux là même évoquant le cinéma de Cronenberg et ses mutations chéries en version grossière, pataude, voire caricaturale, annihilant systématiquement la schizophrénie et autres hallucinations du personnage principal. Un climat claustrophobe au final limité, restreint, bridé... ou comment se tirer une balle dans le pied en oubliant les bienfaits de la suggestion. Reste le quatuor d'actrices et en particulier la paire Portman/Hershey à presque nous faire oublier les errements de la mise en scène... et la "prestation" de Cassel.

Au final, ce nouveau film de Darren Aronofsky est certes loin d'atteindre les purges cinématographiques du maître Vincenzo Natali, mais on était en droit d'espérer un film à plusieurs niveaux de lecture, conciliant à la fois le grand public et une frange du public plus cinéphiles, las...

La critique de Playlist Society.

La chronique de Blake.

L'avis de Spiroid.

Et enfin (?) la contribution du hopblog.

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(1) Tout du moins peu justifié, pointons du doigt en premier lieu le faux retour de Mickey Rourke qu'on a voulu nous vendre à toutes les sauces.

(2) Et pas seulement pour tenter en vain la réaction trollesque d'un fan atrabilaire... quoique.

Cri-Cri l'emmédaillé ou les hostilités du début d'année

2011-02-15T23:10:00.004+01:00

A l'heure où les derniers (grands) retardataires fomentent en douce leur classement des meilleurs disques de l'année précédente, prétextant non sans raison que sortir un top à la mi-décembre répond certes à des impératifs, mais vous coupe en partie des sorties du dernier mois de l'année, le mois de janvier sera comme de coutume aller de pair avec sa pelletée de résolutions plus ou moins rancies ou jubilatoires (c'est selon).

Qui dit nouvelle année, dit éternel recommencement, nouvel embrayage. « C'est le grand cycle de la vie » s'époumona dans un dernier souffle le grand sage avant de succomber d'une christophemaéite aiguë. Christophe Maé ou l'un de nos nouveaux Chevaliers des Arts et des Lettres (1) récompensé pour sa création dans le domaine artistique, voire sa contribution apportée au rayonnement des Arts en France si on en croit les milieux concernés (''et dans le monde?'' me tance la petite fille du sage prompte à tacler les grognons. Ça reste encore à prouver, ma méconnaissance de l'aura francophone de notre néo-emmédaillé étant avérée, les plus altruistes pourront toujours souhaiter son exportation - lointaine - vers la Belle Province. Celle-ci nous a suffisamment refourgué par paquets de douze tant de talents émasculteurs, briseurs de gonades, que finalement pour service rendu, la France peut bien faire partager au Québec un peu de sa culture populaire... qui déborde).

Une breloque soulignant néanmoins un fait symbolique, comme aurait pu nous le rappeler un publicitaire mélomane « si à cinquante ans passés, la bise et la décoration du ministre te font défaut... ». Pouf, pouf... Restera surtout un symbole plus crispant, au risque d'enfoncer quelques portes ouvertes, le fait qu'on confonde popularité avec ventes de disques, création et innovation avec bilan comptable. Car pour l'anecdote, le chanteur de variétés fut épinglé lors du Marché international du disque et de l'édition musicale (MIDEM), haut lieu de l'art musical et synonyme de démarrage saisonnier de diverses remises de prix futiles et variés (2).

Dès lors, à défaut de résolutions pertinentes (tout du moins contraires au constat pessimiste précédent), telles que le fameux : « j'arrêterai de dire que c'était mieux avant (même si l'année 2010 n'a pas été des plus enthousiasmantes, alors pour 2011, ne m'attendez pas à sortir les cotillons...) », on pourra toujours s'amuser à regarder les petits camarades, pronostiqueurs dans l'âme, qui guettent les sorties annoncées en ce début d'année. Une saine activité contre-productive dont l'aspect jusqu'au-boutiste peut prendre la forme suivante: piaffer d'impatience le bousin prévu et repoussé depuis les calendes grecques, au risque de succomber devant cette montée et attente orgasmique, un trop plein d'émotion bien connu des amateurs d'Arlésienne tragi-comique (3)...

Allez, encore dix mois et demi à tenir...

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(1) Lors du Midem à Cannes... on y reviendra.

(2) Le 22 Janvier la première radio musicale de France (en terme de parts de marché) lança ses onzièmes prix populo-musicaux... Sinon outre-Atlantique au rayon nouvelles de la semaine, Angry World de Neil Young a gagné le Grammy de la meilleure chanson Rock... c'te bonne blague, c'est sans conteste la plus ridicule qu'ai enregistré le loner depuis belle lurette... quant à Muse qui récolte l'album Rock de l'année...

(3) Encore que depuis la sortie de Chinese Democracy des Guns N' Roses, les Arlésiennes d'un tel calibre se font bien rares... décidément, sale temps pour les hédonistes déviants.

Cronico Ristretto: Quiet Inlet - Food (2010)

2011-02-07T22:22:00.004+01:00

En attendant de croiser le cuivre avec les sorties 2011, fermons (momentanément?) le chapitre jazz de l'année passée avec cet autre album fraîchement signé chez ECM: Quiet Inlet du duo nommé Food.

Cette formation au patronyme pittoresque bien que créée en 1998 sous l'aspect d'un quartet, devra attendre 2006 pour laisser apparaître son ossature finale, c'est à dire le saxophoniste britannique Iain Ballamy et le batteur norvégien Thomas Strønen, ces derniers invitant par la suite des musiciens à chaque nouvel album. Et Quiet Inlet ne déroge pas à la substantifique règle de la paire, les guests étant cette fois-ci le guitariste autrichien Christian Fennesz et cerise sur le gâteau bavarois (1), le trompettiste norvégien, Nils Petter Molvaer (rien de moins), les deux musiciens s'occupant également des effets électroniques.

Si le précédent met de Food, Molecular Gastronomy (2007), avait laissé un peu sur sa faim le chroniqueur amateur, leur nouvelle arrivée chez la maison Eicher permit au contraire au duo un recul salvateur, sinon la découverte, tout du moins une réaffirmation des espaces et autres atmosphères qu'aime conter par exemple leur contractuel souffleur et compositeur de Khmer (1998), Molvaer. Car contrairement à un Gastro pollué par des boucles électro éculées, noyant le duo et consorts sous une pluie d'effets nuisibles, ce nouvel opus offre un visage où le souffle éthéré des deux jazzmen et les percussions tribales de Strønen (re)deviennent le meilleur vecteur d'une musique improvisée et mélodique.

Contre toute attente, Quiet Inlet n'aligne aucun quartet, mais prend la forme d'un trio, Fennesz et Molvaer n'apparaissant que sur des morceaux distincts (2). Un choix qui s'il peut faire naitre quelques déceptions de prime abord, n'enlève en rien à l'expressivité des trois musiciens en présence. Un album marqué du sceau ECM où l'épure et l'introspection savent encore, comme souvent sur ce label, être de véritables portes vers l'imaginaire au gré d'un saxophone lyrique, d'une trompette mystérieuse, d'un batteur minimaliste… et une guitare un peu trop en retrait.

Un sixième album électro-acoustique à découvrir.

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(1) On rappelle pour la dernière fois que le siège du label de Manfred Eicher se trouve à Munich?

(2) Christian Fennesz sur Tobiko, Mictyris & Fathom, et le trompettiste norvégien sur les quatre autres :Chimaera, Becalmed, Cirrina & Dweller.

Cronico Ristretto: Mountain Mocha Kilimanjaro - Uhuru Peak (2010)

2011-02-03T22:45:00.001+01:00

Il aura fallu qu'un petit animal bondissant à la robe fauve tacheté de noir s'adonne au joie de l'Afrobeat britannique pour que l'auteur au style tortueux, chantre des phrases construites d'une manière trop alambiquée, décide de creuser un sillon similaire, se faisant l'écho d'une autre formation aux antipodes des préjugés assimilés à la nationalité des protagonistes: les japonais Mountain Mocha Kilimanjaro. Uhuru Peak, chronique ultra référencée pour une musique qui l'est tout autant.

Six énergumènes en costard cravate en provenance de Tokyo, habillés comme des gangsters, une progéniture déviante résultat des coucheries d'une bande de yakuzas tragico-grotesques signée par un Takeshi Kitano tribute band? L'analogie aurait été bien trop simple quoique plausible.

Le sextet nippon s'est fait connaitre en 2008 par la sortie de leur premier album éponyme et leurs diverses prestations sur l'archipel, la musique funk incandescente des dénommés Temjin, Carlos, Bobsan et autres MZO, Ginger et Tiger s'accordant idéalement et sans surprise avec les ambiances moites des clubs. Une musique instrumentale exothermique s'accordera même à souligner le physicien, vibrante et énergique, qui permit au Mountain Mocha Kilimanjaro d'accroître sa popularité à travers les festivals japonais mais aussi en dehors lors d'une tournée de trois semaines en Australie.

2010, les funky gangsters from Tokyo reviennent avec un nouvel album intitulé Uhuru Peak. A l'écoute du titre d'ouverture, 乱暴, l'ombre des seventies ne fait aucun doute, le groove rotationnel de la section cuivre (trompette, saxophone) additionné à celle de la six cordes de Naokazu Kobayashi alias Bobsan accomplit la synthèse des meilleurs moments funk des frangins Randy et Michael Brecker, sidemen de Billy Cobham sur son suintant A Funky Thide of Sings (1975), et des plages acid-jazz des Beastie Boys. Impression accentuée par les plages suivantes où d'autres influences notables viendront se greffer au fur et à mesure, et au gré du talent des musiciens, l'organiste Yuki Mizoguchi alias MZO piochant du côté du Fender Rhodes d'Herbie Hancock époque Fat Albert Rotunda (1969) et où la figure titulaire George Clinton pourra difficilement ne pas être évoquée sur l'introduction de Mr Soul Machine Gun par exemple.

Ce second album des Mountain Mocha Kilimanjaro s'il ne renverse en rien le paysage musical actuel, de par sa maestria et son éclectisme funk, évoque les meilleurs et versatiles DJ mixes. Du langoureux et Al Greenien A Woman Changed My Life à la jam session James Brownienne finale Love Spectrum en passant par les épileptiques Sympathy et (Ain’t Got Nobody) Just A Ramblin’ Man, Uhuru Peak sait être un album efficace à défaut d'originalité, taillé pour la scène donc... A quand une tournée européenne dès lors?

乱暴 (Rumble) by MMKilimanjaro

Theme of Kilimanjaro by MMKilimanjaro

Sympathy by MMKilimanjaro

Leur Myspace.

Malevil - Christian de Chalonge (1981)

2011-01-27T11:00:00.000+01:00

Paru en 1972 le roman d'anticipation Malevil de Robert Merle eut droit à une adaptation au cinéma une dizaine d'années plus tard... "inspiré librement" toutefois comme l'indique l'affiche et le générique, Merle répudiant et acceptant mal les coupes et raccourcis du cinéaste Christian de Chalonge et de son scénariste Pierre Dumayet (le nom de l'auteur n'est pas non plus indiqué). Alors Malevil, le film, oeuvre ratée comme bon nombre de ses pairs mis à l'index par leurs auteurs écrivains?

Emmanuel Comte (Michel Serrault), châtelain, viticulteur et maire de la commune de Malevil, s'apprête à embouteiller une de ses cuvées lorsqu'il reçoit la visite de plusieurs de ses adjoints dont son ami Colin (Jacques Dutronc) venus régler la question cruciale de l'emplacement du lampadaire jouxtant la pharmacie Bouvreuil. Une fois l'apothicaire calmé (et conforté dans sa petitesse), en gentilhomme du terroir, Comte propose à l'assemblée de déguster un peu de son vin lorsqu'une panne d'électricité survient, une panne s'apparentant plus à un black-out, la radio de Momo (Jacques Villeret) étant elle aussi étrangement réduit au silence... apparaît sous la porte une lumière intense, accompagnée d'un grondement assourdissant, et une chaleur étouffante, interminable. L'apocalypse nucléaire vient de s'abattre. Après un moment d'attente, de crainte, les premiers sortent et découvrent un nouveau monde, indescriptible ("Mais qu'est-ce que vous avez vu?"), en ruines, crépusculaire, pour seule présence, un épais brouillard de cendres. Les sept survivants devront dès lors s'unir et lutter contre cet environnement, se réadapter à une vie néolithique et se défendre contre les pillards et les autres humains...

Or si polémique il provoqua chez certains, tout du moins un accueil mitigé, le film de Christian de Chalonge a d'avantage été la proie d'un malentendu qui perdure encore de nos jours dans la tête de quelques esprits bornés ou déphasés: vouloir comparer stricto sensu un livre et son adaptation cinématographique... Malevil, le livre, pavé de 600 pages, conte la même histoire que sa version épurée, la survie et les questions qui s'y attachent d'un petit groupe d'amis après une explosion atomique non loin de Cahors cette fois-ci. Si Merle s'attache à aborder des thèmes tels que la place de la religion et de la politique, ou bien celle de la femme sous l'angle d'une communauté restreinte, du fait de sa durée de deux heures, le long-métrage s'il n'écarte pas totalement ces aspects, n'a pas vocation à offrir une version calquée, mais au contraire une complémentarité où l'image et les ambiances, les impressions qui en découlent, ont tout leur sens... auquel cas, pour calmer en partie les rigoristes, un format série aurait sans doute été plus approprié, une transposition qui n'aurait dès lors nullement réduit ou sacrifié certains personnages comme Fulbert (Jean-Louis Trintignant) ou Villemain dit le Commandant.

Par une pirouette facile (et néanmoins assez juste), Malevil a les défauts de ses qualités. La paire de Chalonge/Dumayet aura écarté d'un revers de main la question de la politique et du sexe par manque d'ambition ou d'audace (1), la religion étant traitée de manière certes superficielle mais critique (cette dernière étant représenté comme un instrument proche de l'asservissement). Le livre est bien plus nuancé voire antagoniste. Fulbert est le symbole de sa face sombre, pernicieuse, tandis que Comte, plus pragmatique et ambiguë, utilise la religion comme outil de cohésion sociale, celle-ci au final restant indissociable de la nature humaine selon Merle. Le film tend donc de par sa nature à simplifier le contenu, à la différence que celui-ci s'abstient de rendre le personnage principal trop omnipotent et envahissant, reléguant ses compagnons au second plan (comme dans le roman).

Car loin d'être anecdotique, le long-métrage distille un sentiment de perdition et de désolation rare, illustré par les décors de Max Douy (2) et ce silence pesant où viennent se greffer des dialogues simples et marquants ("On pourrait peut-être se remettre à parler", "vous trouvez normal qu'on ne parle jamais des autres"), révélateurs d'une humanité chancelante. Visuellement Malevil est une réussite, de la première scène post-apocalypse aux des paysages "sublimés" du Larzac par la photographie du chef opérateur Jean Penzer. Une oeuvre à la limite du naturalisme, de Chalonge observe avec sa caméra ce microcosme survivant avec difficulté et abnégation en terre hostile. Et si Jacques Dutronc en électricien rural pourra en laisser quelques-uns dubitatifs (3), le reste de la distribution en premier lieu Michel Serrault et l'apprenti dictateur messianique Jean-Louis Trintignant (4) élèvent sans conteste ce film. Une interprétation juste et une production aboutie dissipant ainsi les doutes du syndrome de la plante potagère, risques à craindre (et a priori malheureux?) en découvrant qu'il s'agit d'une collaboration... franco-allemande.

Au final, en acceptant le postulat de départ qu'une simple cave à vin peut faire office d'abri antiatomique, Malevil est la preuve qu’un film post-apocalyptique situé en plein Larzac peut-être un bon film.

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(1) C'est vrai que confronter un communiste primaire avec la loi primitive du "seul le plus fort survit" aurait pu être jubilatoire. Quant à la position procréatrice de la femme soulevée par le livre, si elle a le mérite d'exister dans de telles "conditions extrêmes", pas certain que celle-ci ait vraiment sa place dans un groupe d'individus ne dépassant pas les dix personnes...

(2) Décors qui lui vaudront un César l'année suivante.

(3) Du reste, l'interprète de L'opportuniste ne joue pas trop mal, juste moyennement crédible en électricien. Dutronc fait du Dutronc en somme.

(4) Prémices du dictateur Holm qu'il jouera dans le premier film d'Enki Bilal, Bunker Palace Hotel (1989), de même que Jacques Villeret handicapé mental ici, en attendant un rôle similaire plus riche et touchant dans L'été en pente en douce (1987) de Gérard Krawczyk.

Cronico Ristretto: Grumpf Quartet - Grumpf Quartet (2010)

2011-01-24T17:05:00.001+01:00

Signé chez Noir Prod tout comme leurs cousins Mâconnais et zébulons bruitistes Ni, voici que débarque de Bordeaux le Grumpf Quartet et son premier album éponyme, ou la version complémentaire des quatre musiciens précités?

Formé en 2006, Grumpf Quartet prouve une fois n'est pas coutume que musique rock "sérieuse" ne rime pas forcément avec boursouflure... de la part d'un quartet cachant en fait un trio de musiciens (aguerris), on aurait dû s'en douter, non?

Si la recherche de structure alambiquées et autres plans complexes (et rajoutez y une bonne louche d'harmonies dissonantes) peut sembler vaine depuis plusieurs années, quand le renouveau mathrock et post-rock semblent avoir montré ses limites, la découverte d'une nouvelle formation oeuvrant dans un style à la croisée d'un rock progressif ténébreux et d'un mathcore jazzy pouvait éveiller l'intérêt du chroniqueur, voire le rassurer à la lecture de titres tels que: Stravinsky on da rocks (clin d'oeil et jeu de mot à la Zappa?) ou Racine de deux (en attendant un Hypoténuse au carré?). Bref, les Grumpf avaient suffisamment de recul sur leur art (et des références/influences avouées prometteuses (1)) pour susciter plus d'une écoute (2).

Le disque sur la platine, l'album éponyme s'ouvre par Stravinsky et l'ombre de Robert Fripp plane déjà sur ce Grumpf quartet, la même science du riff menaçant en provenance d'un Fracture, ou comment calmer les ardeurs de l'auditeur après quelques étrangetés frénétiques... soit une guitare King Crimsonienne véritable leitmotiv au gré des envies du trio (Ushikata Ajime). Musiciens à la mise en place rigoureuse, ne gardant que le meilleur (?) d'un Dillinger Escape Plan par exemple, ou une rythmique basse/batterie alternant les séances groovy et marteau-pilon (Shaka) au service d'un dynamisme technique (et d'une technique dynamique). Néanmoins l'humour est peu privilégié ajouterons les grognons. Or le trio a l'avantage certain de savoir varier les ambiances et les fantaisies sonores sans démonstration stérile (La triste fin d'Horace), tout juste le chroniqueur, amateur de Fun House, espérera qu'à l'avenir les musiciens offrent une place plus importante au saxophone (Racine de deux) voire à d'autres instruments.

A suivre.

Tournée française et européenne prévue avec Ni en Avril.

Leur page Myspace.

La chronique de Thom.

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(1) Mr Bungle, Radiohead, John Zorn, Charles Mingus, Shellac, etc.

(2) On a beau avoir une oreille avertie, si la première écoute s'apparente à une silhouette avantageuse, le style musical de notre quartet (qui n'en est pas un) mérite plusieurs écoutes attentives pour justement en découvrir toutes les voluptueuses subtilités.

The Devils - Ken Russell (1971)

2011-01-22T18:22:00.002+01:00

The Devils de Ken Russell comme le rappelait l'affiche promotionnelle (et la bande-annonce) de l'époque n'est pas un film pour tout le monde. Et si quarante ans après, la controverse et l’opprobre se sont taris, les qualités artistiques du long métrage étant considérablement reconsidérées, celui-ci garde néanmoins encore aujourd'hui un pouvoir de "nuisance" certain.

Au XVIIème siècle, sous le règne de Louis XIII, le cardinal Richelieu craignant une révolte des protestants depuis leurs fortifications demande à son roi la destruction des fortifications alloués aux huguenots, tel Loudun en Anjou. Cette ville fortifiée est depuis peu sous l'autorité du prêtre Urbain Grandier (Oliver Reed) depuis le décès du gouverneur Sainte-Marthe, mort de la peste comme bon nombre de loudunais. Un homme d'église aux moeurs assez particulières, ce dernier ayant une vision très personnelle du voeu de chasteté et de célibat (il se mariera en secret avec la dénommée Madeleine De Brou (Gemma Jones)). Et si sa foi et son attachement à Loudun lui vaut le respect de la population, les protestants et les catholiques vivant en harmonie, il en n'est tout autre des notables, le père Mignon ou le magistrat de la ville, le premier pour des raisons morales, quant au second, sa fille fut rejetée par Grandier en apprenant la grossesse de celle-ci. Un ecclésiastique sexué qui ne laisse pas non plus indifférent la mère supérieure du couvent d’ursulines, soeur Jeanne des Anges (Vanessa Redgrave), atteinte d'hallucinations érotico-bibliques, au même titre que le reste de ses soeurs, toutes atteintes d'hystérie collective et profondément attirées par ce prêtre qu'elles n'ont pourtant jamais rencontré. Vexé du refus de Grandier de ne pas devenir leur nouveau confesseur, Jeanne l'accuse de l'avoir séduite et abusée par l'intermédiaire de quelques diableries. Une possession démoniaque, soit une occasion en or pour le baron de Laubardemont (Dudley Sutton), aux ordres de Richelieu, pour réduire à néant le bien trop gênant Grandier et les fortifications de Loudun si un procès en sorcellerie venait à être ordonné.

Adapté du livre Les Diables de Loudun, étude d'histoire et de psychologie de l'écrivain britannique Aldous Huxley et de la pièce The Devils de John Whiting elle-même inspirée par le précédent ouvrage, le film contrairement à la légende de l'affiche précitée prend quelques libertés historiques, certaines par soucis de simplification et de dramaturgie (1), d'autres plus polémiques...

Si les raisons évoquées dans The Devils sont proches de la réalité, il faut noter toutefois que Richelieu est loin d'être le personnage fourbe, cynique et machiavélique qu'on lui prête souvent d'être. Louis XIII et son ministre, ces "tueurs" de protestants comme le dépeint le long-métrage, n'ont nullement remis en cause l'Edit de Nantes, et ont avant tout cherché à consolider et à unifier un royaume. Richelieu ordonna la destruction des fortifications qu’Henri IV, père de Louis, avait accordé aux protestants car il reprochait d'avantage à ces villes d'être un Etat dans l’Etat qu'un bastion d'huguenots revanchards. Et si le portrait que fait Russell de Richelieu n'est guère flatteur, celui-ci passant qui plus est pour un infirme, Louis III en plus de sa réputation de souverain falot devient sous la caméra du cinéaste une folle cruelle, sanguinaire (2) et débauché, ou le portrait au vitriol d'un homme pieux, connu pour avoir dissocié la politique de la religion (3) qui n'aimait pas le paraître et encore moins la vie de cours... maudit anglais. Néanmoins un film étant par définition une création artistique, et de ce fait un espace libre pour son auteur, de la part de Ken Russell, il fallait sans aucun doute s'attendre à une vision violente, extrême, provocatrice et sexuée de cette page de l'Histoire de France, toile de fond et prétexte aux thèmes du réalisateur comme la critique du fanatisme religieux.

Comme annoncé en préambule, Les Diables de Ken Russell, près de quatre décennies après sa sortie tumultueuse, reste un film aux qualités artistiques rares, mené par deux interprètes principaux habités par leur rôle, Oliver Reed en ecclésiastique profondément humain, un homme d'église avant tout homme, avec ses défauts et ses qualités, et une Vanessa Redgrave déchaînée en nonne hystérique. Tourné dans les studios Pinewood près de Londres et à Bamburgh (dans le nord de l'Angleterre), la reconstitution de Loudun au même titre que l'ambiance du film et les scènes hallucinatoires de Jeanne des Anges apparaissent comme un élément charnière du style souhaité par le cinéaste (4), à la fois frénétique, grotesque, perturbant, cauchemardesque, à l'image du père Barre, prêtre inquisiteur symbole d'un psychédélisme noir plus proche des ouailles d'un Charles Manson que d'un Bernardo Gui.

Mise à l'index par la censure, les scènes les plus explicites ayant droit à quelques coupes drastiques à l'époque de son exploitation (la masturbation de Jeanne avec le reste de tibia calciné du père Grandier ou les gros plans du supplice de ce dernier par le prêtre Barre lui brisant les jambes à multiple reprise), quelques scènes furent néanmoins retrouvées dans les années 2000, tel le viol du christ sur sa croix par les soeurs par exemple dans l'église, scène excessive retranscrivant parfaitement la folie des Diables.

The Devils ne laisse toujours pas indifférent de par sa virulence et son néo-surréalisme, et ce depuis quatre décennies (5).

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(1) Grandier fut acquitté un premier temps des accusations de sorcellerie proférées par les hystériques ursulines, mais ce dernier continuant d'accuser Richelieu et sa politique, le cardinal réussit à rouvrir le procès et obtint finalement l'exécution du prêtre.

(2) Lors de la scène où Richelieu explique à son roi ses raisons, Louis XIII s'amuse à tuer au pistolet des protestants déguisés en merle.

(3) Louis XIII mena ce qu'on nommera plus tard la Guerre de Trente ans, en s’alliant avec les Princes allemands protestants contre l'Autriche et l'Espagne catholiques.

(4) Quoique grief habituel chez Russell (et encore plus pour ses oeuvres 80's), le style plastique est daté.

(5) On appréciera (ou pas) au passage les divers dialogues samplés issus du film ("You have been found guilty of commerce with the devil" par exemple) sur le brillant Golden Dawn appartenant au non moins brillant album fondateur The Land of Rape and Honey (1988) de la paire Jourgensen/Barker (alias Ministry).

Piranha II: les tueurs volants - James Cameron (1981)

2011-01-20T14:31:00.022+01:00

Sur une île dans la mer des caraïbes, non loin de la Floride:

- Hum... Qu'est-ce que tu as mon chéri, je ne te plais pas?

- Si tu me plais énormément, mais comme ça, dans un bateau, ce n'est pas très commode.

- Alors le bateau n'est pas commode, la plage est pleine de sable, la chambre est trop airconditionnée (1).

- Je parie que c'est l'eau que j'ai bu à l'hôtel, elle ne devait pas être très très bonne.

- Mais non, tu es trop nerveux, voilà tout.

- Oui, oui, je crois que j'ai besoin de me détendre...

- Et bien on se détendra plus tard si tu veux bien. C'est idiot d'être venu jusqu'ici pour des prunes.

- Tu es sûre qu'il n'y a aucun danger.

- Ce sera merveilleux. Tu n'en reviendras pas...

Formidable préambule et transition idéale pour l'une des premières scènes de fesses subaquatiques que le 7ème art ait pu nous offrir... qui ne sera pas du goût du banc de poissons carnassiers qui a élu domicile dans l'épave du bateau militaire où notre couple décida de s'adonner aux joies des plaisirs lubriques (?!!) (et urticants...). Voici donc les premières minutes de Piranha II, sous-titré les tueurs volants pour la version française, un des films traînant l'une des pires réputations du cinéma, ou comment la séquelle d'une série B, qui permit de mettre en lumière le talent d'un Joe Dante débutant, se transforma en une des séries Z les plus nazebroques qui soient. Fallait-il s'en étonner de la part du futur producteur d'Ator (Iron Warrior) et autres American Ninja IV et V?

Note: le piranha génétiquement modifié n'est pas sensible à l'érotisme subaquatique nanar... étonnant, non?

Ainsi le couple, précédemment présenté de manière si brillante et subtile, se fit boulotter crûment par les teigneux petits locataires de l'ancien navire appartenant à l'armée étasunienne, épave désormais échouée au fond de la mer des Caraïbes, et qui fut pendant un court (mais intense) instant lieu de rendez-vous érotique pour touristes en mal de sensations fortes... avant de devenir le théâtre d'un terrible carnage subaquatique. Le lendemain, Anne Kimbrough (Tricia O'Neil) employée à l'hôtel Elysium's et responsable des excursions sous-marines perd, lors d'une sortie près de la dite épave, un client un peu trop individualiste se détachant du reste du groupe, et qui paiera cher sa curiosité, ce dernier faisant les frais de l'appétit féroce de nos chers et tendres poissons carnivores transgéniques (2). Steve Kimbrough (Lance Henriksen), policier de son état et ex-mari d'Anne lui refusant le droit d'examiner le cadavre du cuistre touriste, celle-ci s'introduit la nuit tombée avec le dénommé Tyler Sherman dans la morgue pour en connaitre davantage sur ces blessures mortelles. Découverts par l'une des employés de l'institut, nos deux amoureux (vous en doutiez? (3)) fuient après avoir pris quelques photos. C'est alors qu'un nouveau drame survient... l'employée penchée sur le macchabée se fait surprendre par un piranha qui sort de l'abdomen du mort... la génétique ayant pourvu le piranha d'une paire d'ailes. La menace gronde, la poiscaille dentée a les crocs... la station balnéaire et les clients de l'hôtel vont morfler!

Toute ressemblance avec un futur film réalisé par James Cameron serait fortuite...

...et une fois son forfait commis notre "volatile" iodé passe par la fenêtre rejoindre la grande Bleue, c'est beau l'appel de la nature

Produit par Ovidio Assonitis (on y reviendra), cette séquelle n'en demeure pas moins un film d'épouvante à part, surtout pour l'imprudent qui tomberait sur les 30 premières minutes du métrage... car l'horreur visuelle et cinématographique n'aura pas la forme attendue et souhaitée. Cameron (fut-il influencé par la nationalité de ses techniciens?) propose en effet quelques saynètes qui ne déparierait pas d'une sexy-comédie italienne 70's... à ceci près que le cinéaste, responsable aussi du scénario (sous le pseudo H.A. Milton), aura effectué un écrémage particulier, privilégiant les gags les plus bas de gamme et autres réparties hyper-caloriques au détriment des effeuillages de rigueur. Faut-il y voir par ailleurs la présence envahissante du producteur exécutif, réduisant considérablement le rôle de Cameron, celui-ci ayant été embauché à l'origine comme seul responsable des effets spéciaux, toujours est-il qu'en attendant le naufrage horrifique de la seconde partie, Piranha II lorgne vers la comédie ringarde où se bouscule le meilleur du pire des clichetons du cinéma balnéaire de seconde zone (le point de non retour étant cela dit atteint par l'intervention du cuistot bègue et du numéro de charme de la morue chapardeuse (4)).

Mrs Wilson dans ses oeuvres:

"Oh mais il est adorable ce petit short, il est trop serré à la ceinture, c'est dommage.

Vous savez à mon âge, y'a pas une minute à perdre. Dites moi, ça vous dirait de passer une soirée agréable sans complication.

Je connais quelques petits trucs intéressants qui feraient pâlir de jalousie toutes les jeunes nanas de l'hôtel..."

Après une première portion ratée (ou à côté de ses pompes pour les plus indulgents), l'horreur annoncée et promise se devait de relever le niveau, à ceci près que l'histoire narre l'épouvantable invasion de poissons volants anthropophages... Handicapé par un récit invraisemblable, le premier long-métrage de James Cameron accumule les fautes de goût avec une maestria jubilatoire, l'apparition des piranhas s'accompagnant par exemple d'un bruitage sonore digne des chauves-souris utilisées par Ed Wood Jr. Dès lors, suivre les aventures de Lance Henriksen (5) et de sa complice Tricia O' Neil (ou l'Adrienne Barbeau du pauvre) au gré des massacres de nos carnassiers ailés, ces petites bestioles prenant un malin plaisir à dévorer ce que l'espèce humaine a de plus stupide, n'engendre pas la monotonie à défaut d'effroi. (A voir ce que peut donner le montage original de Cameron, l'omnipotent Assonitis s'étant arrogé le droit de remonter entièrement le film).

Dialogues ciselés à la truelle, effets spéciaux bon marché, personnages secondaires caricaturaux, intrigue originale réduite à sa plus simple expression tant celle-ci pique sans vergogne celle des Dents de la mer, Piranha II mérite amplement les sarcasmes et son statut peu enviable. De quoi réjouir le cinéphile déviant en somme, ainsi que le mélomane amateur de bande-originale ultrabis (6).

Et pour achever notre fable, le duo intemporel interprété par la jeune roulure et le puceau:

"Tu tiens nos vies entre tes mains" dit la bougresse en se mordillant la lèvre inférieure...

Verdict du Nanarotron:

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(1) Du verbe airconditionner qui nous donne au présent de l'indicatif: Je airconditionne, tu airconditionnes, il airconditionne, etc.

(2) Car avant d'aller plus loin, contrairement au saumon, le piranha classique supporte difficilement l'eau salée, lui préférant les eaux douces des rivières sud-américaines. C'était l'instant zoologie, nos amis les bêtes.

(3) Extrait de la parade amoureuse de nos deux tourtereaux le soir venu:

- Tyler, ça vous ennuierait de rester, j'ai besoin d'une présence. On n'est pas obligé de faire l'amour, ou quoi que ce soit.

- Faire l'amour? Anne, cette idée ne m'a même pas effleuré.

- Oooah...

(4) Véridique, je n'invente rien: "Lauretta adore les hommes, elle et moi on a le même goût. Paul, ça vous est déjà arrivé de faire l'amour avec deux filles?"

(5) Doublé par la voix de Claude Joseph, alias Rosco P. Coltrane de la série Shérif, fais moi peur!

(6) Musique de Steve Powder alias Stelvio Cipriani, un habitué des productions... décalées.

Cronico Ristretto: C.H.U.D. - Douglas Cheek (1984)

2011-01-15T12:15:00.005+01:00

Dernier volet de notre trilogie, C.H.U.D. appartient sans aucun doute à une catégorie rare, celle des films fantastiques à caractère social s'inscrivant indirectement (ou non) dans la critique de l'Amérique Reaganienne, genre popularisé quelques années plus tard par le désormais culte They Live (Invasion Los Angeles) de John Carpenter.

Un soir à New-York dans le quartier de SoHo à Manhattan, une femme promenant son chien passe non loin d'une plaque d'égout... puis disparaît, attaquée par une créature définie plus tard par l'acronyme Cannibalistic Humanoid Underground Dweller (ci-joint l'affiche US avec la dite créature aux yeux lumineux... on y reviendra). Le lendemain, nous suivons deux récits en parallèle ayant pour point commun la vie souterraine new-yorkaise des laissés-pour-compte, celui de George Cooper (John Heard) photographe de mode reconverti dans le photo-reportage dont le dernier article avait pour sujet la faune précitée, et celui du Capitaine Bosch (Christopher Curry) devant faire face depuis peu à une série de disparitions inexpliquées dont la cible semble être justement les sans-abris. Son enquête le mène rapidement vers une connaissance A.J. Sheperd, un ancien détenu surnommé Le Révérend (Daniel Stern) depuis qu'il s'occupe de la soupe populaire dans le quartier. Or celui-ci a constaté qu'un grand nombre de ses ouailles vivants dans les bas fonds n'en sont jamais revenus. Tandis que Cooper continue son investigation sur les sans-abris, Sheperd montre plusieurs de ses étranges découvertes dans les souterrains à un Bosch de plus en plus concerné (on le serait à moins, la femme en préambule n'était autre que son épouse). De retour à l'endroit même où A.J. a trouvé une botte en caoutchouc, le duo tombe sur un compteur Geiger en parfait état de marche qui s'affole sans raison apparente alors qu'aucun fût radioactif ne devrait être entreposé normalement dans les égouts de la ville...

Sorti la même année aux USA que son cousin parodique (et nanar) Toxic Avenger de Lloyd Kaufman (créateur de Troma pour les plus jeunes), C.H.U.D. s'il adopte le même ressort fantastique, la mutation d'être humain après exposition à des déchets toxico-radioactifs, garde volontairement un aspect dramatique, pointant du doigt sans misérabilisme à la fois l'état de délabrement et la mise à l'écart des centres villes des vieilles métropoles étasuniennes (en écho avec un autre film fantastique de 1981: Wolfen). Par conséquent une telle toile de fond, et en dépit du propos horrifico-fantastique du long-métrage, s'accorde difficilement avec le gore potache d'un futur Street Trash (1986), le cinéaste et les scénaristes (1) goûtant moins au craspec rigolard qu'aux scènes héritées des zombies de Romero.

Si C.H.U.D. n'est pas exempt de tout reproche: action mollassonne, les personnages de George Cooper et sa femme tendant à ralentir et à trop disperser le récit, ou le maquillage daté (raté?) des créatures mutantes (en particulier ces yeux phosphorescents proéminents lorgnant entre le croisement raté d'une mouche et d'un phare de voiture), cette honnête série B (2) continue d'être agréable plus d'un quart de siècle après sa sortie malgré ses défauts pour l'amateur de fantastique fauché.

A (re)découvrir.

PS: A noter qu’un C.H.U.D. 2 est sorti en 1989 au détail près qu’il s’agit désormais d’une comédie.

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(1) Soit Parnell Hall et les acteurs Christopher Curry et Daniel Stern (ces deux derniers étant non crédités).

(2) Comprendre des personnages à la limite de la caricature, on n'en attendait pas plus cela dit.

Cronico Ristretto: Joe Kidd - John Sturges (1972)

2011-01-13T15:39:00.005+01:00

Second volet de notre thématique abordée précédemment, voici venir le dénommé Joe Kidd, western réalisé à l'aube des 70's par le non moins réputé John Sturges (1) avec en haut de l'affiche excusez du peu, Clint Eastwood et Robert Duvall, Lalo Schifrin signant le score... et pourtant qui se souvient ou connait ce film de 1972?

Joe Kidd (Clint Eastwood), ancien pisteur et chasseur de primes réputé, désormais à la retraite dans son ranch, fait un crochet par la prison du shérif de Sinola dans le Nouveau-Mexique après avoir été arrêté pour troubles à l'ordre public sous l'influence de l'alcool et braconnage dans une réserve indienne. Lors de sa comparution devant le juge le lendemain matin, l'homme de loi est pris à partie par des mexicains réclamant la remise en cause des terres appartenant aux nouveaux propriétaires gringos. Si cette révolte paysanne menée par Luis Chama (John Saxon) laisse de marbre Kidd, celle-ci est loin d'arranger les plus gros propriétaires terriens de la région tel l'omnipotent Frank Harlan (Robert Duvall). Accompagné de ses hommes de main, Harlan désire louer les services de pisteur de Kidd et ainsi retrouver la trace de ce néfaste Chama au plus tôt. D'abord étranger à cette histoire, Kidd accepte l'offre d'Harlan après avoir découvert que Chama et ses acolytes aient volé plusieurs de ses chevaux et maltraité un de ses employés... Chama ayant peu apprécié l'aide apporté par Kidd au juge que le leader mexicain voulait kidnapper, de même que la mort d'un de ses comparses tué par Kidd lui-même. Le lendemain, Harlan et sa troupe partent sur les traces de Chama, mais ses méthodes brutales et la rencontre de la belle Helen Sanchez ne laisseront pas indifférent Kidd...

Comme souvent dans pareil cas, pour celui qui aimerait trouver une raison à cet anonymat actuel, la conséquence d'un voisinage un peu trop glorieux pourrait bien en être la première raison... la sortie de Joe Kidd précédant d'une année le premier western réalisé par Eastwood, High Plains Drifter (L'homme des hautes plaines), ou le premier chef d'oeuvre crépusculaire du cinéaste d'Unforgiven (Impitoyable). Or cette explication n'est pas la seule...

Que le vétéran John Sturges réalise un western appartenant au sous-genre en vogue à cette époque, le revisionist western, sous-genre remis au goût du jour par Hollywood depuis la révolution Leone, avec dans le rôle titre l'interprète du désormais légendaire "homme sans nom" partait d'une bonne idée à défaut d'être originale. De la même manière, y placer dans l'histoire les quelques casseroles qui collent à l'histoire étatsunienne telle que la réforme agraire correspondant à la cession du Nouveau Mexique par le Mexique était elle aussi une louable intention. Et pourtant malgré ces aspects, Joe Kidd reste un film mineur. Il y manque l'étincelle, une tension, une histoire plus étoffée ou plus complexe, des scènes spectaculaires ou des confrontations mémorables, le film n'ayant pas vocation à jouer les westerns contemplatifs (hormis celle de la locomotive démolissant un saloon de seconde zone, pas grand chose à se mettre sous la dent, le sort des Lamarr et autre Harlan étant expédié trop rapidement) et surtout un personnage principal consistant et bien défini (2).

Des réserves qui néanmoins n'enlèvent en rien à Joe Kidd. Et si ce dernier n'a rien de la pépite oubliée méritant amplement de rester dans l'ombre de la filmographie du grand Clint ou de celle du cinéaste de The Great Escape, ce film mineur mérite tout de même d'être vu par les amateurs de western de cette époque.

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(1) Réalisateur de Règlements de comptes à O.K. Corral (1957), Les sept mercenaires (1960) ou La grande évasion (1963).

(2) Kidd ou l'homme caméléon: pilier de bar, chasseur d'homme, pistolero, etc.

The Funhouse - Tobe Hooper (1981)

2011-01-07T23:57:00.003+01:00

Et pour commencer l'année doucement, entamons un cycle rimant avec mise en lumière de trois films de genre méconnus (voire totalement oubliés pour d'autres), aujourd'hui: The Funhouse (Massacres dans le train fantôme) de Tobe Hooper.

Entre son adaptation du roman de Stephen King Salem's Lot (Les vampires de Salem) pour la télévision et sa future collaboration avec Steven Spielberg sur Poltergeist (1), le cinéaste du retentissant The Texas Chain Saw Massacre (Massacre à la tronçonneuse), Tobe Hooper, signe avec The Funhouse en 1981 un film d'horreur loin d'être aussi facile qu'il n'y parait, contrairement à ce que pourrait laisser transparaître son titre français.

En dépit du fait que ces derniers temps l'auteur de ses lignes semble empreint d'une certaine nostalgie autour des films post-Halloween, force est de constater et non sans une agréable surprise, cette production Universal va en effet à l'encontre du cahier des charges que tout bon ersatz du film de Carpenter se doit malencontreusement de copier sans vergogne et originalité. La première scène du film est à ce propos un exemple parfait de cette volonté de se démarquer du reste des futurs suiveurs, Hooper rend directement hommage aux deux films fondateurs du genre, Psychose et La nuit des masques (2), un hommage (très) appuyé pour mieux par la suite solder les comptes en quelque sorte?

Contre l'avis de ses parents, la jeune et farouche Amy (3) sous couvert d'aller au cinéma, va avec son nouveau petit copain Buzz et son amie Liz, accompagnée de sa tête à claques préférée Richie, à la fête foraine qui vient tout juste d'arriver en ville. Ainsi malgré le conseil avisé de son paternel lui rappelant les disparitions mystérieuses de l'année précédente coïncidant étrangement avec la venue de ces étrangers forains, les quatre adolescents partent s'encanailler loin de cette tutelle pesante et liberticide. A eux les joies de la fête foraine et son lot d'attractions jubilatoires tels que Madame Zena, diseuse de bonne aventure de son état (voire plus moyennant finance, mais n'allons pas trop vite...), du fameux freak show que toute bonne fête se doit d'offrir, ou de se faire frétiller la rétine à la vue d'une poignée de strip-teaseuses à la fraîcheur quelque peu flétrie (4), avant finalement de goûter au grand frisson dans le terrible train fantôme, lieu ou plutôt prétexte idéal pour rapprocher les corps d'adolescent encore en émoi devant tant d'émotions... débordantes.

Richie toujours prompt à prouver à l'assistance son potentiel et ses bonnes idées propose au petit groupe de passer la nuit dans le dit train fantôme, les ambiances horrifiques en carton pâte provoquant chez notre sémillant binoclard à chemise à carreaux des envies, enfin des pulsions que seul son amie Liz pourra calmer. Non content de jouer les voyeurs amateurs de chairs flasques, nos jeunes aventuriers aperçoivent à travers les planches du parquet une prestation scénique de Madame Zena connue des seuls initiés pouvant mettre 100 dollars sur la table. Une représentation agitée où le poignet expert de la voyante sera mise à contribution et néanmoins nullement appréciée à sa juste mesure par le client masqué, déguisé en créature de Frankenstein, ce dernier étant plus doué à briser le cou de la voyante que de réfréner une précocité séminale involontaire et donc incontrôlée. Témoins malheureux de ce piètre divertissement érotique, Amy et ses compagnons tentent dès lors de s'échapper (en découvrant un peu tard les dangers inhérents au voyeurisme)... or c'était sans compter sur le pouvoir de nuisance de Richie et sa capacité à se faire repérer par le propriétaire des lieux et père de la créature masquée...

En dépit d'un titre français tout droit sorti de la tête d'un distributeur qu'on taxera poliment de peu inspiré (5), ce Funhouse de Tobe Hooper s'il s'inscrit dans une veine classique, reste à part de par son traitement, le cinéaste étant plus attaché à créer des ambiances qu'à jouer la carte du gore à tout prix... au détriment de l'action puisqu'il faudra attendre presque une heure avant de plonger véritablement dans l'épouvante, détail étonnant de la part réalisateur de Massacre à la tronçonneuse... Néanmoins, si le spectateur attend autre chose qu'une boucherie sur pellicule, celui-ci pourra justement apprécier l'originalité du lieu présenté et le soin apporté à créer une ambiance glauque et malsaine mise en lumière par la photographie travaillée d'Andrew Laszlo, les maquillages de Rick Baker et les différentes scènes distillant cette atmosphère particulière oscillant entre le macabre et le grotesque. L'autre point à rapporter et à souligner est sans conteste l'histoire, à l'opposé des poncifs provenant des copies carbones maltraitant le scénario originel d'Halloween. Celui de Larry Block évite tout écart grossièrement réactionnaire ou simpliste, essayant même quelques diversions bien venues comme la présence du jeune frère d'Amy dans la fête foraine (quoique sous-exploitée), la relation entre le père et la créature ou une héroïne se démarquant des habituelles vierges crieuses (gueulardes?).

The Funhouse, film certes daté mais qui s'inscrit dans les thématiques propres à son auteur, quitte a devenir un classique du film d'horreur de nos jours... dans l'ombre de son glorieux aîné texan.

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(1) Spielberg à l'époque de The Funhouse avait déjà proposé à Hooper de travailler avec lui sur un projet nommé Night Skies, ou l'histoire d'une famille de fermiers en proie à une invasion extra-terrestre. Bien que le projet restera dans les cartons (en partie à cause du refus de Hooper à le réaliser, mais dont on retrouvera des traces scénaristiques dans les prochaines productions Spielberg à savoir Poltergeist et Gremlins), celui mutera en une version grand public (qui a dit cul-cul la praline?), véritable succès mondial plus connu sous le nom d'E.T.!

(2) A force de le répéter (en attendant un prochaine fois radotage), je crois qu'on a tous bien compris que ces deux films doivent être vu et revus pour tout amateur de slasher qui se respecte.

(3) Enfin pas trop tout de même, disons que des quatre protagonistes ou héros, Amy est la seule vierge... et donc forcément seule survivante du carnage annoncé?

(4) Mais quand on ne paye pas la performance de ses naïades à la fesse molle et à la poitrine newtonienne, l'alternative de voir ce morne spectacle à travers un trou, soit un premier saut vers cette émoustillante pratique que l'on nomme voyeurisme, tend à rendre l'entreprise plus agréable, tout du moins plus attrayante.

(5) Ou adepte de publicité mensongère, puisque de massacre il n'y aura que quatre victimes parmi les "innocents".

Funky Front Covers IV

2010-12-30T19:15:00.001+01:00

Si la dinde aux marrons est encore de rigueur dans l'imagerie populaire, il en va de même des désormais Funky Front Covers, passage obligé en ce lieu dès que les fêtes de fin d'année s'approchent. Voici donc pour la quatrième saison, le meilleur du pire des pochettes les plus insolites ou sexuées des musiques funk, disco et consorts.

En guise d'amuse-bouche commençons léger avec la scintillante Dee D. Jackson alias Deirdre Elaine Cozier et son Cosmic Curves qui en 1978 soit deux ans avant le lumineux film disco-roller Xanadu interprété par Olivia Newton-John joue déjà avec les effets de lumière futuriste et autres poussières d'étoile pour le plus grand bonheur des charts du monde entier. Une superhéroïne qui aura tout de même du mal à tutoyer les mêmes sommets du bon goût que la créature Cher et son Take Me Home (1979). L'ex-femme de Sonny réussit même l'exploit d'être en avance sur son époque avec cette pochette dorée fleurant bon l'heroic-fantasy racoleur, de quoi nous faire patienter sagement sa délicieuse période Hard FM durant les 80's, et à faire passer le projet The Wonderland Disco Band du producteur Morrie Brown pour un symbole de sobriété... alors que la dite pochette pourrait très bien servir d'affiche pour un quelconque nanar philippin.

Comme à chaque fois, les lectrices ne sont pas oubliées en ces lieux avec la célèbre pochette du jazzman Herbie Mann et son Push Push, un Mann magnétique tenant fermement son engin tout en exposant son torse moite... un vieil éphèbe huileux qui aura dû mal à rivaliser avec la jeune garde des 90's et le méconnu Damian et son 199sex, on croyait Prince à la ramasse durant cette décennie, finalement pas tant que ça...

Avant de faire monter la température d'un cran, petite comparaison en passant, entre les funky Hot Chocolate et leur Every 1's a winner de 1978 et le Who's Foolin' Who (1982) de One Way, où l'on constate l'apport et l'influence du téléphone rose dans l'industrie musicale, tandis que le Out in Front (1975) des Olympic Runners annonce leur prochaine audace crémeuse de 1979, un t-shirt mouillé servant de transition idéale pour une suite dédiée à quelques attributs physiques tout sauf anodins...

Les années 77-78 furent en effet riches en émotion de toutes sortes pour le funkyman en herbe, bien loin des préoccupations épinglo-nourricières d'une bande de crétus trop occupés à bouffer du dinosaures rockeux rancis. Et si le fessier des demoiselles avec ou sans culotte blanche était de sortie pour le plus grand bonheur extra musical de notre apprenti en pleine poussée d'hormones, on notera non sans émoi la sincérité visuelle des formations en présence, entre l'éponyme Booty People (1977) qui joue la transparence de par son nom et un Sidney Barnes chantant Your Love Is So Good To Me sur Foot Stompin' Music (1978), véritable râle libidineux en accord avec la dite pochette (qui osera remettre en cause que l'amour de sa belle ne lui est pas profitable... à la vue de cet émoustillant talon aiguille fuchsia?) . Pour finir, si dans un premier temps le réflexe aura été de crier au plagiat après la découverte de la pochette originale de Got To Give It Up (1977) des Most Requested Rhythm Band, le Don't Stop My Love (1982) de Passion s'en inspirant très fortement, l'amateur appréciera néanmoins ce qu'on peut finalement apparenter à un hommage et une certaine forme de continuité... en plus moite et sans coton.

Découvrez la playlist Funky Front Cover IV avec Herbie Mann

Bilan de fin d'année d'un Doomster - Part Two

2010-12-27T11:05:00.001+01:00

Dire que le messie doom Jus Osborn était attendu au tournant depuis le très passable Witchcult Today (2007) serait exagéré, tant le joyau sombre de son groupe Electric Wizard, Dopethrone, date déjà d'une décennie. Dix ans qui auront vu un solide album (We Live (2004)) coincé entre deux autres LP plus inconsistants (et inconstants), Let Us Pray (2002) et donc celui de 2007. Dès lors ce Black Masses allait-il sinon remettre en selle le dit sorcier, chantre des ambiances fumeuses et d'un psychédélisme noir où règne de main de maître la guitare hypnotique de son leader (amis de la formule ampoulée, bonsoir)? Electric Wizard, si on en croit les milieux informés, ceux là même champions dans l'art de sortir des expressions préconçues, serait l'un des, sinon, le groupe le plus heavy qui soit. Derrière ce superlatif stérile, véritable ligne de conduite à brasser de l'air propre aux metalheads de toute chevelure, se cache néanmoins une vérité. Le Wizard est doté d'un exceptionnel son épais, massif et ample, capable de remplir l'espace dès les premières notes, avec l'avantage certain de ne jamais verser dans la surproduction ou l’esbroufe sonore. Or Black Masses pourra en déconcerter plus d'un, tant le nouvel album se garde bien de creuser le sillon qui fit en partie la réputation de l'électrique sorcier. Osborn a regoûté à sa substantifique moelle, propose un son certes moins imposant, mais retourne à l'essentiel avec des compositions de nouveau inspirées, où les ambiances sales, nocturnes et incantatoires prévalent, l'album se clôturant comme il se doit par un instrumental menaçant, Crypt of Drugula.

Brûlez un cierge noir, le sorcier est de retour.

Le premier morceau de l'album, Black Mass, en écoute sur leur Myspace.

Coïncidence ou non, 2010 voit la sortie simultanée du précédent album avec celui de Ramesses, Take The Curse. Groupe formé par deux anciens musiciens de la formation de Jus Osborn, soit le bassiste Tim Bagshaw et le batteur Mark Greening (la paire ayant quitté Electric Wizard après la sortie de l'album de 2002) mais aussi d'un certain Adam Richardson, guitariste de Thy Grief Eternal et Lord of Putrefaction, premières moutures du leader du Wizard... bref, pour ceux qui s'intéressent un minimum à l'historique du trio, on reste en famille (recomposée) (1). Après un premier LP, Misanthropic Alchemy, remarqué des initiés et très porté sur le sludge, Take The Curse reprend quelques éléments qui ont fait le prestige de leur ex-taulier, à savoir cette capacité à écrire nombre de riffs entêtants (Terrasaw) accompagnés de samples horrifico-sexués de films crapoteux de série B/Z... mais pas seulement! Le trio anglais, s'il garde une assise profondément doom, sait aussi naviguer en eaux plus troubles, enfin plus remuantes, celui-ci incorporant tel leur voisin d'outre-Atlantique Bongripper, des accélérations propres au metal plus extrême, et dans le cas présent le black metal (Black Hash Mass ou l'introduction d'Hand of Glory)... évolution qui ne détonne guère en découvrant un peu le timbre de voix de Richardson, aussi à l'aise dans le chant déclamatoire étouffé, écorché, ou à la limite du death par moment, une palette vocale doomster qu'on retrouve sur l'excellente chanson qui porte le nom de ce deuxième album. Un album certes moins porté sur le sludge, à la fois plus extrême et plus classique dans l'approche du fait de la plus grande place offerte aux ambiances lugubres et doom 70's (Khali Mist). Du bon doom bien rugueux.

Album en écoute sur Grooveshark.

Terminons sur une note encore plus légère avec les helvètes de Rorcal et leur dénommé Heliogabalus, chanson titre (oui ça devient une habitude depuis le Dopesmoker de Sleep) d'une heure et dix minutes, ou l'illustration sonore de la décadence de l'empereur romain (2) du même nom (plus connu sous le nom d'Héliogabale dans sa version francisée). Une décadence revue et corrigée faut-il le souligner immédiatement par une formation qui ne dépareillerait pas aux côtés des joyeux drilles de Khanate (projet de Stephen O' Malley de Sunn O))) ). Formé en 2006, ce quintette en provenance de Genève officie dans un doom extrême reprenant à la fois les plans les plus tordues d'un EyeHateGod et ceux appartenant à la scène drone... musique somme toute "grand public", "guillerette"... on n'en attendait pas moins de la part de la Confédération qui a vu naitre les poètes d'Hellhammer (3). 70 minutes de musique anxiogène, où la souffrance, véritable leitmotiv d'Heliogabalus et clef de voute de l'album pourra créer chez l'auditeur selon divers paramètres un sentiment paradoxal de rejet... une heure dix sans pause, c'est déjà une épreuve, si on y ajoute un environnement sonore sombre et torturé (4), son écoute entière peut virer au cauchemar... soit un album idéal pour les doomsters les plus aguerris.

Album en écoute et téléchargeable gratuitement sur leur site internet.

PS: Dans la catégorie "peut mieux faire", on retiendra le Ritual Abuse de Cough, le Matador de Zoroaster (lorgnant un peu trop vers l'uniformisation sludge soulignée lors du précédent post, et de tourner avec Kylesa, ceci ne devrait pas arranger les choses...). Au contraire, dans la catégorie groupe à suivre, si le Загадка de Gholas manque encore un peu de personnalité pour se démarquer du reste, celui-ci peut laisser présager un futur intéressant. A suivre donc.

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(1) On ajoutera juste pour alourdir encore un peu plus le propos à titre informatif que désormais Bagshaw et Richardson ont effectué un échange des instruments, ces derniers tenant respectivement la guitare et la basse, Richardson s'occupant aussi du chant.

(2) Après l'hommage à Eve d'Ufommamut... pourquoi pas...

(3) Groupe qui changera de patronyme pour Celtic Frost, soit l'un des pères du black metal ou plus généralement du metal extrême.

(4) A sa première écoute, les 12 premières minutes sont effectivement toutes sauf faciles...